Frames Por Segundo

Sherlock Holmes

2010-01-28T01:13:00.001-02:00

Postado em 28 de Janeiro de 2010

Sherlock Holmes é diversão, só! E isso é elementar, caros cinéfilos!

Robert Downey Jr é um ator que já brindou o espectador com alguns belos personagens ao longo da carreira, e é uma pena que Hollywood o tenha ‘descoberto’ de uma forma tardia, já que bastou fazer Homem de Ferro e agora ele está na crista da onda.

O mesmo magnestismo ocorre em Sherlock Holmes de Guy Ritchie? Um pouco, se comparado aquele outro personagem da Casa das Idéias. Entenda bem, o filme é entretenimento, e Downey Jr junto com Jude Law – o inseparável amigo John Watson – formam uma bela dupla encorpando lutas, investigações, dramas pessoais e momentos repentinamente cômicos.

Apesar de (pasme!) pouco asseado e psicologicamente à beira de um surto, a personagem título é um gênio, insolente, divertido, um mulherengo canastrão e sofisticado que o faz lembrar outro, e mais famoso, personagem que interpretara a dois anos na obra de Jon Favreau.

No conto de Sir Arthur Conan Doyle, Sherlock Holmes é extremamente cerebral, minucioso e astuto. Quanto a isso fique despreocupado porque é um ponto certeiro no roteiro de Michael Robert Johnson, Anthony Peckham e Simon Kinberg. Mesmo com a diversão, pode haver certa resistência dos mais reacionários e tradicionais, já que há uma fuga completa da visão clássica das obras.

O método científico e a lógica dedutiva no desvendar de pistas, ou mesmo no combate corpo a corpo, é de bater palmas, apesar de um excesso aqui e acolá. Falando em lutas, nos contos o detetive é descrito também como um excelente pugilista e esgrimista, e Ritchie usou e abusou da habilidade marcial de Holmes. Quando há chance são socos, ponta-pé e quebra-quebra. Ah, esses diretores e filmes caça-níqueis...

A trama

O filme já inicia com a dupla no ápice do desvendar de uma série de assassinatos ocorridos em rituais satânicos por toda Londres vitoriana do século XIX, e o Lorde Blackwood – interpretado muitíssimo bem por Mark Strong – é a figura sinistra por detrás de tudo.

Sentenciado à enforcamento, Blackwood jura que a morte é apenas o princípio, e a obra dele continuará. E assim é. A personagem misteriosamente retorna do mundo dos mortos, desaparecendo do túmulo, e uma nova leva de assassinatos desafia o exercício intelectual de Holmes e Watson. Em paralelo um espacinho no roteiro para draminhas pessoais e desarmonia envolvendo os personagens principais, mas que na verdade arrancam algumas risadas da platéia (seria tais atritos um alívio cômico ou artifício para ocultar a ligeira falta profundidade no roteiro?).

Complexando, e intrigando, mais a história... entra em cena Irene Adler, a única pessoa que já fez a proeza de fazer de idiota, segundo doutor Watson, o mais brilhante detetive das estórias, e por duas vezes! Sua participação poderia ser de certo descartável – apesar da boa atuação de Rachel McAdams - se não fosse o gancho que ela dá para a seqüência garantida nos cinemas. Tá ai um belo exemplo de McGuffin, como diria Alfred Hitchcock, que a trinca de roteiristas usa e desenvolve na película.

Sherlock Holmes é diversão garantida, o filme ideal para as férias, valendo o ingresso e não espere mais disso. Há química entre os atores, mistérios, reviravoltas, lutas, personagens arquétipos e tudo na medida certa como deve ser um filme pipoca.

Divirta-se ao ver Robert Downey Jr e Jude Law socados, explodidos, e desafiados a montar um quebra-cabeça de evidências sob a ótica de Guy Ritchie.

Classificação: Mandou Ver

Avatar

2009-12-23T14:53:00.002-02:00

James Cameron é um mago dos cinemas, e há vinte e cinco anos quando trouxe ao mundo O Exterminador do Futuro, passou a trilhar o caminho que o consagraria como um dos mais prolíficos diretores que já passou por este planeta.

Ele roteirizou Avatar há um bom tempo, com uma trama básica, mas literalmente engavetou a idéia, esquecendo-a, afinal, não havia tecnologia para fazer jus ao que ele propunha no conto. E foi assim até que, certo dia, o homem retirou o calhamaço de onde guardara, literalmente tirando a poeira, e viu que ali realmente havia um enorme potencial para um épico.

Foi pouco mais de uma década de pura e calculada preparação, de acabamento no roteiro, busca pelo aperfeiçoamento tecnológico com a ajuda dos melhores artistas do ramo para tornar tudo “real”.

Então a Fox arcou com o orçamento de 400 milhões de dólares, um dos mais caros investimentos nessa indústria. Foi assim que Cameron rompeu o jejum de doze anos de direção. Ele tinha atingido o seu ápice com Titanic, nada menos que a maior bilheteria da História do Cinema, e agora, finalmente, tem os recursos necessários para tornar o universo de imagens, sons, cores e texturas quase que palpáveis na tela de projeção. O estúdio simplesmente embarcou no audacioso projeto. Era o mínino, já que ele se tornou um dos cineastas mais rentáveis da casa.

Mas chega de enrolação. Senhoras e senhores vamos a Avatar.

Jake Sullivan (interpretado pelo ator Sam Worthington) é um marine paraplégico que embarca numa viagem espacial que dura cinco anos para chegar ao planeta Pandora, o local mais hostil que um ser humano pode estar. Ele faz parte de um programa em que a consciência humana é transferida a um avatar, um corpo que é a mistura de DNA humano com os nativos do planeta, os Na’vi. A função é se integrar aos habitantes locais, conhecendo a cultura e ganhar a confiança deles.

O motivo dessa empreitada é clara: Uma empresa mineradora quer o precioso unobtanium, abundante nas florestas, e com Jake na forma Na’vi as chances dessa espécie ceder aos planos dos humanos fica mais tangível, teoricamente. Mas a verdade é que a região está ameaçada pela devastação, e a impaciência dos militares cresce cada vez mais.

Enquanto que Selfridge (Giovanni Ribisi) — responsável pela empresa mineradora — e o Coronel Quaritch (Stephen Lang) estão excitadíssimos na busca por subjugação, entra em cena a Drª. Grace (Sigourney Weaver), uma cientista com função diplomática como contra peso à ignorância capitalista e militar. Ela ‘catequiza’, na forma de um Na’vi, os humanóides, providenciando cuidados médicos, ensinando a linguagem humana, etc. Mas o choque entre culturas é inevitável, e o ‘Povo do Céu’ — os humanos – se perpetua como os aliens, os invasores, os vilões.

A trama lembra o conceito de histórias como O Último Samurai ou O Último dos Moicanos pela questão do choque de cultura. Façamos um paralelo entre Jake Sullivan e o capitão Algren — Tom Cruise na obra de Edward Zwick. Enquanto que Algren foi capturado, Jake se deixa inserir na comunidade a ser estudada. Mas o que realmente têm em comum é que ficam imersos na alteridade da cultura, assimilado-a, aprendem a amá-la e no final um embate de grandes proporções, dando a vida para protegê-la das forças militares que enviou-lhe até lá.

Perfeitamente lógico também fazer uma comparação entre os Na’vi e a tribo dos Moicanos – do célebre filme onde Daniel Day Lewis interpretou Hawkeye. É de uma beleza infindável os detalhes, a linguagem (que realmente foi criada), as cores, as florestas e seres luminescentes, por serem extremamente atrelados à ideia da deidade que os une, uma energia que dá vida a tudo — Eywa. Outro ponto a destacar é o espírito bravo e indomável dos nativos, que está extremamente refletido em Neytiri, personagem de Zoe Saldana, o interesse amoroso de Jake. É através dela que o herói é aceito pelos Na’vi, já que o salvara por ter um coração puro, embora teimoso e barulhento como uma criança.

A captura de movimentos está fantástica, bem como a computação gráfica responsável pela ambientação, a ponto de não distinguir o que é real ou não, além de vários planos de câmera mais abertos transparecendo a grandeza do cenário de cachoeiras, rochas, horizonte, o céu ensolarado, as florestas, e em dados instantes, a câmera lenta em momentos mais tensos de batalha e efervescência emocional. Tudo foi basicamente criado do zero. É impressionante e difícil imaginar o engenho focado em tamanho projeto, mas no final é possível ver o resultado em Avatar.

É impressionante a riqueza de cada detalhe é potencializada em closes, com expressões faciais sutis, linhas do rosto, a reflexão e absorção de luz na pele, o escorrer de lágrimas, a silhueta de corpos desenhadas no neón, etc.

Existem películas de ficção científica que certamente marcam a história da cinematografia mundial: Trilogia de Star Wars, De Volta Para O Futuro, Indiana Jones, Blade Runner, O Exterminador do Futuro 1 e 2, Aliens – O Resgate, Matrix, entre outros. Se Avatar vai ou não se incluir no mesmo panteão, isso cabe a você espectador decidir apontando o diferencial. A tecnologia sabiamente empregada em cada cena vai gerar essa discussão.

Mas mesmo com personagens bem desenvolvidos e sem firulas no fácil desenrolar dos 162 minutos de acontecimentos, fique avisado que não há reviravoltas ou momentos realmente inesperados. A história nos conduz a caminhos já conhecidos, como águas vindas da nascente que desembocam na foz. Você já conhece o destino. Mas é interessante saber como essa jornada se dá, e a tecnologia se ajusta perfeitamente a isso como uma cobertura especial assentando uma cereja no topo do bolo, que dá todo o sabor especial.

Definitivamente 2009 foi o ano da ficção-científca, e Avatar é parada obrigatória para quem curte uma boa história, e você vai se sentir imerso num novo e bravo mundo, o qual James Cameron conceituou!

Classificação: Explosão Áudio-Visual!

Morre Brittany Murphy

2009-12-20T18:27:00.001-02:00

Infelizmente faleceu na manhã deste domingo dia 20 de dezembro de 2009, em Los Angeles, a atriz Brittany Murphy. Suspeita-se de que fora por ataque cardíaco fulminante.

Segundo bombeiros de Los Angeles, Simon Monjack, o marido da atriz, foi quem fez o telefonema de emergência às oito da manhã – duas da tarde no horário de Brasília.

De acordo com o site TMZ a atriz deu entrada no Cedars-Sinai Medical Center já morta. Por enquanto não há mais informações.

Brittany fez parte de comerciais na infância. Na década de 90 fez participações na série Blossom, apresentada no Brasil pelo SBT, e em 1995 no filme As Patricinhas de Beverly Hill. Em 1996 atuou em Drive - Tensão Máxima, ao lado de Mark Dacascos e Kadeem Hardison, e em 1999 no drama Garota Interrompida com Angelina Jolie e Whoopi Goldberg. Mas foi em 8 Mile - Rua das Ilusões que obteve reconhecimento profissional. Mais tarde esteve em Sin City de Robert Rodriguez.

Efraim Fernandes, como todos, foi pego de surpresa

Morre Lombardi

2009-12-02T16:42:00.003-02:00

Uma das vozes mais icônicas da TV brasileira, Luiz Lombardi Neto faleceu na manhã desta quarta feira (02 de dezembro de 2009) em sua casa. O locutor acompanhou Silvio Santos por anos, tornado-se uma marca registrada no programas dominicais do SBT.

O corpo foi encontrado, segundo o irmão, Reinaldo Lombardi, na residência dele em Santo André pela esposa do locutor, Eni, que constatou que Lombardi estava morto na cama. Ele não sofria de nenhuma doença, porém uma de suas sobrinhas, chamada Adriana, suspeita de infarto.

Silvio Santos ao saber da notícia, cancelou uma gravação que ocorreria esta manhã, chegando à emissora visivelmente abatido e chateado. A despedida deve ser realizada na Câmara Municipal de Santo André, e será aberta ao público, acordo esse feito entre a emissora de Sílvio e os familiares do profissional.

A emissora que abrigou Lombardi, o SBT, fez uma declaração oficial: “É com muita tristeza que o SBT comunica o falecimento do grande companheiro de Silvio Santos e da emissora, Luiz Lombardi Neto, de 69 anos”. Celso Portiolli também se mostrou comovido: “Perdi um grande amigo. Pessoa digna e de uma extrema bondade. Sempre me ajudou”.

Lombardi nasceu no ano de 1941 e começou na carreira ao lado do homem do Baú no inico da decada de 70, e a amizade entre ambos era grande, sendo que Silvio não começava nenhuma gravação enquanto Lombardi não estivesse presente.

Morre Herbert Richers

2009-11-20T13:24:00.001-02:00

É com pesar que o pioneiro da indústria da dublagem no Brasil, Herbert Richards, faleceu hoje, dia 20, aos 86 anos de idade no Rio de Janeiro. Herbert estava internado na CTI da clínica São Vicente desde o dia 8, sofrendo de problemas renais cerca de um ano. O cineasta e produtor nasceu em Araraquara, São Paulo, em 11 de março de 1923.

O dublador Guilherme Briggs mostrou-se emocionado com o ocorrido: "Era um senhor de idade, mas mesmo assim não conseguia acreditar quando soube da noticia. Desde criança eu associo o nome dele à dublagem."

Orlando Drummond, famoso por vozes como Scooby-Doo e Alf, também declarou comoção: "Foi com ele que comecei a trabalhar com dublagem, foram cinquenta anos juntos. Ontem pensei tanto nele... Herbert foi um lutador, é uma perda irreparável para o mercado de dublagem.”

Os familiares e amigos darão adeus no velório que acontece hoje, a partir das 14h, na capela 1 do cemitério Memorial do Carmo, no Rio.

A maior parte dos filmes dublados em português foram através dessa mesma dubladora que marcou a vida de tantos brasileiros.

E para Herbert Richards, uma salva de palmas para todo o trabalho desempenhado por ele!

Bastardos Inglórios

2009-10-15T01:35:00.000-03:00

Quentin Tarantino realmente sabe deixar a sua marca nos filmes que realiza. Da violência praticamente gratuita e estilizada que traz como precedente os diálogos afiados, intrigantes e curiosos, para de fato começar um banho de sangue e mortes. Com a mais nova obra, Bastardos Inglórios, não foi diferente.

Como de praxe nas histórias que dirige a narrativa é divida por capítulos, mas ao contrário de Pulp Fiction, referência mor do cineasta, o conto segue uma linha temporal contínua, ou seja, não há vai-e-vem, e particularmente foi em ordem cronológica que a produção foi gravada, fator raro em Hollywood.

O ponto forte de Tarantino, sem dúvida, é a interação e construção dos personagens, a começar pelo coronel Hans Landa (o ator Christopher Waltz), o ‘Caçador de Judeus’ na introdução tensa ao dialogar com um homem suspeito de abrigar fugitivos judeus numa fazenda. De certo o que tem mais presença ao longo de uma hora e meia de fita. O jeito como a câmera circunda os atores à mesa e a tensão na música de fundo - o maestro italiano Ennio Morricone compõe parte da trilha do filme- já prenunciam massacre. De lá a jovem Shosanna foge sendo a única sobrevivente.

Quatro anos depois a personagem é dona de um cinema em Paris, território controlado por nazistas, no auge da Segunda Grande Guerra, e sua beleza chama a atenção de Frederick Zoller (Daniel Brühl), que estrela uma película que reforça o poderio alemão frente aos inimigos de guerra. Por ter reconhecimento de bravura dentre os militares alemães, ele consegue a chance de fazer a estreia desse mesmo filme no cinema da bela jovem, querendo em troca, obviamente, afagos da loira que não correspondidos.

Já os ‘bastardos’ formam uma divisão especial de soldados americanos e judeus que tem um objetivo somente: Matar os nazistas, como o próprio tenente Aldo Raine (Brad Pitt) diz aos seus subordinados.

A obsessão dele reforçada pelo sotaque do Tennessee ao falar sobre como adora identificar e matar cada nazista filho-da-mãe que puder é de um transtorno obsessivo impagável!

Apesar de protagonista, não se engane... ele consegue ser tão doentio quanto os adversários, afinal, não é nada normal exigir cem escalpos de cada um dos soldados que comanda.

Se violência não lhe agrada, caro leitor, então a história certamente não é para você já que é um dos mais violentos de toda a filmografia de Tarantino. A cena que justifica tal fato é quando um prisioneiro nazista é mantido sob o comando da personagem de Pitt, e quando se recusa a ajudar os bastardos entra em ação o brucutu do sargento Donnie Donowitz, também atendendo pela alcunha de ‘Urso Judeu’ (Eli Roth). Aqui, violência gratuita, e até desnecessária, ao vê-lo estourar a cabeça do prisioneiro de guerra com um bastão de beisebol. Isso foi apenas o começo do que estava por vir, mas acalme-se já que apesar do tamanho nível brutalidade, este ocorre em momentos específicos, bem espaçados entre longos diálogos acompanhados de planos de câmeras.

A união dos caminhos dos bastardos e de Shosanna é justamente a noite no cinema o qual todos os grandes cabeças do Terceiro Reich estarão alocados. A atriz e agente infiltrada Bridget Von Hammersmark (Diane Kruger) é o elo para fazer com que os soldados americanos tenham a chance de acabar com a guerra, executando o plano de matar Adolf Hilter. Mas apesar da simplicidade do plano de Aldo, na prática, ele e os bastardos passam por poucas e boas, com um desfecho digno de aplausos.

Se for fã do diretor não pode perder a forma como é conduzida a história e é lapidada a personalidade de cada um que brota na tela de projeção. Vá ao cinema ver testículos estourados, diálogos afiados, mortes insanas, escalpos, tiroteios e um Hitler histérico, ruborizado e respingando perdigotos ao ar, simplesmente porque Tarantino ainda é o cara!

Morre Patrick Swayze

2009-09-15T00:22:00.002-03:00

O grande ícone oitentista, Patrick Swayze de 57 anos, morreu nesta segunda -feira 14 de setembro devido a complicações por causa do câncer contraído no inicio do ano passado.

Swayze era um ator versátil. Dentre as produções mais conhecidas há o drama sobrenatural Ghost - Do Outro Lado da Vida, o dançante Dirty Dancing, e um dos melhores filmes de ação dos anos de 1990, Caçadores de Emoção.

Como a personagem que interpretou em Caçadores de Emoção, Boddhi Satva, ele agora deve estar surfando na onda perfeita e curtindo cada momento em paz.

Ele foi um dos que marcaram toda uma geração, aquela mesma em que se passava as tardes da semana grudados no canal plim plim de televisão. Vai com Deus!

Clique no link e veja uma das cena smemoráveis do ator em Dirty Dancing!

Arraste-me Para O Inferno

2009-09-07T23:32:00.000-03:00

Sam Raimi está de volta no gênero que o consagrou com o um dos diretores mais Cult: Terror! Foram-se os anos em que o nome do diretor era bem lembrado pela trilogia, misto de comédia e horror, Uma Noite Alucinante. Depois conquistou Hollywood pelo belo trabalho desempenhado nos três filmes de Homem Aranha.

Um regresso ao que o fez hype era inevitável, principalmente após o sucesso da franquia do cabeça de teia. Muito bem, vamos a Drag Me To Hell!

A história já inicia de cara assustando os espectadores. O jovem menino Juan, em 1969, rouba um grupo de ciganos e lhe é lançado uma maldição que culmina na ida, sem filas direto, para as profundezas do inferno. Parece exagerado, concordo, mas é exatamente isso que vemos, e sem frescuras. Os objetos de movem e se quebram, os familiares e Shaun San Dena, mulher a quem foram pedir ajudar para desfazer o feitiço, são arremessados e o garoto jogado ao chão que racha e revela fendas iluminadas pelo mar de fogo das profundezas. Ele é engolido e não sai mais.

Após um fade a tela muda para os dias atuais e conhecemos Christine Brown, interpretada pela linda Alison Lohman, de Os Vigaristas. Ela é uma jovem bancária que sonha com a promoção, mas que tem um forte candidato, e puxa saco do patrão, que dificulta as chances já que ela até agora não tomou decisões difíceis.
Quando a velha, e repulsiva, Ganush pede mais um adiamento para a extensão do financiamento à jovem, Christine tem a chance de dar mais um tempo para senhora para que não perca a casa ou... tomar uma decisão difícil: negar o pedido e deixá-la sem o lar.

Óbvio que almejando um cargo maior que a segunda opção é a escolhida. É quando Ganush transforma a bela em um objeto de vingança e a amaldiçoa. O fim dela, de acordo com a maldição, é ir para o inferno, mas não antes de fazê-la pirar com visões e ataques de um demônio chamado Lâmia, o mesmo que perseguira o garoto na introdução da história. Aliás, cenas essas extremamente enervantes ao longo da narrativa. Como se proteger de algo que mesmo que possa ver – em vultos e sombras –, ouvir e não se pode tocar?

Sam Raimi não economiza nos sustos! Mesmo! Quer dizer, o quão clichê pode ser um filme desse gênero? Momentos silenciosos, talvez até mais do que o esperado deixando quem está na poltrona inquieto, desejando logo que venha o susto e arrancar de uma vez o mal pela raíz. Mas não. Com a câmera vai fechando um close lentamente na loirinha e vemos o verdadeiro pavor surgir no semblante. Acredite, após todos esses anos o diretor ainda sabe criar um clima bem tenso.

Mas o filme ganha uma bela força porque, como na trilogia de Ash, há uma mistura de gêneros que consagrou Raimi. Antes de tudo começa pelo roteiro: Garota descobre que vai para o inferno e o namorado Clay Dalton (Justin Long), cético, diz que tudo não passa de besteira, uma verdadeira paranóia e que acredita que ela acredita que as coisas que vê e ouve são reais.

Descobre o médium Rham Jas que serve de conselheiro para saber como se livrar do encosto. Quando está a se consultar com ele, temos mais um dos momentos engraçados do filme que é a implicância de Clay achando que o vidente Rham não passa de um charlatão. Como é de praxe, bom humor não falta na película, talvez a melhor seja o jantar que Christine tem na casa dos sogros.

Depois os sustos, comédias, bons diálogos, piadas, efeitos sonoros de arrepiar, susto e assim segue... você já conhece a fórmula. Outro bom exemplo é numa cena pra lá de batida onde se tem Christine atacada pela velha Ganush dentro do carro. Uma louca, porém coesa mistura de risadas e espantos, além de momentos bem nojentos: Por mais que Lohman seja linda é deveras broxante e verdadeiramente repugnante ver a velhaca carcumida e caolha com a boca pútrida, sem a dentadura, chupando e lambuzando o queixo e boca da loirinha. Em cenas seguintes o namorado interpretado por Justin Long a beija apaixonadamente.

Arreste-me Para o Inferno tem potencial para ser o novo clássico do escritor e diretor, tem até pitadas de O Exorcista, provando mesmo um retorno às origens com uma bela ‘pegadinha’ no final. Ah, e caros amigos, Alison Lohman consegue ser muito sexy até mesmo suja de lama desenterrando uma cova.

Num ano onde a decepção pairou sobre produções voltadas à robôs alienígenas e explosões, e luta entre mutantes de incríveis poderes, Sam Raimi demonstra claramente ser uma grata surpresa para 2009.

Classificação: Mandou ver!

2009-09-07T19:23:00.001-03:00

teste

Morre John Hughes

2009-08-06T19:32:00.000-03:00

Se você está na casa dos vinte e poucos anos com certeza já ouviu falar no nome de John Hughes e já viu os filmes dele na Sessão da Tarde, mesmo que não saiba quem ele era.

Ele é responsável por clássicos como Mulher Nota Mil, Curtindo a Vida Adoidado, Clube dos Cinco, Negócio Arriscado e por ai vai.
O diretor/produtor era conhecido por retratar bem as angústias, sucessos e fracassos do universo jovem de forma a divertir e emocionar, nunca deixando de dar o devido valor a essa fase. Ele trouxe credibilidade a essa época da vida em que todos passam, momento de cosntrução de identidade. Foi dele que muitos adolescentes viam a válvula de escape para as pressões do dia-a-dia e talvez ninguém ate hoje tenha conseguido retratar a sociabilização de jovens como Hughes.

Ele falecerá hoje, 6 de agosto, enquanto fazia uma caminhada em Manhattan, em Nova Iorque. Ele tinha 59 anos.

A atual geração NX Zero, Jonas Brothers, HSM e afins estão perdidas… Fico imaginando se haverá pessoas que tinham o mesmo brilhantismo de caras como Hughes na época atual, que possa fazê-los ter aquele sentimento de infância bem vivida como a que nós tivemos!

Clique no título e veja uma montagem dos filmes do cara!

Vai com Deus, Hughes!

Revenge of the Fallen

2009-07-04T22:51:00.000-03:00

Apesar das críticas negativas que o filme recebeu, e da reclamação do senhor explode-explode Michael Bay à Paramount quanto à fraca divulgação do mais novo blockbuster do pedaço, uma coisa é inegável: o diretor faz jus à reputação que porta.

Quanto a essa reclamação, Bay pode ficar mais tranqüilo já que o mais novo trabalho do piromaníaco diretor quase bateu O Cavaleiro das Trevas como o filme a alcançar a marca de 200 milhões de dólares mais rápido. Sem falar que o longa estreou em 58 países e desde seu debute, dia 23 de junho, já alcançou a cifra de 363, 2 milhões de dólares no mundo!!! Imagina se houvesse uma forte campanha aos olhos do diretor.

Antes de começar, um aviso a você, leitor, é que o texto a seguir pode conter spoilers. Continua ai? Beleza.

Há dois anos Shia Labeouf era um nome a se guardar. Hoje, ele é um jovem de 23 anos vivendo na crista da onda de Hollywood, assim como a belíssima Megan Fox. Ela, no primeiro filme era só decotes, um belo par de olhos, barriguinha tanquinho, caras e bocas.

Na seqüência não poderia deixar de ser diferente, vide a cena em que a nossa raposinha está montada numa turbinada moto, trabalhando numa oficina mecânica. Mais sexista do que isso, impossível. A ordem é atrair o máximo de público possível – entendam como homens, mesmo.

Voltando a produção em si, vamos à pergunta central. Revenge of the Fallen é melhor que o primeiro filme? A resposta é sim. Porém, isso vai gerar discussões já que se vê na tela a todo o momento as coisas extraordinárias da aventura de 2007, só que em maior escala. E isso não quer dizer coisa boa, já que o ponto negativo é tudo estar em demasia.

Logo, as ‘falhas’ do primeiro filme podem ser mais gritantes na segunda parte, ofuscando os momentos que fazem desta seqüência melhor que o original. Uma reclamação de alguns eram as lutas entre os robozões muito rápidas e pouco nítidas. Neste não é diferente. Porém, Bay concentrou-se um pouco mais nas expressões faciais e gesticulações dos robozões, e quer saber? Ponto pra ele!

O filme tem lá seus excessos, é uma verdade. Por exemplo, entrou para o livro dos recordes por conter em uma cena a maior proporção de explosões já feita num longa metragem. E mais, as constantes piadas entre os robôs gêmeos - que tiveram um toque peculiar com a dublagem especialmente feita para nós, os brasileiros -, o pequeno robozinho com desejos sexuais pela ‘deusa guerreira’ Mikaela, e por ai vai.

E quando a gente menos espera, a cena em que vemos a bunda de John Turturro antes de ‘comandar’ uma invasão a nada mais e nada menos que ao museu Smithsonian com três adolescentes e uma arma de choque, acabando por desacordar todos os seguranças e despertar Jetfire, o Decepticon ancião vira-casaca, sem serem pegos!

Mas o ponto certeiro da película é o aprofundamento na mitologia dos seres autômatos de Cybertron. Descobrimos logo de cara, na introdução, que a Terra já foi visitada há dezessete mil anos por eles. Como em Transformers, a narração em off de Optimus Prime, dublada competentemente e de imponência por Guilherme Briggs, que já nos brinda um clima de preparação.

Sam vira alvo dos robôs do mal, principalmente de Fallen ansiando por vingança contra Optimus - daí o título do filme -, e quer o garoto já que tem na mente todo o necessário para encontrar as origens do mundo deles, e a busca pelo Energon, a fonte de energia nunca antes vista.

O mundo agora sabe da existência dos robôs alienígenas, e o governo e militares acobertam tudo da melhor maneira que podem, graças a formação do grupo NEST. Os Autobots nos últimos dois anos ajudam os militares do tio Sam e uma força militar internacional, eliminando Decepticons remanescentes nas várias locações do globo terrestre.

Enquanto o planeta sofre dessa paranóia, Sam se prepara para ir à faculdade e encara um modo paralelo de manter a relação fragilizada com Mikaela. Mais o que nunca duvidamos é que ele realmente é um cara normal. No quarto, seja o de casa ou da faculdade, pôsteres da banda The Smiths e dos filmes Bad Boys II e Cloverfield, sem falar nos pais corujas e bitolados do garoto.

Um outro momento é a discussão da relação do casal, logo após a casa dos Witwicky ser destruída por Bumblebee na tentativa dele de salvar seu protegido que, aliás, já traz roupagem de ‘final round’ com a trilha instrumental e o grito “Bumblebee!”.

Depois, a câmera circunda o casal se despedindo com aquela música emocionante já evidenciando clímax, como se estivesse na conclusão do filme, quando na verdade nem se passara 15 minutos de história.

Falando em clímax, isso é uma coisa que vemos constantemente na aventura. É só começar uma luta entre os robôs e Steve Joblonsky não economiza na trilha sonora instrumental. Seja um embate na floresta entre Prime e Megatron, ou mais ao final acompanhado de seguidas explosões em meio às areias escaldantes em White Sands, que serviu como locação do Egito.

Um outro ponto que corrobora com as más críticas são as pequenas forçações de barra. Ao chegar à faculdade, Sam tem como colega de quarto Leo (Ramon Rodriguez), que escreve para o blog sobre conspirações do governo. O tema recorrente do verdade.com eram alienígenas e a luta que travaram no fim primeiro filme e as recentes atividades em Xangai - uma grande cena de ação no começo.

O maior concorrente de Leo é o site do Robô Guerreiro, e, devido a uma conveniência do roteiro o tal concorrente é ninguém menos que John Turturro, reprisando o papel de Simmons, ex-agente do Setor 7. Agora trabalhando como açougueiro e morando com a mãe. Quando ninguém mais pode ajudar o protagonista, Simmons entra para ajudá-lo.

Mas é ai que há o alivio cômico na dupla Turturro e Rodriguez, ou nas cenas em que Sam vai surtando quando vê os símbolos antigos a cerca da origem dos transfomers, como na aula de Astronomia.

Porque tirar o chapéu para Michael Bay? Ele fez algo até então nunca realizado em um filme, de novo! Conseguiu permissão para filmar nas Pirâmides do Egito e na Esfinge nunca antes com tamanha proximidade, sem falar nas locações do Oriente Médio, suas formações rochosas e antigos templos, que são um belo atrativo na narrativa.

Os momentos finais são de deixar a boca aberta. Foi o que literalmente ocorreu comigo, principalmente quando Sam está a ter a experiência extracorpórea. Cena belíssima de texturas, cores, luzes e sombras.

Apesar dos pesares, Michael Bay é o mestre dos blockbusters, e o roteiro de Alex Kurtzman, Roberto Orci e Ehren Kruger, com a produção Lorenzo di Bonaventura e produção executiva de Steven Spielberg, traz um conto em que só precisamos nos acomodar na poltrona e desligar o cérebro. Tudo o que temos há fazer é curtir todos os mais de quarenta robôs, beijos apaixonados ao pôr-do-sol, silhuetas dos corpos ao horizonte, corridas em slow motions, ação em meio a uma cortina de areia atravessada por luzes, efeitos visuais, artilharia pesada e explosões do início ao fim. “Autobots, vamos rodar!”

Classificação: Mandou ver!

Adeus ao Rei do Pop

2009-06-25T20:51:00.000-03:00

O jornal Los Angeles Time afirmou que o rei do pop, Michael Jackson, morreu nesta quinta feira depois de levado para o hospital UCLA Medical Center. A morte dele aconteceu antes da turnê This is It, coma progaramação de 50 shows em Londres.

O que se sabe pela TV CNN é que Randy Jackson, irmão do cantor, disse que ele não estava bem e sofreu “um colapso em casa.” Os familiares foram até o hospital a qual Michael deu entrada com uma parada cardíaca.

Com a nota do LOS ANGELES TIMES, o oficial Steve Ruda alega que o rei do pop não estava respirando quando para médicos chegaram a casa dele. Reanimação cardio-pulmonar fora o procedimento executado.

Joe Jackson, pai do cantor, afirmou: “Ele não está bem. "A mãe dele está indo para o hospital neste momento para vê-lo. Não tenho certeza do que aconteceu. Estou esperando uma resposta deles.”

O porta-voz dos bombeiros de L.A., Davin Gales, não confirmou se era de fato Jackson, mas disse que para médicos de fato atenderam um chamado na casa dele.

Michael ficou mundialmente conhecido na época em que era do grupo Jackson 5. Após esta fase teve inicio a carreira solo com muito sucesso. Seu auge foi o álbum Thriller, a qual ganhou oito grammys. Depois um certo declínio na carreira musical após o álbum Dangerous e escândalos envolvendo pedofilia e que estaria quebrado, sem economias.

Michael encantou fãs do mundo inteiro com canções como "Bad", "Thriller", "Black and White", "Will You be There", "Beat It", "Billie Jean" e tantas outras.

Seu último trabalho foi a edição comemorativa do álbum Thriller que fez 25 anos contando com vários artistas dando cara nova aos seu clássicos.

Michael Jackson era o ídolo de infância da música de Efraim Fernandes e ainda continua sendo!

Star Trek

2009-05-12T12:55:00.002-03:00

Os fãs da série de capitão Kirk, senhor Spock e companhia ficarão satisfeitos com o reinício deste que promete ser apenas o começo de muitas aventuras trekker. Senhoras e senhores, Star Trek!

Já de cara tem de ser parabenizado o trabalho da dupla de roteiristas, Alex Kurtzman e Roberto Orci que são os mesmos de Transformers, por se encarregarem de introduzir a nova geração o universo trekker sem perder o mais importante: o foco para os antigos fãs da série original, a qual o filme foi baseado.

O nome dele é Abrams, J.J. Abrams

J.J. Abrams começou fazendo tv. Séries como Felicity, Alias, o furacão Lost e até tem o nome creditado no arrasa-quarteirão Armagedom. Em 2005 dirigiu Missão: Impossível III e em 2008 foi a vez de Cloverfield.

Mas para J.J. poderia haver um fardo muitissimo pesado de 40 anos de culto. Dirigir o cult Jornada nas Estrelas que é no mínimo ousado. O que ele fez foi criar uma realidade alternativa do universo trekker que se auto afirma coesamente na narrativa devido a um personagem retornar no tempo por anos e anos, juntamente com o vilão da história, a qual se passa a história do longa metragem. Resumindo, começou do zero sem desvalorizar a série ou filmes anteriores.

Isso abrirá portas a um mar de novas possibilidades, tomando novos rumos, não estando mais preso aos filmes anteriores e o melhor é que isso atrairá novos e antigos fãs da ficção científica. Se os doze filmes anteriores eram bem fechados, destinados somente ao público alvo específico, Abrams consegue milimetricamente traçar uma história que mantenha a essência de Star Trek, mesmo que tomando novos rumos, e de quebra tenha apelo ao grande público que nunca tenha se interessado ou visto esta obra.

Os personagens

Como nasce uma lenda, aquele que virá se tornar o maior capitão da frota estelar? James T. Kirk (Chris Pine) nasce, literalmente, numa batalha no espaço a qual o pai Tiberius torna-se capitão da nave por meros 12 minutos, salvando a vida de muitos da tripulação.

Desde pequeno o garoto já mostrara sangue quente e um comportamento radical. A cena pós-introdução é uma prova disso. O jovem num Corvette, ao som de Sabotage dos Beast Boys, a toda velocidade perseguido por um oficial da lei. Pouquíssimos instantes antes de cair num precipício, ele pula do carro e quase cai junto da máquina possante. O policial, alienígena, pergunta qual o seu nome. De arrogância maior que a própria estatura responde: “Meu nome é James Tiberius Kirk!” Pine conseguiu passar credibilidade ao personagem, não se prendendo a imitar os trejeitos de William Shatner, o Kirk original. Acredite, ele é James T. Kirk.

Em paralelo, vemos a educação rígida de Spock (Zachary Quinto da série Heroes) e o preconceito sofrido por ser mestiço, já que ele é filho de um vulcano com uma humana (Winona Rider). Pela tradição vulcana, há somente espaço para lógica e a razão, usadas para que não se deixem cair nas profundezas de fortes emoções e podem, apesar da frieza, sucumbir à emotividade mais que humanos. Mas o ser de orelhas pontudas é meio-humano, portanto sempre em conflito. Por horas frio e lógico, mas em outras movido por sentimentos.

É interessante e até engraçado o fato do pequeno Spock ser um nerd e sofrer afrontas de um trio de valentões prontos para surrá-lo, destaque para as falas. Tomado por raiva surra um dos valentões. Quem diria o buillyng sendo um problema até fora da Terra?

Anos mais tarde, um jovem adulto e audacioso Kirk numa briga de bar. Grosseiro, mulherengo, extremamente combativo. Depois de surrado vê a chance de se alistar para as forças da frota graças ao capitão Pike que conhecera o pai dele, e mudar de vida servindo a um propósito maior. Ai a aventura começa.

Por ser o oposto de Spock, isso rende belos diálogos e embates psicológicos. São quase mind games que tem como base a razão e emoção, ou simplesmente têm visões diferentes quanto a que procedimentos tomar em meio ao perigo de ataque. Enquanto que em Spock há um mar de emoções reprimidas, em Kirk uma explosão de impulsividade. Mais opostos, impossível.

O vilão da vez é interpretado por Eric Bana, Nero. Um romulano. Como em muitos dos filmes da franquia, o vilão é frio e sem piedade. A nave que está a cargo é escura e cheia de parafernálias tecnológicas. Seus planos se limitam à vingança, é verdade, especificamente a Spock. Mas o desenrolar da trama, as formas como são reveladas essa obsessão cega são devidamente justificadas.

Mas infelizmente a atuação, apesar de boa, fica esfumaçada quando a história permeia pelas instalações da Enterprise e seus tripulantes. É no mínimo estimulante ver os personagens clássicos saltando um por um com as devidas introduções. Como as de Karl Urban fazendo McCoy, Zoe Saldana sendo Uhura, Anton Yelchin encarnando o adolescente russo Tchecov, John Cho como Sulu, e por último Simon Pegg atuando como Scott. Mesmo em participação curta Pegg roubas as cenas com aquele humor em discussões sobre o problema do tele transporte, com as brigas com o pequeno alien ajudante, ou em momentos em que sua personagem rompe silêncios de forma constrangedora.

As imagens

A câmera de J.J. Abrams é ágil e trêmula, com zooms, principalmente nas cenas de ação. Algumas até vertiginosas. Um dos melhores exemplos é o salto em queda livre de Kirk e Sulu. Quando não isso, são os efeitos visuais, as batalhas entre naves, os pontos luminosos na imensidão do espaço e a trilha sonora em meio aos momentos mais tensos e gloriosos.

Easters Eggs

Também não estão de fora. São pistas, ou surpresas no decorrer da trama. Na série por exemplo, era muito comum nas missões de campo uma equipe e dentre eles, um membro de camisa vermelha. Era justamente esse quem morria. Na missão em que Kirk e Sulu fazem queda livre, havia mais um trajado de vermelho. Adivinha quem morre? Este é um dos vários que claro, não vale a pena narrar e sim ver no filme.

Porque ver o filme?

Diálogos rápidos e precisos, de muito bom humor até. Chris Pine que o diga. A química entre ele e Saldana, ou com Urban é salta das telas. Tão competente é a dele com Quinto, por ser algo mais ácido e inevitável. Impossível não simpatizar com a petulância da personagem de Pine.

Está tudo lá. Os efeitos sonoros da nave, as falas, uma participação especial surpresa e as caracterizações. Em especial Quinto e Karl Urban, precisos como Spock e McCoy, respectivamente, com sua postura física, jeito de olhar, gesticular e expressar. E claro, a trilha sonora marcante que acompanha a abertura do seriado sessentista com direito as clássicas palavras “O espaço, a fronteira final...”.

Atreva-se você também a ir para onde nenhum homem jamais esteve nesta versão atual e saudosista ao clássico de Jornada nas Estrelas. Vida longa e próspera à você e a nova franquia de J.J. Abrams.

Classificação: Explosão Audiovisual.

Dez Anos do Sucesso de The Matrix

2009-05-06T20:23:00.000-03:00

"Infelizmente não se pode dizer o que é Matrix. Você tem quer ver por si mesmo".

Em comemoração aos dez anos de um dos maiores filmes de ficção-científica já feitos, um texto que tem por intenção promover entre os leitores a discussão do filme Matrix. São muitíssimas e riquíssimas as referências do filme. O que os irmãos Wachoswki fizeram – e brilhantemente – foi juntar de forma coesa vários temas numa só história, embora posteriormente haja mais dois capítulos da cine série que não chegam perto do poço de referências filosóficas do primeiro.

Por se tratar de um tema pra lá de extenso, remeter-me-ei as visões mais tradicionais – até porque é um assunto sem fim, eu sou um só e ninguém agüenta ler por horas páginas na frente de um monitor [risos].

Confesso que eu fui um dos que assistiu pelo menos uma três vezes até entender. Uma coisa é inegável: O filme despertou a curiosidade de muitos. Ao ver logo no inicio da história um grupo de policiais armados até os dentes para deter uma mulher no escuro quarto 303, você se indaga o que ela está realmente fazendo.

“As ordens visavam a sua proteção” diz Smith a um policial. O oficial responde “A gente dá conta de uma mocinha”. Smith olha pasmo aos seus colegas agentes e o policial fala novamente “Eu mandei duas unidades. Eles a estão trazendo.” Por fim, o agente engravatado rebate “Não, tenente, seus homens estão mortos!”

Ela pula, corre pela parede e nocauteia os mesmos policias, e desarmada. Mais a frente quando agentes estão a persegui-la no terraço de prédios abrindo fogo e saltando de forma impossível que a curiosidade aumenta mais. O momento que culmina com a maior das dúvidas é quando Trinity vê a cabine telefônica, ouve o toque e corre desesperadamente para atender a droga de um telefonema quando pode ser esmagada por quilos e quilos de um caminhão em alta velocidade. Daí o espectador bota a mão na cabeça e grita “Que porra é essa, cumpade?!” É ai que me vi fisgado no universo criado chamado Matrix.

ALGUMAS REFERÊNCIAS

Antes de tudo, para um maior aprofundamento recomendo o livro Matrix - Bem Vindo ao Deserto do Real. Caso não encontrem, procurem os sites Omelete.com.br e Jovemnerd.com.br (em seu podcast está disponível um papo de uma hora e meia de duração, hilária por sinal) a qual há informações sobre o assunto esmiuçados competentemente.

A primeira comparação praticamente obrigatória e mais clara é o Mito da Caverna de Platão. A alegoria é uma versão sombria de mundo a qual todos os seres humanos nascem, crescem e morrem numa prisão. Mas estas pessoas não têm ciência de que estão detentas. O mesmo acontece quando Morpheus explica a Neo que seres humanos não mais nascem, mas são cultivados em campos, infinitos campos. Para alimentá-los as máquinas liquefazem os mortos para dar de energia via intravenosa aos vivos.

Na alegoria, há os acorrentados, inertes que estão posicionados em frente a uma parede interna da caverna. Tudo que conhecem são sombras projetas na parede graças a uma fogueira ou luz vinda do exterior da caverna atrás deles. Isso fez com que um desses se indagasse sobre o que de fato via. Certo dia, esse mesmo indivíduo liberta-se dos grilhões e vai além da caverna, dando-se conta de um novo mundo.

Por estar do lado de fora, fica temporariamente com os olhos sensíveis já que nunca os usou, pelo menos não daquela forma, como Neo após ser solto com a ajuda de Morpheus e sua equipe, agora na mesa cirúrgica da nave Nabucodonosor (em claro apontamento ao rei babilônico de mesmo nome responsável pela destruição do Templo de Jerusalém). Na nave há a inscrição Mark III nº11, que é referência ao Evangelho de Marcos 3:11, a qual diz “E quando os espíritos impuros o viam, se jogavam gritando: 'Tu és o Filho de Deus'”. Lá que Neo tem seus músculos e todo o corpo reconstituído.

Aos poucos o homem do conto de Platão tem sua visão normalizada e fica deslumbrado com tudo a sua volta. Era um outro plano de existência. Ele decide voltar e contar a todos sobre o que presenciou embora depois sofresse afrontas. Especificamente neste momento fica clara a defasagem entre dois mundos: O Inteligível – alcançado àqueles que portam da verdade e conhecimento, embora que poucos –, e o Mundo Visível – Tomado como o único, exclusivo e verdadeiro por todos que o habitam na caverna. Seguindo esta linha de raciocínio, Neo encontra nessa primeira descoberta do mundo inteligível o exílio, mesmo se tratando de um mundo dantesco e escatológico. O segundo mundo seria o das aparências, fantasias, é a Matrix.

Mal recebido foi este homem que tenta levar a luz às mentes ainda presas na caverna, já que soa uma verdade absurda. Ora, como VOCÊ reagiria se alguém contasse com todas as forças que sua vida, amigos e feitos são uma pura ilusão? O grau de dependência que VOCÊ tem com tudo aquilo em sua volta o faz negar todas as palavras que te foram proferidas. Negação é o mais básico dos atos humanos.

A personagem de Keanu Reeves encontra tal repressão pelos agentes, seres que guardam esta simulação de realidade neuro-interativa (ou “mundo de sonhos gerado por computador”) chamada de Matrix. O próprio Morpheus adverte que todo aquele dentro do sistema é um inimigo em potencial, já que os agentes podem tomar qualquer um, a qualquer hora e em qualquer lugar. São detentores de todas as chaves de todas as portas para qualquer ponto na matriz.

Neo, na condição de homem desperto, é como Buda diante de homens e mulheres normais e ignorantes. Aliás, o significado da palavra 'Buda' é O DESPERTO. Mas isso será dissertado mais ao final, que é quando Neo tem certeza de quem é, apesar de dúvidas anteriores. A questão é que ele encontra grandioso nível de identidade sabendo que a realidade a qual todos estão tão presos é um véu imposto (na história de Buda isso se relaciona com dêmonio da ilusão, Maya) para que não possam enxergar a real condição: Todos são escravos numa prisão que não podem ver, sentir, ouvir ou cheirar. Uma prisão para a mente com intuito de serem transformados em uma peça, uma bateria, uma pilha descartável. É assim que as máquinas se alimentam, de energia corpórea.

INSPIRAÇÕES
Após a exibição de Matrix em 1999, incontáveis filmes e séries trouxeram referências, imitações porcas e até plágio. Isso se deve a cultura disseminada por The Matrix que lucrou 460 milhões de dólares em bilheteria mundial, além de quatro Oscars por Melhor Montagem, Melhor Som, Melhor Edição de Efeitos Sonoros e Melhor Efeitos Visuais!

Aqueles que pensam que os Wachowski criaram tudo, enganam-se. Como fãs de quadrinhos, ficção-científica, filmes de westerns e kung-fu, etc, migraram todos os seus gostos para essa produção. O Corvo e Cidade das Sombras ambas dirigidas por Alex Proyas, por exemplo, foram uma clara influência na vestimenta e visual gótico e látex. Há elementos no longa metragem egressas do roteiro de animação Ghost in The Shell no que se aplica a relação homem/máquina, a dependencia da tecnologia, desenvolvimento da Inteligência Artificial, a fusão entre o cérebro humano e a máquina – como bem visto quando Neo adentra a um programa de computador pela primeira vez a receber treinamento, graças ao plugue que dá diretamente ao córtex cerebral. A famosa chuva de códigos verde no monitor vista no filme vem diretamente desse anime.

Há a obra Simulacro e Simulação, de 1981, do finado Jean Baudrillard, inserida de forma brilhante quando Thomas Anderson está a negociar um programa de computador com um cliente. Ele abre exatamente este livro que serve como um simulacro, pois apenas se passa por um livro já que a função deste objeto era apenas guardar as muambas comercializadas por Anderson.

O autor descreve em sua mais famosa obra algumas caracteristicas que a imagem sofre: Como refletir uma realidade básica; mascarar e perverter uma realidade básica; que não há qualquer relação com qualquer realidade e se torna o seu próprio simulacro. Tais observações estão intimamente ligadas à Matrix.

Vejamos: Em relação ao primeiro item descrito, Smith diz a Morpheus que antes da atual versão de mundo simulada, houve uma em que a perfeição era dominante. Sem sofrimento, mortes, etc. Foi um tremendo fracasso, e safras inteiras (cultivos humanos) foram perdidas já que ninguem aceitou o programa. Isso talvez porque não houvesse uma linguagem de programação para descrever o mundo perfeito. Mas Smith acredita que a Humanidade define a realidade através de miséria e sofrimento. Daí a Matrix foi refeita no auge da civilização que a conhecemos, com suas falhas, imperfeições, já que são mais verossímeis e tangíveis, completamente aceitáveis. Ou seja, uma realidade básica foi refletida, o auge que os humanos atingiram em 1999.

O mesmo discurso de Smith também se adequa a segunda visão de Baudrillard, já que na Matrix tudo é mascarado e pervertido (entendam perversão como algo corrupto), as coisas são distorcidas. Ele mesmo diz que a civilização dos humanos será agora a civilização controlada pelas máquinas, que humanos são pragas, e eles, os que controlam a matriz, são a cura. “Quando começarmos a pensar pelos humanos, será a nossa civilização” diz Smith. Os agentes podem manipular a 'realidade' – vide a cena em que Anderson quer dar um telefonema após ser preso e sua boca se fecha literalmente, o impedindo de falar. Logo, mascaram e pervertem uma realidade básica.

De certa forma, apesar deste mundo de sonhos ser baseado no mundo que outrora existiu, esta versão simulada não mais tem relação com o Mundo Inteligível, antes citado, e tornou-se seu próprio simulacro, um mundo próprio não mais dependente daquele anteriormente conhecido.

Como bem pincelado, são muitissimas as referencias: Cristianismo, Budismo, Niilismo, Filosofia, pensamentos de René Descartes e o demônio maldoso, Admirável Mundo Novo de Aldous Huxley, Sócrates, Platão, tecnologia, 1984 de George Orwell, cibercultura, computação, fala sobre escolha e esperança, traz pinceladas sobre Alice no País das Maravilhas, filmes de artes marciais e de ação de John Woo e Chow Yun-Fat, westerns...

Podemos encontrar similaridades em outros filmes pela relação sonho/realidade, uso de tecnologia e estado de vigilância como Vanilla Sky, Memento, A Rosa Púpura do Cairo, O Show de Truman, Inimigo do Estado, Equilibrium, O Exterminador do Futuro, O Vingador do Futuro, Johny Mnemonic, Eu, Robô, A Hora do Pesadelo, e muitos mais.

Significado dos Nomes e Curiosidades
Uma coisa intrigante são os nomes e seus significados. A começar por Morpheus, introduzido de forma a relacionarmos com o significado do nome. Morpheus era o filho deus da noite e do sono na Grécia Antiga. Essa figura divina pode proporcionar o repouso necessário ao homem cansado para que esse mesmo possa, por meio dos sonhos, libertar o adormecido de seus pesares. Ele podia tomar qualquer forma no sonho. Quando Neo está deitado esquadrinhando no pc sobre Matrix, é ele (Morpheus) que interrompe seu sonho através da tela de computador. A figura de João Batista também remete-se ao personagem de Laurence Fishburne, já que prepara o escolhido para o caminho a se seguir, além de poder ser também interpretado como uma figura paterna.

Trinity
É relacionada ao número 3, que obviamente vem da Santíssima Trindade – Pai, Filho e Espírito Santo, ou Brahma, Vishnu e Shiva. É nela quem Neo encontra conforto e ela traz a imagem da Grande Mulher-Mãe.

Cypher
É como Judas, o traidor. Mas seu sufixo 'cypher', lembra a palavra Lúcifer, o anjo decaído que armou contra o domínio de Deus. Assim como Judas traiu Jesus com um beijo, Cypher traiu O Escolhido e seguidores também, e o fez pela vida de glamour que pode ter na matriz, mesmo sabendo que lá, tudo é ilusório. Mas a satisfação será real. Ele negocia com Smith entregar o código para adentrar em Zion e depois ele quer a memória apagada, porque saber da terrivel verdade é um tormento e ser ignorante nunca pareceu ser uma grande bênção. Trocando em miúdos, prazer sem culpa. Como ele pode sentir culpa pelo o que fez se ele não se lembra? Cansado de comer da mesma comida horrivel, de passar frio, de correr pra não morrer, ele desiste da causa nobre de ajudar a libertar os humanos para voltar a viver na ilusão, por ela ser mais doce e agradável.

Uma rápida conversa que Cypher tem com Trinity, pouco antes de puxar o cabo que liga os personagens à Matrix, é sobre liberdade. Ela insiste em dizer que fora do mundo de ilusões, todos estão realmente livres e podem desfrutar da verdade. “Liberdade, chama isto de liberdade?” declara irônico para Trinity. Ele diz de maneira clara que não há liberdade na forma como vivem e que a Matrix é muito mais real e gratificante. Não passa de um personagem que viver somente pelo prazer, mas a vida sem sacrificio não traz o real significado de prazer quando experimentado. O doce jamais será tão doce sem o amargo.

Neo
Thomas Anderson era o típico homem, com um número de seguro social, ajudava a senhoria a tirar o lixo, era infeliz no trabalho. Mas ele sabia que havia algo de errado com o mundo e não dormia noite após noite, querendo desvendar o que havia ao seu redor deixando-o louco.

É no primeiro encontro em uma boate com Trinity, embalada no som de Rob Zombie, descobrindo que não é por Morpheus a quem procura, e sim por uma resposta cuja pergunta é: “O que é Matrix?” Essa indagação está lá como um espeto na mente, ao melhor estilo “Decifra-me Ou Te Devoro!”. Sócrates também compartilhava desse mesmo tormento, ou espeto na mente, e a pergunta que o movia era “O que é a boa vida?”

Neo é o que tem significado mais claro de todos, mas com certeza o não menos emblemático. A palavra significa 'novo', novo homem. Pode-se fazer um jogo de anagramas e encontrar o nome Noé, salvador dos seres vivos da fúria de Deus. Peguemos o nome Thomas Anderson e o separemos. Thomas é menção à Tomás de Aquino. Já Anderson, se quebrarmos a palavra, significa 'filho do homem', a mesma condição que o Redentor estava ao vir para Terra. Andros significa 'homem' e 'son' é filho, logo, filho do homem. Era desta forma que Cristo se autonomenclaturou.

Sua ligação com o Messias é um tanto óbvia por causa do que está destinado a fazer, levar a luz a Humidade. Assim como Cristo, Neo morre e ressucita. E ao final do filme ascende aos céus. Numa versão mais pop, pode-se dizer também que foi uma clara menção ao Superman por sair da cabine, olhar ao alto e sobrevoar a cidade.

A condição de Neo é intrigante já que ele é como Buda, o desperto. Uma das coisas que Morpheus diz a ele é “Acorde, Neo”. No budismo há variadas ramificações, mas a que interessa para entender um pouco o filme é a Tibetana, já que há a figura do Bodhisattva. É uma espécie de pré-buda que abdica da iluminação total para ajudar aos outros seres a se libertarem. Esta é a função de Neo, afinal, ele é o Escolhido, é ele quem trará fim a guerra e libertará os humanos.

O que impede o estado búdico, aquele de verdadeira noção de realidade, é Maya (um demônio criador da ilusão). Sendo assim, Maya tem relação direta com a Matrix que por função ilude a mente humana. Desta forma, a pessoa que acreditar profundamente que pode dissolver a ilusão será Buda, O Desperto. É exatamente isso que Neo faz em sua ressureição. Ele acredita que é o Escolhido e assim se torna quem estava prometido a ser, mesmo o Oráculo tê-lo dito que não. Mas há algumas interpretações para tal.

Vejamos:
Quando Neo dialoga pela primeira vez com o Oráculo, ela lhe mostra uma placa na parede da cozinha. “Temet Nosce”, que significa Conhece-te A Ti Mesmo. Ela diz que ser o Escolhido é como estar apaixonado. Ninguém pode dizer pela pessoa, é apenas uma coisa que se sente com todas as forças e certeza. Mas Neo está em dúvida. Sendo assim, podemos concluir que ele sempre foi o escolhido e só precisava acreditar nisso, passar pelas provações como escolher entre a vida dele próprio ou de Morpheus, como o Oráculo bem profetizou. Ele precisava ouvir que não era para assim se tornar.

A outra forma de interpretação é que somente ao morrer e ressucitar, graças ao beijo da vida ou sopro da vida vindo de Trinity, que ele se tornou de fato o Único. Ela mesma disse que ele não poderia estar morto já que fora profetizado que Trinity se apaixonaria pelo eleito e por isso ele não poderia estar morto. “Cedo ou tarde, Neo, você perceberá que há a diferença entre conhecer o caminho e trilhar o caminho” parafraseia Morpheus ao herói acreditando que ele é o salvador.

Ele começa a crer que pode ser o eleito quando finalmente encara Smith na estação de trem, ao estilo western spaghetti de Sergio Leoni. Fica implícita nesta cena as palavras de Morpheus durante a luta que tiveram no treinamento “Não pense que é, seja!”. Isso fica mais refletido ainda quando volta dos mortos e pára as balas ao ar, exergando os códidos verdes a volta. Esta cena pode ser comparada à de Buda (Sidartha Gautama) contra os exércitos de Mara, o senhor das ilusões. Os dardos e flechas atirados por esse exército contra o Buda viraram flores e a ilusão não mais tinha apelo. Para Neo, as balas param ao ar e ele vê tudo como realmenete é: Códigos. Ele não mais achou que poderia ser ou não. Ele só se tornou!

Agente Smith
O visual dos agentes infiltrados é de mesmo look da época do agentes à paisana do governo Nixon. Terno, gravata, óculos escuros e fone ao ouvido. O que é Smith? Segundo o Oráculo, em Revolutions, é o oposto. Enqaunto que Neo é a luz, Smith, em contrapartida, é a sombra, Trevas e sombra. Uma teoria discutida interessantemente é a destruição do agente no terceiro episódio.

“É inevitável” entoa a todo o momento ao herói. Ao final, já sem forças em persistir a lutar contra a tirania imensurável de Smith, Neo concorda e se deixa infectar. Afinal, Anderson estava conectado a máquina mãe, a Matrix, então se deixa 'derrotar'.

Pensemos, meus caros, em uma sala escura e desocupada. Somente em acender uma luz forte ao centro e não haverá espaço para escuridão. De acordo com esta premissa, a derrocada de Smith, que mantinha por filosofia que não havia sentido na vida e que tudo tinha de ter um fim, era nevitável porque não há sombra quando se tem luz. Além do mais, Smith se tornou um programa que fugiu ao controle. Era autônomo e a Matrix não tinha como controlá-lo. No momento em que Neo estava conectado à Matrix e deixou que Smith tomasse seu corpo, a matriz teria controle do agente (que estava inserido em Neo) e logo poderia ser destruído. (Aplausos deste que vos escreve pelo brilhantismo às analogias).

Matrix
Quer dizer 'mãe' e vem da palavra indo-euroéia 'Matr'. É a fêmea com crias. Dentro da Matrix há seres humanos armazeandos como forma de obtenção de energia em casulos rosados que lembram o útero. Útero este que alimenta os vivos via intravenosa e lá são cultivados. Um aspecto contraditório é que a função de um ser maternal é proteger e preparar a sua cria, quando que na trama fica claro o caráter déspota e cruel, oposto ao que se espera de uma matriarca. A função da Matrix se converge aos estudos de Marx sobre o capitalismo. Um bom filme que evidencia isso, de forma sutil e menos apocaliptica quanto a franquia de Neo, é Tempos Moderos de Chaplin.

A relação de exploração, de ver o proletariado como uma simples peça da engrenagem complexa à um sistema maior. Chaplin se torna líder grevista de um sindicato e conhece uma jovem por quem acaba se apaixonando (Neo e Trinity). Ao decorrer da história fica em voga que as idéias subversivas dos operários, que querem derrubar esta ditadura, serão vetadas e de certa forma é do capitalismo que vem todo o conforto e diversão que uma pessoa pode ter. Sem isso serão miseráveis, viveram à margem de tudo. O mesmo ocorre em Matrix. Lá existe todo o conforto e caracateristicas de uma vida, bem diferentes as do mundo real experimentas por Neo, Trinity, Morpheus e sua tripulação.

A ótima história, a cultura em torno dos personagens, as roupas, as lutas e trilha sonora marcante, que vai do metal ao eletrônico, culminou em fãs no mundo inteiro e Matrix entrou pro hall dos melhores filmes do gênero em todo o mundo. Para terminar eu lhe faço a seguinte pergunta: Pare um minuto e pense. Se tivesse um espeto na mente que o incomodasse, até até onde estaria disposto a ir para saber a verdade? Tomaria a pílula azul ou vermelha. Para muitos a resposta já é clara por já se saber o que acontecerá devido a escolha de Thomas Anderson, não importando qual você tome.

Divã

2009-04-19T22:17:00.000-03:00

José Padilha Jr. é um roteirista e diretor que ao longo da carreira fez bons trabalhos que marcaram a infância de toda uma geração por comédias como Os Trapalhões e a Árvore da Juventude, O Mistério de Robin Hood e O Casamento dos Trapalhões, por exemplo. Também agradou a um público mais adulto por minisséries como A Justiceira, Sai de Baixo, Os Aspones, Os Normais... Enfim, um homem calejado no que diz respeito a fazer rir e emocionar pessoas, e Divã está nessa linha: fazer rir, chorar e refletir.

Conheçam Mercedes (a atriz Lilia Cabral). Mulher que se dedicou ao matrimonio, tem dois filhos e a grande amiga Mônica (a hilária Alexandra Richter). Tudo as mil maravilhas, certo? Errado! O filme inteiro se passa dentro de um consultório a qual Mercedes revela, por vezes insegura, todos os seus segredos, aspirações, alegrias e tristezas para um analista. Ela mesma diz, com uma certa dose de arrependimento, que ela e Gustavo (José Meyer) casaram-se no momento em que se conheceram.

A união com ele está ruínas, mas não se dá conta disso pois acredita na instituição que o casamento representa e se ocupa também com a pintura, atividade que ama fazer, embora não saiba se é a verdadeira vocação após anos lecionando matemática. Mas é quando o marido negligente lhe elogia um trabalho que ela desconfia. Não por nunca receber elogios, mas sim pela tela de pintura estar em branco no momento que ele está evasivo ao respondê-la sobre um telefonema, cujo número era desconhecido.

A história é uma verdadeira montanha russa emocional. Depois do fim do casamento ela redescrobre a vida, e com orgulho diz que nunca chorou por ninguém após a morte da mãe quando era apenas uma pequena criança, mas que não o fez na frente do pai Agenor (Elias Gleiser) para não abalar a força dele.

Quando ainda estava com Gustavo, chega a vida da quarentona o arrasa-quarteirão Theo (Reynaldo Gianecchini) que a faz suspirar, assim como toda a platéia feminina nos cinemas. Arqueólogo, aventureiro, mora na Europa e de boa lábia, ou papo furado, que encanta de vez a protagonista. Ela achava que a traição de Gustavo não necessariamente traria o fim do casamento. Seguindo essa risca, envolve-se com Theo. É com ele que é tocada como a há muito não era. A insegurança dela de que é algo errado, proibido, porém extremamente satisfatório, é quando está num motel bebendo champagne na garrafa. E foi uma experiência libertadora.

Nesse vai-e-vem emocional que Monica lhe rende conselhos, além de risadas todo o momento. As duas por vezes têm opiniões fortes sobre a vida, mas se complementam e se entendem.

Em outra fase da vida, ela 'pega' o garotão Murilo (Cauã Rymond). Baladeiro de plantão. Aqui, uma Merces mais ousada quanto divertida, que fica em casa chorando pelos erros e desencontros da vida, ao lado da melhor amiga. Destaque para as cenas de Lilia e Cauã na boate gay ao som de muita música eletrônica, num show de luzes, cores e piadas.

Assim é Divã, que fala de cumplicidade, amor, sexo, amizade, felicidade, tristeza, carência, desapego, morte e o (re)descobrir a vida. Uma boa história que fará não só mulheres, mas homens se identificarem com a personagem de Lilia Cabral, mesmo que voltado à ótica feminina. E você, como está vivendo a sua existência?

Eram Deuses ou Rock Stars?

2009-03-15T19:42:00.001-03:00

São poucas as bandas que conseguem manter a fidelidade e credibilidade de fãs por mais de 30 anos, ganhando ao passar do tempo mais público jovem. E numa única noite eles conseguiram provar porque são uma das maiores e melhores bandas de metal do mundo. Senhoras e senhoras, a dama de ferro, Iron Maiden!

A espera enfim estava terminando. A contagem regressiva após oito anos de espera realmente estava em curso para os meus conterrâneos. Depois de uma bela apresentação no Rock In Rio de 2001 e de outra grande performance em 2008, mas infelizmente não no Rio de Janeiro, o pedido de desculpas de Bruce ao público carioca. Pois bem, essa gafe fora sanada na noite de 14 de Março de 2009 às 21 horas e 45 minutos.

Chuva, milhares de fãs abarrotados na praça da apoteose adentrando os portões de chão molhado e escorregadio. Depois da banda de abertura da deliciosa Lauren Harris (filha do baixista e criador da banda principal da noite) as luzes se apagam. Era o começo do Iron Maiden – Somewhere Back In Time Tour 2009.

Uma voz cavernosa e sussurrando na abertura. Uma explosão de luz e era a clássica Aces High! Já na primeira canção você podia sentir a presença de palco de Bruce Fuckin’ Dickinson a metros e metros do palco. Em seguida, o coro na platéia de 2 Minutes To Midnight eWrathchild.

Bruce brinca: "Disseram que este lugar é do samba. Achei que não teria fãs de heavy metal aqui! No ano passado não tocamos aqui, mas agora mudamos o repertório para compensar". Palmas, gritos e energia transbordavam. É quando entra Children of the Damned. Mas era o começo, um aquecimento para o que estava por vir.

O delírio veio com uma das melhores: Phantom of The Opera. Um rápido discurso do front man sobre o quão importante são os fãs nessas três décadas e agradecimentos por eles serem recebidos Mas somos nós que agradecemos por eles estarem aqui. Quando se achava que não se podia melhorar, The Trooper. Nesta música a melhor teatralidade do vocalista, fardado como um soldado britânico e bandeira do país de origem a mão. Ao fundo, no palco, para cada canção uma arte diferente que faz referencia a música interpretada. Em uma das canções ele até mesmo cantou com um casaco preto e máscara tribal. Mais teatralidade do que isso, impossível.

Ainda em The Trooper, Adrian Smith com movimentos acrobáticos, quase que marciais com a guitarra. Giros, saltos, retornando com o instrumento à mão em tempo de acordes precisos. Em seguida uma das canções mais queridas e de maior significado a mim, Wasted Years. Harris é simplesmente incrível tocando o baixo. O cara tem uma monstruosa energia, e a clássica pose em que se abaixa e ‘atira’ no público dedilhando o instrumento.

Rime of the Ancient Mariner passa e vem Powerslave. Enquanto cantava o vocalista faz uma pausa de alguns minutos para trocar uma idéia com o público. O mais incrível foi presenciar um relativo silêncio dos mais de 20 mil na Apoteose. O olhar de satisfação de Dickinson ao falar “Man, you are fuckin’ mad!!!” foi única e ele disse porque todos só sabiam pular, gritar cantar refrões e rodinhas punk em meio às apresentações. Ele também agradece a todo tempo em poder tocar em terras cariocas e dá um recado aos paulistas: "Alô São Paulo, estamos chegando". Teve um rápido espaço para um merchanzinho do novo filme Flight 666 nos cinemas brasileiros, e que em 2010 um novo álbum de estúdio estará pronto para que no ano seguinte um novo show no Rio seja realizado. É quando retorna sem aviso a Powerslave com seu truncado jogo de luzes e pirotecnia.

Estávamos nos aproximando do fim e as coisas esquentaram mais, literalmente. Éramos 22 mil pessoas aproximadamente, de acordo com a polícia federal, estando João e eu literalmente no meio delas suando. A entrada de bateria de Run To The Hills é inconfundível. Todos ficam em alvoroço mais uma vez, coisa recorrente em praticamente em todas no repertório da dama de ferro. Estouros de labaredas de fogos no palco, tochas de fogo crescendo quase tocando os holofotes ao teto do palco iluminando a platéia. Histeria pura.

Por falar em histeria, um dos momentos mais esperados e conhecidos: "Feaaaar of The Darrrrrk", do repertório do álbum de 1992! De todas, foi nessa que não houve um parado, por mais cansado que pudéssemos estar por causa dos riffs de guitarras de introdução, as rodas se abrindo, bebidas arremessadas, cheiro da canabis, fumaça ao alto... depois mais um notório sucesso : Hallowed Be Thy Name, a qual sempre rola o "scream for me Brazil, Screeeaaam for me Brazil!". Realmente difícil dissertar sobre quais melodias obtiveram maior êxito.

Então, o mais memorável instante. A esfinge dourada gigante no palco na forma do rosto de Eddie, o mascote dos integrantes, com a música que leva o mesmo nome da banda. Bruce estava em meio ao fogo no palco, literalmente! Apesar do frenesi da música, Dave Murray sempre com um ar calmo e de mãos inquietas na guitarra. A esfinge se abre saindo um Eddie gigantesco mumificado que vem a parte mais a frente do palco, indo para esquerda e direita. Delírio total para fãs.

Tudo escuro. Pontos de luzes vermelhos, um grande demônio na lateral e era The Number of The Beast, a clássica das clássicas. Mal deu tempo para respirar e The Evil That Man Do com a participação de um Eddie articulado de mais de três metros, avermelhado em referencia ao álbum Somewhere in Time de 1986. Adrian Smith não parava de se mexer e o companheiro de guitarra Janick circundava o grande mascote entretendo todos.

Era chegado o momento final com Sanctuary quando Bruce apresenta cada membro e a promessa de voltar. "Vejo vocês em breve!" A certeza se deu quando Nicko McBrain se levanta da sua quase fortaleza, a bateria a qual toca com maestria. O homem que talvez mais sue no show inteiro. Quando ele vai ao centro e agradece, fica um gosto de satisfação. Ele joga as bateras no mar de pessoas e se vai.

As pernas doem bastante por pular, o corpo está banhado por cerveja, o corpo está dolorido. Você sente a melhor dor do mundo, a melhor sede do mundo por que sabe que valeu a pena a espera por aqueles momentos. É quando meros mortais voltam a sua rotina, às vezes enfadonha, e para quebrá-la um pouco é possível perder-se nos pensamentos e relembrar a sensação de estar num mar de pessoas para um show que tem potencial para mudar a vida de muitos.

Para visualisar os vídeos, clique no título do texto. Up The Irons! Up The Irons! Classificação: Essé fooodaaa!

Watchmen - O Filme

2009-03-08T15:58:00.000-03:00

Watchmen é uma das histórias em quadrinhos nada convencionais e muito conceituada do criador Allan Moore e com a ilustração de Dave Gibbons. Para quem acha que quadrinhos é somente coisa de criança então pode ir tirando o cavalinho da chuva. A obra do cultuadíssimo, contudo ranzinza e barbudo Moore, adaptadada nas telonas por Zack Snyder (“o visionário diretor de 300”) e roteirizada pela dupla Alex Tse e David Hayter, fala de um 1985 alternativo a qual super-heróis eram comuns na sociedade e prestam serviços ao governo norte-americano.

Mas com a Lei Keene, mascarados são proibídos de transitarem pelas ruas e seus trabalhos patrióticos são suspensos. Ok, Ok, visão bem American Way of Life, mas mesmo assim a obra merece a atenção. Muitos achavam impossível o trabalho de fazer Watchmen, já que muitos o consideram como uma das maiores obras literárias ja escritas (mesmo que sendo quadrinhos). Mas cá o filme está.

Infelizmente nunca tive a oportunidade de ler o gibi para assim compará-la com o filme, mas de uma maneira genérica a obra original sempre terá maior riqueza de detalhes, mas mesmo assim para quem nunca leu Watchmen pode ver o filme e ficar maravilhado com o show de efeitos visuais.

A introdução do filme é instigante. O vigilante Comediante (Jeffrey Dean Morgan, o John Winchester da série Supernatural) é um ex-combatente, já velho e em casa zapeando os canais, assistindo a enfervescência Nixoniana (perdão ao neologismo) e lá ele refletindo sobre os trabalhinhos sujos postos por debaixo do tapete em nome da democracia do Tio Sam. Por minutos durante a bela introdução até a execução do Comediante por um assassino contratado, ouvimos a clássica Unforgettable de Nat King Cole, arreemessado da janela do alto andar em que vive.

Para a perícia tudo leva a crer que foi apenas um roubo devido aos pertences revirados. Mas para o engenhoso mascarado Rorschach (Jackie Earle Halley) trata-se de uma perseguição aos aposentados Watchmen. A pergunta é quem está por detrás disso. Não se engane, o filme não é de fácil entendimento por uma infinidade de riqueza de acontecimentos e tão pouco segue uma linha contínua de fatos que nos resulta numa resolução prontinha.

Durante a investigação do irredutível e carniceiro mascarado, que nos brinda com um certo clima e bom tom de filmes noir de detetive lembrando o estilo anos 1940, que há vai-e-vem temporal. O artíficio serve de apresentação dos personagens. Uma das introduções em forma de lembrança é a de Jon Osterman/Dr. Manhattan (Billy Crudup de Quase Famosos).

O visual do ator ao encarnar o ser de energia Dr. Manhattan é de cair o queixo. A caracterização está perfeita se olharmos as imagens dos quadrinhos. Igualmente interessante o seu visual e habilidades sobre-humanas, beirando a deidade, são os diálogos (uma quase embate, razão versus emoção) entre ele e a Espectral II (Malin Akerman) a quem mantém-se num relacionamento à deriva.

A perda aos poucos da humanidade do personagem, o questionamento sobre si próprio - como na cena em que ele está no planeta Marte, com um belíssimo visual - , o desapego às coisas mundanas, afastamento emocional, sua exposição à mídia, seu fascínio pela ciência e mistérios do tempo/espaço e a corrida para evitar a destruição do mundo (graças a habilidade em ver o futuro) fazem crescer o desinteresse dela a quem procura refúgio no antigo amigo Dan Dreiberg/Coruja (Patrick Wilson).

Completando o time, a personagem Ozymandias (Matthew Goode), o homem mais inteligente do mundo. Tão grande quanto a genialidade (mesmo que absurda) é a arrogancia e complexo de Deus que porta. Mas toda vez que o via atuar não podia deixar de pensar no quão clichê é sua personagem e a visão de mundo dele sobre a salvação, que ele está destinado a fazer. É um desgarrado do grupo, egocêntrico, tornando-se um mega empresário fazendo produtos recreativos baseados nos vigilantes e pensa até em um filme sobre e ele e os antigos colegas de patrulha.

Por que vale a pena ver o filme? Simples, pela caracterização das décadas. Pela enfervescência cultural como guerra do Vietnã, a pressão da possível guerra nuclear nos anos de Guerra Fria entre as super-potências EUA e União Soviética, as referencias musicais em cenas de ação como All Along The Watchtower de Jimmi Hendrix ou uma canção de Bob Dylan aqui e Janis Joplin ali, citações dos nomes dos jornalistas do Washington Post, Bob Woodward e Carl Bernstein, famosos por trazerem à tona o escândalo do caso das escutas telefônicas ilegais a mando de Richard Nixon... São boas referências a história dos Estados Unidos, mas claro com as devidas alterações do universo da obra.

Mas um adendo à direção de Snyder. Seus filmes trazem aquelas caracteristicas cenas de violência e sexo. Neste não ficam de fora também. As cenas protagonizadas pela atriz Ackerman e o ator Wilson são de longe mais ousadas que de Lena Headey e Gerard Butler em 300, bem tórridas na verdade. Faz se pensar se elas simplesmente são realmente necessárias ou se poderiam ser um pouco menos explícitas.

A violência também tem grande peso. Por horas é bem elaborada em cenas de luta. Em outras bem secas e diretas, como dedos quebrados, fraturas expostas, braços serrados, etc. Um pouco de exagero?

Violência sexual tem espaço também na cena dividida entre O Comediante e a Espectral I (Carla Gugino, maravilhosa por sinal). mas quem pode decidir isso com melhor discernimento são os fãs da obra. Eles são quem podem dizer o quanto de fidelização há nas atitudes dos (anti) heróis na fita. Mas é claro todo o cuidado que o diretor teve com os detalhes na produção como vestimentas, maquiagens, a forma como filma, por já ser hoje 'O' Zack Snyder... que faz a fita ter os olhos voltados a si.

Watchmen é um filme que preencherá a visão de muitos pelas cores, texturas, cenas de ação, efeitos visuais, pelos diálogos a cerca da natureza humana, teoria do caos, e claro o velho discurso em salvar milhões (às vezes irritante e clichê, mas nada que comprometa o filme). Mas não se engane já que não é um filme a qual enxerga-se com clareza atos bons e ruins distintamente. Não há somente tons de preto e branco, mas de cinza a ponto de contestar as ações dos ditos 'heróis'.

De fato é até questionável quais deles são mais sádicos ao executar a tarefa e salvar o dia. O meu voto está entre Dr. Manhattan que gosta de explodir coisas e O Comediante que não vive sem matar ou alvejar alguém. Daí a pergunta do teaser... "Who watches The Watchmen?" É um filme para os fãs, mas sendo você ou não um admirador do quadrinho, lhe desejo um bom filme e aguarde a uma possível sequência devido a alterações ao final.

E caso não goste, vá por mais uma vez assistí-lo nas salas de exibição. Se estiver convencido de que não é um bom filme, é porque você tem uma opinião muito bem formada dentro da sua caxola. Ou simplesmente não quer dar o braço a torcer por marcar os cinemas e ser a mais nova tendencia de filmes de super-heróis, como foi mais ou menos com Matrix e O Cavaleiro das Trevas.

Watchmen vale o ingresso. Classificação: Mandou ver!

Sexta-Feira 13

2009-02-15T20:41:00.001-03:00

Quais as regras básicas e universais em um filme de terror? Posso citar algumas, como não ir a lugares estranhos e desertos (principalmente em matas densas), não ficar sozinho, não transar (droga!), não sair de férias com um grupo de amigos loucos e mulheres maravilhosas loucas por sexo (droga de novo!), não fumar maconha (essa eu dispenso mesmo), não estar no escuro e por ai vai... Essa é a fórmula base da cine-série Sexta-Feira 13, que retorna em grande estilo numa mistura de remake dos primeiros dois filmes originais, mas que ao mesmo tempo é uma reinvenção da mitologia do maior assassino serial das telonas.

Apesar dos elementos clichês, como sons repentinos e altos, ou momentos em que você diz “Isso ai vai dar merda”, é impossível não se assustar. As duas introduções estão ai para provar isso, uma durante os créditos e a outra logo depois.

A história tem como mocinho Jared Padalecki (o Sam Winchester de Supernatural) interpretando Clay em busca da irmã desaparecida, parte do grupo que desaparece na segunda introdução. Como as autoridades desistiram de procurar por ela e os amigos, ele mesmo parte para investigação, chegando até mesmo ser desencorajado por um dos policiais de Camp Crystal Lake. Quando nos damos conta, mais um grupo de adolescentes farreando prontinhos para serem mortos. Destaque para Aaron Yoo e Arlen Escarpeta! O destino deles e de Clay se junta no sombrio lar de Vorhees.

Mas vamos ao que interessa: as mortes. Um diferencial deste episódio para todos os outros é que Jason Vorhees está mais realista. Uma das coisas que deixavam os fãs enlouquecidos, pelo menos a mim, é que enquanto as vítimas corriam pelas próprias vidas, o homem da máscara de hockey somente dava poucos passos lentos e já estava de cara matando-os. Se isso era motivo de medo, agora com essa versão 2.0, ele está mais mortal.

Ele é o matador perfeito. Viver anos em Crystal Lake o torna um adversário sublime, afinal quem melhor do que ele para caçar? Ele monta armadilhas para ursos, caça com arco e flecha, usa de ferramentas pontiagudas, e tem a clássica peixeira na mão.

Enquanto os valentões em autofirmação querem confrontar o predador em seu habitat, Clay quer evitar embate e sair de lá o mais rápido possível. Ponto pra ele, afinal seria lógico cair no tapa com um cara de dois metros e quase cem quilos com corpos pendurados nos ombros? Ai que Padalecki difere de seu personagem em Supernatural, mesmo que ainda faça as mesmas expressões que o cultuado Sam Winchester. Entendam bem, ele não é um ator limitado, mas foi comedido no que diz respeito a atuação em um filme de horror.

A trilha sonora de Steve Jablonsky, discípulo de Hans Zimmer, e os ângulos de câmera de Marcus Nispel (responsáve pelo remake de O Massacre da Serra Elétrica) corroboram para uma maior tensão na história. Aquele zoom fechado com certa profundidade de campo traz uma boa dose de claustrofobia, e a iluminação entre os galhos na floresta ou a lâmpada que se move em vai-e-vem remete o que está por vir. Tudo muito óbvio, certamente. Mas não nos esqueçamos que no fim das contas o que é interessante não é exatamente o que vai acontecer, mas sim como as coisas irão proceder.

É isso ai galera. O retorno ao bom terror old school, graças a Platinum Dunes e ao roteiro de Damian Shannon e Mark Swift, e produção de Michael Bay. Mulheres, seios à mostra, iluminação baixa, sons repentinos, e muita, muita gritaria. Boa sorte a Derek Mears, o novo Jason Vorhees, e muitos anos de matança!

Classificação: Mandou ver!

Três Vezes Amor

2009-02-08T01:19:00.001-02:00

Bom, antes de começar a falar sobre esse filme foi me dado a idéia de classificar os filmes que posto. Aqui vai então a ordem crescente em quatro notas: Nem Fudendo, Legalzinho, Mandou Ver e Essé Fooodaaa! Agora vamos ao filme?

Normalmente eu torço o nariz quando se trata de comédias românticas, porque esse gênero é bem previsível. Mas confesso que após ver dez minutos de Três Vezes Amor (Definitely, Maybe), escrito e dirigido por Adam Brooks, eu já estava interessado na vida de Will Hayes (Ryan Reynolds).

Ele é pai de uma menina astuta chamada Maya, interpretada por Abigail Breslin de Pequena Miss Sunshine (eu sei, eu sei. Um paizão de uma garota de dez anos esperta. Clichê, tenho de admitir!). O cara está para se divorciar e a filhota não aceita nada bem esse fato e começa a questionar a vida amorosa dele. Em uma noite antes de dormir ela pede insistentemente que conte como ele conheceu a mãe dela. Então narra a história de quando se mudou para a cidade de Nova Iorque e das três mulheres que marcaram sua vida, uma delas mãe de Maya. Mas para tornar tudo mais interessante ele troca alguns nomes e acontecimentos para entretê-la para que no final ela saiba quem é a sua mãe na história. É ai que o filme ganha força e foge da mesmice.

Sua vinda à cidade se deu em 1992, época em que adentrava na carreira de assessor político na campanha de Bill Clinton. Ele era jovem, ambicioso e idealista deixando a então namorada Emily (Elizabeth Banks), a primeira mulher que do conto que marcou a vida dele para ir para cidade maçã. Uma curiosidade é que com o passar dos anos vemos o desenvolvimento de telefones celulares, chegada da internet, referências às músicas como de Kurt Cobain, etc.

Nesse frenesi de manter em equilíbrio a carreira que conhece a teimosa e também idealista April (Isla Fisher). Bem filosófica e até em contraponto ao pensamento do rapaz. Posteriormente vem Summer (Rachel Weisz) com quem se relaciona por intermédio de Kevin Kline, que dá o ar da graça, mas sem muito peso. Ela é jornalista escrevendo sobre política e a relação se deu de forma natural, graças aos interesses que compartilham.

Se numa comédia romântica a preocupação é manter a química certa entre um casal, então essas três mulheres maravilhosas do filme atingiram a nota máxima de interação com Reynolds. Elas fazem parte de capítulos ou vivências diferentes da existência Hayes, contudo se complementam de forma coesa. Mas dentre as beldades, a afinidade de Reynolds com Breslin se sobressai na relação pai e filha, o que torna tudo mais saboroso e intrigante. A personalidade de cada uma dessas mulheres é bem definida e o desenrolar da história que conta para a garotinha dá margem a algumas interpretações de como tudo pode acabar. Mas nem tudo é como se apresenta.

Essa com certeza não é uma comédia romântica que vomita na sua cara aquele descarado e falso ‘e viveram felizes para sempre’ do final. O filme é um quebra cabeça muito bem montado e desenvolvido. Três Vezes Amor é sobre vulnerabilidade de um cara que viveu derrotas esmagadoras e vitórias brilhantes. Até que enfim Ryan Reynolds está deixando de fazer produções babacas e se firmando nessa indústria. Seu próximo papel de destaque será em X-Men Origins: Wolverine, como Deadpool. Dá-lhe garoto!

Classificação: Mandou Ver!

Vestida Para Casar

2009-01-27T00:57:00.001-02:00

Por Deus, mas é incrível a esperta falta de originalidade de Hollywood em romances água com açúcar, porque é certo encontrar um público específico. Anne Fletcher dirige Vestida Para Casar e é como novela, na qual não precisa se ver pois já se sabe o final. Até o título em inglês, 27 Dresses, entrega o desfecho. Duvida?

É a típica comédia romântica em que a menina conhece o rapaz. Ele se apaixona por ela, mas ela não se dá conta disso até ouvir conselhos e de intervenções do destino - que não passa de uma bebedeira no bar com a cara metade. Ah, claro, não nos esqueçamos das brigas entre os dois para dar o tempero na medida certa. Mas vamos ao filme?

Jane (Katherine Heigl da série Gray's Anatomy) é a filhinha do papai assim como a sua irmã caçula Tess (Malin Akerman). A primogênita se apaixonou por casamentos desde os oito anos de idade. Já crescida ajuda a organizar casórios e suas festanças. A verdadeira faz-tudo-para todos, a burra de carga. Mas há um vazio na vida da sonhadora Jane já que deseja participar de uma cerimônia em que não esteja ajudando, e sim casando. Prova disso é a gula ao se acotovelar pela posse do buquê. Desacordada é socorrida pelo arrogante e cínico Kevin (James Marsden, o Ciclops da trilogia X-Men). Opa, beleza. Preparem daqui pra frente para um verdadeiro festival de clichês.

Os dois se conhecem e de cara se alfinetam (aquela velha história da linha tênue entre o amor e o ódio). Ele divide um táxi na saída do casamento para se certificar que a donzela em 'perigo' chegará bem em casa. Depois da despedida o cavalheiro Kevin, ainda ao táxi, encontra o Santo Graal da moça: a lista de todos os casamentos a serem realizados que ela mesma ajuda a produzir.

A trama se complica, ou fica mais previsível ainda, quando Kevin que é jornalista da coluna de casamentos do New York Journal vê a oportunidade de desenvolver uma bela pauta graúda de acordo com a agenda de Jane: Ela como a dama de honra de vinte e sete casamentos e nunca fora a própria noiva uma vez sequer. A sua editora chefe quer histórias com conteúdo bem humano e eis que surge a oportunidade de promoção do garotão. Não precisa dizer que isso trará problemas aos dois mais a frente.

Mas vamos seguir com a trilha gritante de trivialidades. A protagonista tem uma profunda paixão platônica pelo chefe bonitão George (Edward Burns). Ele, claro, é enfadonho, certinho, saudável e não come carne, além de vê-la só como o braço direito e nada mais. Mas não pára ai, ele se interessa pela irmã caçula, Tess. “Ah, o circo está armado para loucas confusões”, como diria nas chamadas de uma famosa rede de televisão global. Em meio a esse triângulo amoroso, a amiga fofoqueira e tarada, doida por um sexo casual como conselheira.

Junte isso tudo com depreciação alheia, momentos que se encaixam perfeitamente com a canção 'Everybody Hurts', e mais algumas lições de moral e injeção de ânimo e o filme tá feito. Não querendo soar machista, mas mesmo sendo um filme divertido (e é mesmo), é bem voltado para o público feminino ou pra quem sabe que está passando por um momento fossa, quando alguém se importa com outro, e este outro não está nem ai para essa primeira pessoa.

Mas o pior é aquele finalzinho sem vergonha em que na vida real (se algo desse tipo acontecesse) se resolveria com uma conversa com a pessoa amada à sós, em particular, e não no microfone em meio a um casamento abarrotado de convidados. Tenha santa paciência dona Anne Fletcher. Perdão a impaciência e spoiler, mas quem se importa?

Nove Semanas e Meia de Amor

2009-01-24T02:41:00.001-02:00

É fato, este filme é um dos mais sensuais da década de 1980. É daqueles que foram tão comentados que atiçavam a curiosidade e o despertar da sexualidade em garotos da época por tratar de um assunto: A intimidade entre um homem e uma mulher.

A direção ficou a cargo de Adrian Lyne. Para quem não o conhece, ele foi responsável também pelo clássico Flashdance e outros como Proposta Indecente (1993), Lolita (1997), Infidelidade (2002), e mais alguns.

Na história há Elizabeth (Kim Basinger) que trabalha numa galeria de arte de Nova Iorque e em poucas semanas deve apresentar numa grande festa as obras de um pintor chamado Farnsworth. Mas a jovem perde o foco quando conhece e se aprofunda numa relação apaixonada e picante com John (Mickey Rourke).

É com aquele jeito de menina, mas mulher, ingênua, mas apetente que encanta John fazendo-a participar dos seus desejos mais sensuais e indecentes. Ele é um misterioso sedutor, com um charme barato que funciona. Por oras é pervertido e manipulador, mascarado a fala calma e olhar tranqüilo. Parece um garoto com um sorriso bobo e papo mole. Mas ai vem ele de novo contrabalançando com joguinhos que revelam o lado levemente depravado e dominador. Como se não bastasse, é extremamente confiante quando Elizabeth intrigada pergunta como ele sabia que ela se entregaria de corpo da forma como fez. Ele só responde “Eu me vi em você”. Ainda assim, não tem como não gostar dele por ser divertido e estar dando um belo de um trato em Bassinger, diga-se de passagem.

Elizabeth fica completamente submissa aos caprichos dele. São vários os momentos como a cena da venda, introduzida belamente com a loiraça num contraluz de abajur e seus fios dourados dos cabelos e silhueta do corpo na camisa branca. Ela deita e em mais uma belíssima fotografia a vemos se deliciando com as gotas do cubo de gelo escorrendo pelos seios, abdome e nos carnudos lábios. Para ver a cena clique no link. http://br.youtube.com/watch?v=LI8_5OmZiWs

Há outros destaques como o interior do prédio do relógio quando transam ao som de Brian Ferry, ou o strip tease ao som de You Can Leave Your Hat On, na qual mais uma vez Lyne brinca com a luz e sombra através de persianas. Além dessas a cena da comida da cozinha, na qual fazem mais uma de suas brincadeiras extremamente eróticas, se melando. São as cores, texturas, densidades e formatos de alimentos como morangos, ovos que fazem Basinger só caras, bocas que terminam com uma bela lambuzada com mel nas pernas.

O outro destaque em questão é a do beco à noite, após uma briga do casal contra arruaceiros. É no chão empoçado, encostados na parede ou nos degraus sob chuva e um cano furado completamente encharcados que transam num ritmo de voracidade tal que lembram animais no cio. Não entendam a cena no sentido pejorativo, mas sim como algo extremamente ousado e selvagem.

Só que a sensualidade de Elizabeth estoura na tela não só no sexo. Às vezes até mesmo em momentos nada explícitos. Só de ver os olhos azuis retocados com rímel, os lábios rosados ou avermelhados pelo batom, os fios loiros colados ao suor da testa após tanto suspirar de prazer... É atrativo puro.

Esta é minha dica de DVD para um final de semana chuvoso a você que nasceu na década de 80 e tanto ouviu falar deste filme quando criança. Pode ser improvável assistir e não relembrar a descoberta da sexualidade com aquele tom ainda remanescente de inocência. A época que quando experimentado do prazer pela primeira vez abre-se um leque de possibilidades infinitas para serem vivenciadas.

Deixe-se seduzir com a sensação que os personagens trazem. Como a onda em Hollywood é fazer remakes, aproveitem para assistir a versão oitentista enquanto não inventam moda de refazê-lo e estragá-lo.

Titãs - A Vida Até Parece Uma Festa

2009-01-11T15:30:00.001-02:00

Na madrugada de sábado tive uma feliz surpresa no Cine Odeon. Ver André Jung, Arnaldo Antunes, Ciro Pessoa, Nando Reis, Marcelo Fromer, Paulo Miklos, Tony Belloto, Branco Mello, Sérgio Britto e Charles Gavin sem frescura e enrolação! Uma das maiores bandas brasileiras de Rock está em evidencia no documentário de Branco Mello e Oscar Rodrigues Alves. Titãs – A Vida Até Parece Uma Festa é divertido e mostra os diferentes momentos dos músicos em suas vidas.

É um verdadeiro vai-e-vem temporal, uma mistura de vídeos caseiros, depoimentos e conversas no meio da estrada relembrando o passado, intercalados com blocos de programas populares de auditório, como Raul Gil, Silvio Santos, Gugu Liberato, e até mesmo com as apresentações das mais simples até a histórica do Rock In Rio II.

O próprio Branco Mello era quem gravava os momentos mais insanos da banda com sua câmera vhs. Os destaques do filme são certamente quando há todo o processo de composição, a discussão sobre música, imposição de diferentes idéias no conceito de criação musical, as brincadeiras, bebedeiras e até mostram sem pudor, mas nada escancarado, os integrantes sob o efeito de alucinógenos – Fiquem atentos a Arnaldo Antunes que rouba a cena quase todas as vezes. Há também a participação de amigos músicos como Paula Toller e Herbert Vianna nos longinquos e áureos anos 80 em pura diversão e trabalho.

Mesmo se tratando de um assunto sério, há um leve tom sarcástico quando explicado a saída de André Jung substituído pelo baterista Charles Gavin, pelo primeiro não se adequar ao estilo certo. Mostra a passagem do Acústivo Mtv, em 1997, com a presença de artistas Jimmy Clif, Marisa Monte... Mas nem só de risadas e música norteia o documentário. Há um espaço sempre ao tom irreverente, mas que cessa quando mostrado o último ensaio da banda com o finado membro Marcelo Fromer, e logo depois o depoimento para a imprensa e público.

Não ficam de fora a saída aos poucos de outros integrantes como a de Arnaldo e consequentemente um pouco da mudança do estilo de música para um mais pesado, tanto nos vocais quanto na sonoridade com o álbum Titanomaquia produzida por Jack Endino – o mesmo produtor da banda Nirvana. A última saída fora de Nando Reis que resolve caminhar com as próprias pernas e os integrantes fazem questão de deixar claro que se trata de um novo momento na vida de Reis que não está compatível com a do Titãs.

Se curte o bom e velho Rock 'n' Roll, não deixe de assitir, e durante o filme cante os sucessos como Sonífera Ilha, Televisão, Cabeça de Dinossauro, Domingo, Epitáfio, A Melhor Banda de Todos Os Tempos Da Última Semana, e por ai vai.

Pagando Bem, Que Mal Tem?

2009-01-11T02:04:00.001-02:00

Ao ir para a Cinelândia para o Cine Oden, tive uma bela surpresa. Ver o último trabalho de Kevin Smith, o santo padroeiro dos nerds, atacando novamente no roteiro, edição e direção em Zack and Miri Make A Porno, que no Brasil tem o título muitíssimo adequado Pagando Bem Que, Mal Tem?

Zack (Seth Rogen de Super Bad) e Miri (Elizabeth Banks, a secretária gostosona de J.Jonah Jameson, Betty Brant de Spider Man) são amigos desde os tempos de escola e moram juntos. Mas têm um estilo merda de vida, sempre quebrados e agora com a chance de reencontrar alunos no baile de dez anos dos formandos do Ensino Médio. É lá que reencontram Bobby Long (Brandon Routh de Superman Returns) o antigo esportista bonitão do colégio. Enquanto que Miri flerta descaradamente com ele -“You wanna fuck me?”-, Zack conhece Brandon (Justin Long) e descobre que ele é um ator pornô gay e fatura uma alta grana com produções próprias.

Como se não bastasse, o bonitão Bobby não só também é um ator de filmes gay, mas também é namorado de Brandon. Depois do encontro em um bar para afogar em cervejas a memória de estarem com as contas não pagas, energia elétrica e água cortadas, Zack lembrava o quão rápido foi visto o vídeo de Miri trocando de roupas com sua enorme calcinha de vovó. Então, resolvem fazer filmes adultos.

Kevin Smith não perdeu o toque irreverente de sempre. Exageros no roteiro, muitos ‘Fucks’, piadas irônicas sobre racismo, brincadeiras com o típico clichê de filmes em que um entregador de leite visita uma dona de casa excitada, peitos e sexo que garantem boas risadas da platéia. Um dos momentos mais legais é quando escalam o elenco e bolam os nomes dos filmes e personagens. A exigência de Miri é que remetam exatamente ao que as pessoas assistirão e Zack quer que sejam baseadas em filmes de conhecimento popular – Star Whores é um deles.

Quando achavam que seria uma moleza, problemas logísticos e emocionais. O local originalmente escolhido para toda a ação é demolido e os personagens de Rogen e Banks resolvem fazer sexo diante das câmeras desde que isso não atrapalhe a interação entre ambos. Daí a reavaliação sobre se somente amigos.

Traci Lords, Jason Mewes estão no elenco e trazem a sua colaboração. Traci por ser gostosa - e uma ex atriz pornô que começou a carreira com 15 anos - e Mewes figurinha carimbada nas produções de Smith. Ele só faz aparecer nu de um canto a outro e seu personagem tem o talento para uma ereção rápida e sem estimulação local. Kenny Hotz, Gerry Bednob, Tom Savini – o Sex Machine de Um Drink No Inferno -, também estão lá.

O filme é diversão pura, com muito sexo, é claro. Por isso conselho para você: Evite momentos constrangedores como ver os testículos de R2 – DÁ 2, ou a cena em que uma das atrizes com prisão de ventre numa cena de sexo anal que literalmente borra o câmera man depois de um susto, com a sua mamãezinha e visitas do seu lado em sua casa. Ah sim, fiquem atentos aos créditos finais. E se me permitem uma só observação, a Elizabeth Banks está uma gracinha e a cena de sua personagem com Rogen é muito boa!

O Dia Em Que A Terra Parou

2009-01-10T23:06:00.001-02:00

Quando anunciado que Keanu Reeves e Jennifer Connely iriam atuar juntos em um dos maiores clássicos de ficção científica a comunidade nerd teve um orgasmo cinéfilo, mas verddae seja dita, o filme é bom, mas poderia ser melhor. Será que toda a espera foi superestimado?

Day The Earth Stood Still é o remake do clássico de Robert Wise de 1951 com mesmo nome, agora dirigido por Scott Derrickson. A premissa é bem simples: Se os seres humanos não conseguirem viver em paz, a raça humana será extinta.

Na fita, Klaatu (Keanu Reeves) é o mensageiro desta apocalíptica notícia vindo de outro planeta. Uma série de cientistas são requisitados para estudar um fenônemo – um estranho corpo celeste que aparentemente se chocará com a Terra, em Manhattan. Para a surpresa de todos o corpo desacelera e pousa no meio do Central Park. De dentro o alienígena Klaatu e seu robô gigante protetor Gort.

A raça humana, mais precisamente o governo norte-americano, é intolerante, inquieto e sempre pronto a dar o primeiro tiro. Kathy Bates faz Regina King, a secretária de defesa do país e porta voz do presidente dos Estados Unidos. Engraçado pensar também que de todos so governantes que há no mundo, somente a America detém de todos os meios possiveis e imagináveis para deter uma ameaça em nível global: Há os melhores cinetistas e tecnologia, sem precisar de mais ninguém. Ah, e também guardam de todos os segredinhos sujos por debaixo do tapete vermelho e branco.

É com um discurso imponente que interroga o alienígena, já quer proteger o nosso planeta. Mas Klaatu insiste em dizer que este não somos donos deste. É quando começa a interação dele com a bióloga Helen (Jennifer Connely de Uma Mente Brilhante) e seu filho Jacob (Jaden Smith de À Procura da Felicidade).

O longa é todo baseado mais nas interações entre os personagens do que destruições em massa, histeria religiosa, pânico geral e essas coisas, que mostradas em tons reais em escala global. A personagem Jacob apesar da pouca idade é interessante, já que representa bem o sentimento impulsivo do ser humano em atacar primeiro e perguntar depois. Por vezes é ignorante, que combate enquanto poderia simplesmente calar a boca para ouvir e aprender algo.

Em contrapeso, John Cleese interpretando o professor Barnhard (em um dos melhores momentos do filme) em toda a sua lógica e emoção equilibrados argumentando e refutando com Klaatu o motivo da raça humana não poder ser extinta, e que ela deve encontrar por si só - estando à beira de um colapso - uma maneira de sustentar a própria existência e tudo a sua volta. Quanto a atuação de Reeves... bom, faz as mesmas caras e falas pausadas de sempre.

Claro, apesar de ser um desses filmes clássico de sci-fi com vários e vários efeitos especiais, aquela mensagem sobre tratar melhor o nosso planeta ou as consequências serão graves. Opa, olha eu aqui tomando posse igual a Regina King!

Crepúsculo

2009-01-09T14:55:00.001-02:00

Atualmente o que mais se vê nas telas de cinema são adaptações de obras literárias pipocando. Esta é mais uma e entre várias, e não há nada de especial. O motivo de atrair tanta molecada é pelo elenco jovem e bonitinho, mas não se engane porque o filme todo é que nem esses dramalhões juvenis de novela adolescente. Esta adapatação do primeiro conto de Stephenie Meyer tem na direção Catherine Hardwicke que tem em seu currículo o falado Aos Treze, mas não se sai tão bem em Crepúsculo.

A história gira em torno de Isabella Swan (Kristen Stewart) que morava no ensolarado estado de Phoenix com a mãe e decide ficar com o pai no condado frio e chuvoso de Forks. No colégio que conhece Edward Cullen (Robert Pattinson) e se apaixona e todo aquele blá blá blá.

Intrigada com a personalidade misteriosa de seu interesse amoroso, principalmente após ele tê-la salvado de um acidente parando uma caminhonete com as mãos, passa a investigá-lo e com uma ajudinha do Google ela descobre algo incrível... (tan tan tan) Ele é um morto-vivo imortal chupador de sangue. Em paralelo a chegada de Bella ao condado de Forks, assassinatos misteriosos em regiões próximas, e as autoridades acreditam que se trata de um ataque de animais.

Perdõem meu humor ácido e ranzinza, mas o filme fez um tremendo estardalhaço na comunidade dos leitores do livro e adolescentes histéricos de plantão quando na verdade o filme é uma pura chatice.

Porque o filme não é tão bom quanto parece? Simples, ao invés de tomar um pouco de liberdade no roteiro e explorar um pouco mais as misteriosas mortes, a direção do filme concentra-se bem mais no amorzinho chupeta e pra lá de batido a la Romeu e Julieta. E quando pensasse que as coisas poderão esquentar com o trio de vampiros responsáveis pelas mortes é que se cai mais ainda no abismo escuro e chato chamado Crepúsculo.

Bom, que a sequência tenha mais sorte e consiga explorar mais a relação dos índios nativos de Folk e o passado conturbado com os vampiros do clã Cullen, porque esse primeiro capítulo não passa de um filme sentimentalóide com mortos-vivos que se julgam malvados pulando pra lá e pra cá como macacos no zoológico. Nossa, que saudade dos velhos tempos de Garotos Perdidos e da série Buffy.

2009, A Estréia

2008-12-31T16:21:00.001-02:00

Bom, como de costume um último post de ano. É certo que haverá mais em 2009 com textos sobre os filmes, eventos, músicas, dicas de dvd e qualquer coisa relacionada à cultura. Agora, o caro leitor pode votar na qualidade do Frames Por Segundo pelo site da Central de Blogs. Para votar basta entrar no link a seguir. http://www.centralblogs.com.br/blog.php?href=Frames-Por-Segundo&pagina=1&KEYWORD=5840&id=5

Preparado para 2009? O ano chega com grandes estréias como o drama comparado a E O Vento Levou, Austrália, com Hugh Jackman e Nicole Kidman. Exterminador do Futuro – A Salvação com Christian Bale; Watchmen; X-Men Origens: Wolverine – a porrada vai estancar nesse filme!!! - ; Transformers – Revenge of The Fallen; Avatar; O Estranho Caso de Benjamin Button de Brad Pitt; Inglorious Bastards do mestre Tarantino e o remake de Sexta Feira 13 – nada como o bom e velho terror old school com roupagem nova. Não ficam de fora os (mal) esperados Dragon Ball Evolution e Street Fighter – The Legend of Chun-Li. Que Deus nos ajude com esses últimos em especial.

Lembrando que a adaptação do anime de Goku e sua trupe foi calorosamente debatida em fóruns da Internet, e a Fox é a responsável por mudanças homéricas na origem do conto, coisa que deixou os fãs de cabelos em pé pelo tamanho absurdo.

Percebendo o erro a Fox muda sua estratégia para o filme incluindo novos efeitos visuais no filme, coloca o subtítulo Evolution (que merda) dando a idéia de que uma franquia está a ser desenvolvida – é filme de Pokémon agora, é? A mais engraçada era quanto à cor de Piccolo que não era verde. Deram ouvidos quanto à cor do vilão resolvendo pô-lo mais verde. Os fãs descreveram como verde coco de neném! Aliás, a Fox tem um histórico de fracassos como os execráveis Daredevil, Elektra e os dois filmes do Quarteto Fantástico. Esperar para ver.

Legend of Chun-Li é outro que será recebido com desconfiança. Só de lembrar a lambança que foi o filme Street Fighter – A Batalha Final com Raul Julia (que Deus o tenha) e Van Damme foi algo sofrível de se assistir. A primeira reclamação com este novo longa é a da atriz que interpretará a especialista em chutes, Kristin Kreuk – A Lana de Smallville. As críticas mais ressaltadas é o biótipo da atriz, magrinha demais, enquanto que a heroína dos games e animes tem pernas bem torneadas e musculosas. Mas veremos o resultado.

Bom, perdão a indignação. Voltando. A lista como você já deve saber é longa... O Dia Em Que A Terra Parou, 2012, Operação Valquíria, The Spirit, Star Trek (YEAH BABE, YEAH), The Wolf, Príncipe da Pérsia, Pagando Bem que Mal Tem, Yes Man, o novo Velozes e Furiosos, e muito mais.

Que 2009 seja um bom ano a você! Não deixem de lotar as salas de cinema, e quando quiserem ler sobre algum filme, sintam-se bem vindos a visitar o Frames Por Segundo! Fiquem com Deus e ótimas estréias a todos!

Coração de Tinta

2008-12-30T23:52:00.001-02:00

Quando pequeno depois de assistir A História Sem Fim, lá naqueles longínquos anos de 1992, perguntava sem parar a minha mãe se ao imaginar um mundo este mesmo podia ser criado como num passo de mágica. Bom, é mais ou menos isso que acontece em Coração de Tinta (Ink Heart) de Iain Softley.

A história é a adaptação do primeiro conto da trilogia de Cornelia Funke sobre um homem chamado Mortimer Folchart (Brendan Fraser), também conhecido como Língua Encantada pelo poder de dar vida a todo conto que lê. Este é mais um filme em que faz um pai de família caricato as voltas de uma aventura além da imaginação. Em outras palavras, filminho com Fraser na Sessão da Tarde, de novo. Corre o mundo atrás da mulher desaparecida, que supostamente adentrou uma das fábulas que lia para a sua filha quando bebê, e um livro misterioso, sempre acompanhado de sua filha solitária e metidinha a esperta Meggie (Eliza Bennett). Mais clichê, impossível.

Mesmo com atrativo para o público infanto-juvenil, o vilão Unicórnio vivido por Andy Serkis (O Gollum da Trilogia Senhor dos Anéis) e o mocinho não economizam no verbo ao dizer que mataram quem for preciso para obter resultados.

O longa é cheio de fantasia e efeitos. Os capangas submissos ao vilão Unicórnio são feios e sujos lembrando um pouco as criaturas de A História Sem Fim. Há grandes nomes no filme como Paul Bettany (O Silas de O Código DaVinci) que interpreta Dustfinger, Hellen Mirren como a tia-avó ranzinza Elinor Loredan (A Rainha) e Jennifer Connely, o interesse amoroso de Bettany no filme – assim como na vida real - que faz uma pontinha dispensável. Nem mesmo assim eles salvam o filme, principalmente ao final quando Mirren montada em um unicórnio e vestida de branco com um espeto para feno à mão, no pior estilo Gandolf, vai tentar salvar Meggie.

Com a sala de cinema com crianças, elas não agüentaram ficar lá, já que saiam correndo em meio à sala de projeção ou bufando e bocejando por ser um marasmo, apesar da miscelânea divertida no conto com O Mágico de Oz, Ali Babá e os 40 Ladrões, Chapeuzinho Vermelho e outros contos populares. Tão sem paciência quantos essas crianças, foi a minha mãe anos atrás ao me responder sem um pingo de calma que é tudo somente um filme e que parasse de encher o saco dela. Coisas da vida real e não conto de fadas.

Sete Vidas

2008-12-29T21:34:00.001-02:00

Sete Vidas (Seven Pounds) concretiza o mais novo trabalho entre Will Smith e o diretor Gabriele Muccino, e prova que versátil é a palavra certa ao ator por compor este drama. Quando se vai ao cinema para ver Smith, queiram ou não, é criada uma expectativa, ainda mais quando trata-se da parceria dele com o diretor de À Procura da Felicidade. Pois bem, preparem os lenços porque o chororo vai rolar solto.

O longa abre com Smith ao telefone chorando relatando um suicídio. A tela muda e vemos os acontecimentos anteriores, que é o conhecer dos personagens a quem presta auxílio. Por duas horas vemos o enigmático Ben Thomas engendrar na vida de sete estranhos sem pedir nada em troca. Não se sabe o que ele pretende, mas algo em seu passado o força a querer mudar drasticamente a vida destes desconhecidos cuidadosamente escolhidos por Thomas. Por trabalhar na Receita Federal traça padrões e encontra facilmente aqueles que escolhe.

Gabriele usa de recursos como closes bem fechados nos rostos, o uso de desfoque e até mesmo a baixa profundidade de campo na interação entre o personagem principal com as pessoas. Thomas que apesar de muitas vezes depressivo e recluso, é todo sorriso e bobo como uma criança inocente ao conversar. De fala mansa e jeito próprio que faz surgir o interesse de Emily (Rosario Dawson) portadora de uma doença cardíaca, também uma de suas escolhidas. Aos poucos ao vermos os dois que há aquela edificação emocional. Outro destaque, mesmo que breve, é de Woody Harrelson que interpreta Ezra Turner, um deficiente visual.

Ao montar o quebra cabeças no decorrer da histórias com os rápidos flashbacks do atormentado personagem principal, e claro ao direcionamento que a história dá mais ao final, que percebe-se qual era o grande segredo de Ben Thomas. Daí fica esclarecida a obviedade do plano dele e do motivo de fazê-lo. Alguns podem dizer que por causa disso é uma história de desfecho fraco, que poderia ser melhor roteirizado, talvez para outros uma verdadeira lição de vida. Mesmo assim, isso não a descaracteriza de ser uma boa história, com atuações competentes.

Um Beijo Roubado

2008-12-18T16:47:00.001-02:00

O diretor e co-roteirista do filme Um Beijo Roubado (My Blueberry Nights), Wong Kar Wai, traz ao público um filme singelo e bem focado na personagem Elizabeth, vivida pela cantora Norah Jones. A idéia do filme surgiu de um curta metragem do mesmo diretor sobre um homem e uma mulher dentro de um bar, mas neste longa algumas pequenas diferenças, como a viagem da personagem principal em busca de auto-conhecimento. Uma curiosidade é que o filme não tinha roteiro!

Elizabeth
Uma jovem que passa a frequentar a confeitaria/bar de Jeremy (Jude Law do filme Um Jogo de Vida Ou Morte). O local é uma espécie de simbolo que serve de estabilidade durante o rompimento da personagem de Jones com um ex-namorado. Certa noite ao conversar com Jeremy pergunta o motivo das tortas buleberry ficarem todas as noites intactas. A torta é descartada toda noite e ela se sente da mesma forma por seu relacionamento não ter dado certo. Esse é o motivo de ter dois empregos, um a luz do dia e outro de noite, para parar de pensar em seu antigo amor, além é claro para economizar e comprar um carro. Noite após noites no decorrer das conversas com Jeremy, se entope de tortas.

Jeremy
Dono da confeitaria sempre sorridente. É uma espécie de mantenedor de histórias alheias. Em seu estabelecimento há um pote de chaves perdidas ou acumuladas durante anos. Tudo acontece até de forma simples. As pessoas passam e as deixam para que outras as peguem e geralmente o fazem por estarem em momento de raiva ou rompimento. Para Elizabeth especificamente foi os dois. Por isso, Jeremy é um colecionador de promessas e sonhos despedaçados, e não as joga fora por achar que não está no direito de fazê-lo. Segundo ele, o significado de uma chave é abrir uma porta e não cabe a ele quais portas devem permanecer fechadas.

A viagem
Ela não sabe para onde ir, apenas sabe que tem de partir. Para isso em uma busca de auto-conhecimento a personagem de Jones acaba parando em Memphis, no estado do Tennessee, lar do blues, e posteriormente em Vegas.

É nesta viagem que compartilha de histórias. Uma verdadeira troca de experiências, como a do policial Arnie, encarnado pelo ator David Strathairn que foi indicado ao Oscar de melhor ator por Boa Noite Boa Sorte. Ele é um policial alcóolatra com uma paixão obsessiva pela ex-mulher Sue Lynne (Rachel Weisz, ganhadora do Oscar de melhor atriz coadjuvante em O Jardineiro Fiel).

Natalie Portman dá o ar da graça com um sotaque texano característico. Ela interpreta Leslie, uma jogadora de cartas sexy, manipuladora e incrédula. O destino dela e de Elizabeth se junta uma noite em Vegas, nascendo daí uma amizade verdadeira, embora ambas sejam opostas. Aqui mais espaços para dramas pessoas, agora vindo de Leslie e seu passado com o pai.

Wong Kar Wai, o diretor
O diretor de Amor À Flor da Pele e 2046 filma tudo de forma cuidadosa. Em certos momentos o faz através de superfícies transparentes, pelas vitrines de bares, frestas ou espaços entre objetos quase como se o espectador fosse alguém vendo e ouvindo tudo escondido. Contém também uma bela fotografia, iluminando os personagens com as cores de bar ou luz ambiente. O aspecto visual é bem forte e é tudo muito fluido, bem brando. Lembrando que quando o diretor iniciou as filmagens tinha apenas a idéia básica da história, mas não havia um roteiro definido.

Ah sim, para os marmanjos de plantão as três, Jones, Weisz e Portman, estão belíssimas. O visual do longa se completa a trilha sonora, contendo a própria protagonista Norah Jones, Cat Power, Ry Cooder, Otis Redding, entre outros.

Carga Explosiva III

2008-12-17T21:15:00.001-02:00

Que este filme é mais do mesmo ninguém duvida, mas ainda assim não quer dizer que não seja bem legal, com uma história de roupagem mais ‘sofisticada’ e divertida de se assistir. Frank Martin está de volta, mais enrolado do que nunca em mais uma missão suicida.

O motorista é forçado a fazer uma entrega e agora as coisas são um pouco mais extremas. Ele não pode se afastar mais de vinte metros de seu Audi envenenado ou a estilosa pulseira metálica em seu braço o fará explodir. Esta é a garantia que Johnson (Robert Knepper de Prision Break) tem de que Frank fará a entrega. Nem mesmo o vilão escapa do clichê. Uma ameaça aqui, outra ameaça ali, não exita em matar alguém do próprio bando para auto-afirmar suas ordens, um suborninho ao Ministro do Meio Ambiente da Ucrânia forçando-o a assinar um acordo para liberar uma quantidade enorme de lixo tóxico em seu país... Típico vilão.

Daí é só ação, explosões, lutas, perseguições de carros muito bem feitas por sinal, e como nos dois filmes anteriores mais da misoginía extrema de Frank Martin. Ah sim, tem uma gostosa ruiva com o mesmo problema da pulseira metálica chamada Valentina (Natalya Rudakova) a qual Frank resiste (ou tenta) bravamente em meio a toda ação.

Não há muito que falar. Piadinhas sobre o humor francês, inglês e russo no inicio da fita com o caricato François Berléand, mais uma vez encarnando o inspetor Tarconi. Mas como comediante Statham é muito melhor fazendo cara de mau, com aquele sotaque britânico rouco. Para executar as coreografias de luta de Corey Yuen, sempre o carrancudo Statham ao centro de uma roda cercado de vilões educados que atacam um de cada vez, esperando o comparsa ser nocauteado para que o seguinte tenha o mesmo fim. São nos chutes, socos, murros e golpes com bastão metálicos que faz o carequinha sair ileso das brigas.

Como se não bastasse, o paletó sai mais limpo e passado depois de ter usado-o nas coreografias acrobáticas. Para atrair não só a atenção de homens com a distribuição gratuita de testosterona e porrada para tudo quanto é canto, um chamariz para as mulheres: Ver o machão sem camisa tão contraído que se liberar gases é capaz de se borrar de tanta força no abdome.

Ao final uma reviravolta pífia e previsível, mas isso lá não importa muito porque o filme cumpre bem com o que propõe. O diretor Olivier Megaton brindeia aos fãs do gênero um filme de ação com enredo cheio de absurdos e mais uns atrativos típicos pra macho nenhum botar defeito. Mas não nos esqueçamos que é disso que os filmes anteriores se valeram e não poderíamos esperar mais.

Onde Os Fracos Não Têm Vez

2008-12-07T01:49:00.001-02:00

Baseado na obra literária do ganhador do prêmio Pulitzer de mesmo nome, Cormac McCarthy, No Country For Old Man (Onde Os Fracos Não Têm Vez) é a adaptação dos irmãos Coen aos cinemas. O filme é o mais violento da dupla e traz atuações que deixam a quem assiste embasbacado.

Logo de cara, na cena de abertura vemos um policial rendendo um carro no meio da estrada do oeste Texano no verão de 1980. Na delegacia de polícia damos conta de que o homem preso é Javier Bardem de Mar Aberto (Anton Chigurh) que estrangula o mesmo policial que o prende com as algemas até a pele do pescoço dilacerar, com sangue para todo o chão. A cena mais violenta de todo o longa metragem, o que nos dá o tom de como será a história. Ao fim as marcas da bota da vítima marcadas ao mesmo chão.

Depois, é a vez de Llwelyn Moss ser apresentado (Josh Brolin). Um homem ordinário da região texana e ex-combatente da guerra do Vietnam com chapéu de palha. Está em meio ao deserto caçando e de repente se depara com uma cena de crime – uma transação de drogas mal sucedida - com corpos espalhados ao chão. Acha uma maleta com a quantia de dois milhões de Dólares. Sem dinheiro, morando num trailer e casado, não resiste e a carrega a maleta para si. Mas sabe que será caçado por quem quer que seja, pois por uma quantia dessas sempre tem alguém por ai para fazer perguntas.

Por último o xerife Bell (Tommy Lee Jones). Homem esperto, virtuoso, da terceira geração da família a ser policial que toma conta da cidade. Analisa o crime e seus envolvidos por meio de dedução lógica e corpos ao longo do desenrolar da trama da história.

Os diálogos são singelos, contudo de uma profundidade interessante. Como Anton em um posto de estrada que nem Sócrates fazendo perguntas tolas, mas bem elaboradas uma atrás da outra confundindo o dono do estabelecimento. Seus diálogos são secos, indiferentes, insistentes, manipuladores e arrogantes. Não há senso de humor algum e o corte de cabelo ao estilo príncipe Adam (!) é ridículo e ainda assim muito próprio da personagem, porém mais gritante que isso é a frieza em matar sem nem pestanejar.

É quando surge aquele tom de voz e sabemos que algo de ruim poderá acontecer. “Qual foi o máximo que já perdeu no Cara ou Coroa?” pergunta ao velho dono do posto. Num lançar de moeda ao ar fica claro que o destino da vítima será decidido ali. A moeda cai e sua mão a tapa no balcão. A atuação de Bardem é peculiar. Ele encontrou um jeito de desenvolver a personalidade do personagem e nada se sabe sobre a procedência dele. A única menção feita sobre o mesmo no livro é que não há senso de humor.

Então, vemos a interação, ou não interação dos três homens. Moss fugindo com a grana, Anton perseguindo-o e Bell atrás dos dois querendo solucionar tudo. É bem verdade que tudo gira em torno do dinheiro, mas o desenrolar dos fatos, a ação, tiroteio, a típica e bem feita caça gato-e-rato e o jeito como filmam são um prato cheio. A dupla não economiza em mostrar as mortes e ferimentos. É tudo muito cru, direto, sem nada que nos prepare para o que virá.

Não foi à toa que Javier Bardem ganhou a estatueta de ouro como melhor ator coadjuvante, e que Joel e Ethan Coen foram premiados com a melhor direção, e foi a primeira vez que uma dupla de diretores leva o prêmio. Melhor Filme e Melhor Roteiro Adaptado também estão inclusos na lista. Aqui fica esta dica para você que quer uma boa opção para entretenimento.

The Cosmos Rock

2008-12-04T19:24:00.001-02:00

Treze anos após o Made in Heaven, Queen, uma das melhores bandas de todos os tempos retorna ao lado de Paul Rodgers – ex Free e Bad Company – nos vocais. Ok, a resposta que todos já sabem. “O Queen não é o mesmo sem Mercury!”. Mas ouça o novo trabalho The Cosmos Rock. Roger Taylor e Brian May, baterista e guitarrista da banda, são os remanescentes que compuseram o novo trabalho juntamente com Rodgers. Não se sabe o motivo real de John Deacon, baixista, estar de fora da nova empreitada, mas ele foi homenageado assim como Fred neste álbum.

O compacto traz boas faixas, algumas dançantes com influências claras de blues, country e hard rock. A primeira é Cosmos Rockin’. O som é embalado pela guitarra de May e palmas. O vocal de Rodgers realmente não deixa a desejar e Mercury via neste cantor um ídolo.

A segunda, Time to Shine, é marcada por um vocal melódico no refrão. Still Burnin’ é a terceira e segue sem muito destaque, assim como War Boys que é a quinta faixa. Small é bem emotiva, refrões e backing vocals que trazem maior valor a canção. We Believe é interessante e traz novamente aqueles riffs característicos de May. Uma canção bem construída, de mensagem positiva, emotiva e edificante.

Call Me é bem country não só pela forma como cantada, mas pelo instrumental. Esta é uma daquelas de se fazer coreografia num salão, com mão no chapéu e outro na fivela ou batendo as mãos e pés no chão como nos filmes americanos. Canção curta, fácil de se cantar que fica na cabeça para não sair mais. Em seguida, Voodoo. Bem blues que fala sobre amor de ritmo bem sensual. Dá vontade de ouvir no carro em uma viagem. Rodgers manda bem com entonações baixas, em certos momentos uns agudos, mas sem exageros.

Some Things That Glitter é mais uma bem emocional de belos arranjos, acompanhada do piano, guitarra e vocal. C-elebrity tem chances de ser uma de maior destaque pela pegada um tanto enérgica e vocal mais poderoso. Por falar em vocal, Taylor Hawkins, baterista do Foo Fighrters é quem canta. Segue Through The Night, melodia sobre raiva, amor e solidão.

Um dos destaques é Say It’s Not True cantada por Roger Taylor. Nesta mais do que nas outras o riff de guitarra inegável do Queen e uma das mais belas do álbum, sem dúvida. É parte da campanha 46664 HIV/Aids, de Nelson Mandela. Surf’s Up... School’s Out! é sobre diversão pura, perfeita para fazer parte de trilhas sonoras de filmes adolescentes oitentistas como Clube dos Cinco ou Curtindo a Vida Adoidado. Encerrando o álbum, Small (Reprise).

The Cosmos Rock tem ritmo e energia. É Rock ‘n’ Roll! Vai fazer muita gente levantar e dançar, bater os pés e cantar. Fiquem atentos ao estilo vocal de Paul Rodgers, contudo, um aviso aqueles que nunca ouviram a banda Queen: Não espere encontrar lá um substituto para Fred Mercury, já que isso nunca existirá! Ouça a formação original nos seus melhores trabalhos para ter a noção da grandeza destes músicos. Depois, escute The Cosmos Rock. Não desmerecendo o novo trabalho, mas há uma clara diferença.

R.E.M No HSBC Arena

2008-11-09T15:54:00.001-02:00

Após oito anos de infindável espera é trazido ao Brasil um dos maiores grupos do Rock ‘n’ Roll internacional, R.E.M, que tocou neste sábado dia 08 de novembro de 2008 no HSBC Arena, na Barra da Tijuca. Mas como de praxe, uma banda de abertura que ficou por conta do instrumentista do Barão Vermelho, Fernando Magalhães, e músicos bem pontuais no horário, começando exatamente às 21: 30 horas.

O número de público foi modesto no início e Magalhães troca umas palavras e brinca com todos em dizer que como não era lá um bom vocalista preferiu permanecer mesmo na guitarra. Aliás, competentíssimo é o músico e sua banda que fizeram lembrar acordes característicos de Satriani.

Ainda durante a apresentação uma surpresa para quem estava na arquibancada à esquerda do palco. Mesmo no escuro a careca de Michael Stipe é inconfundível que foi dar uma espiadinha no palco e trocar umas palavras com o engenheiro de som.

A apresentação termina à la Beatles. Foi a clássica Twist And Shout. Poucos minutos depois a pista da arena enche e as luzes apagam. Ao centro do palco Stipe aparecendo sem aviso, acompanhado de Mike Mills e Peter Buck num jogo de luzes incessante abrindo com Living Well Is The Best Revenge.

Ah, o set list! Mesmo aqueles que não conheciam o repertório puderam ficar tranqüilos já que houve os hits que com certeza todos já ouviram, como What’s The Frequency, Kenneth?, Drive, Ignoreland, Imitation Of Life e The One I Love. O público entra em sintonia, grita, canta refrões, sua e até mesmo chora. Os highlights do show foram ver Michael com seus trejeitos típicos, as danças desengonçadas, e claro, ouvir o público acompanhar o refrão das canções.

Um ponto fortíssimo a favor do R.E.M. foram as imagens no telão. Um câmera man transitava a frente do palco lançando tudo gravado imediatamente ao telão, mais os efeitos de vídeo, imagens dos clipes e figuras bidimensionais como de games oitentistas. Some esses efeitos a presença de palco do grupo e o resultado foi um show de deixar fãs satisfeitos. Mas a galera foi mesmo ao delírio com a icônica It’s The End Of The World As We Know It e em uníssono cantam o refrão.

Partituras foram jogadas ao alto, a gaita arremessada a quem pudesse pegar, sentimento colocado em cada palavra e olhar altivo do vocalista, ou mesmo com a mão no peito e olhos fechados quando pula e vai ao chão como num único movimento. Stipe e Mills descem do palco e fazem a alegria de alguns com um simples toque de mão. O contato cara a cara foi feito pelo lead man da banda que teve um leve tapinha na careca de um fã, e o baixista cumprimentava todos da primeira fileira da pista vip. Contudo, aqueles que apreciavam o show ao lado esquerdo, nas arquibancadas, não tiveram o mesmo gosto como os demais a quem Michael Stipe a todo o tempo acenava e talvez se dando conta disso que Mills foi ate lá dar um alô.

Agradecimentos e conscientização político-ideológica também não ficaram de fora entre uma canção e outra. Os pagantes gritavam “Obama, Obama!”. Não demorou muito e um rápido comentário sobre o atual presidente Norte-Americano, Barack Obama, e imagens dele ao telão. Discursou brevemente da importância que ele trará e da quebra de paradigmas, afinal é um homem negro agora no comando do mais poderoso país do mundo.

Mais ao final os grandes sucessos como Supernatural Superserious, Losing My Religion, Everybody Hurts, tida por muitos como a música mais triste do mundo, e fechando a noite Man On The Moon. Antes de deixarem o palco mais uns acenos ao público, um elogio e outro a Fernando Magalhães, o amor em tocar para o público brasileiro e a vontade de retornar. Com luzes, fumaça e ótima música houve um rápido movimento dos olhos que trará memória de um show que não será apagada. Yeah, an evening of Rock 'n' Roll, Babe!!!

Espelhos do Medo

2008-10-18T13:57:00.001-03:00

O diretor Alexandre Aja não traz nada nesse filme de terror que você já não tenha visto, mas isso não quer dizer que não seja um bom filme! Espelhos do Medo (Mirrors) é mais uma refilmagem de um terror asiático e a introdução do filme é trevosa. Um homem fugindo e adentra o que parece ser uma estação de trem, mais precisamente um alojamento dentro de uma estação. Até ai nada demais, porém... Os armários rangem um por um e se depara com seu reflexo num grande espelho. O que vem a seguir é o seu reflexo cortando a própria garganta, mostrando cuidadosamente o passar da ponta, abrindo e jorrando sangue.

Fim da introdução, abertura do filme com tomadas aéreas de Nova Iorque em efeito espelhado. O que se segue adiante nos filmes é típico dessa temática, como exemplo Benjamin Carson (Kiefer Sutherland). Ex-policial com uma grande tragédia no passado que para superar o trauma se afoga em bebida e torna-se um alcoólatra. Agora está com o vício superado, contudo toma medicação pesada e pra fechar, é divorciado, tem um casal de filhos e diferenças com a ex-mulher Amy (Paula Patton).

Aceita um trabalho novo na loja de departamento MayFlower, como vigia para pagar a pensão dos filhos. Quebrado, querendo mudar de vida, desesperado, é claro que aceita o trabalho. Daí, não é segredo pra ninguém, o local sofreu um terrível grande acidente, gente foi morta. O lugar está entregue aos escombros, é escuro e medonho. Até ai, todos sabem que é mal assombrado.

Quando começa a ter uma idéia do que está havendo, não é que Sutherland começa a dar uma de Bauer, o fodão? Os fãs do seriado que me desculpem, mas ele faz as mesmas caras-e-bocas da série. Poderia até dizer que ele está um pouco limitado na atuação, mas deve ser exatamente pela fama que berra, corre, atira, cai, do jeito mandão e que esbraveja que o faça ter tanto apelo. É um filme para os fãs da série, porque ele faz exatamente isso! Ta aí uma coisa que nunca se pensou, ver o Kiefer ‘Sou O Fodão Bauer’ Sutherland com medo. Mas é vermos ele gritar de dor, ou dar um piti com a ex-esposa e irmã com seus berros rocos que se remete novamente ao personagem de 24 Horas. O senhor Fodão Bauer fica com o cu na mão.

Um destaque do filme vai para Amy Smart que faz Angela, irmã do protagonista. Após anos fazendo longas de temática adolescente regados a sexo e risadas, ela tem um papel um tanto descartável, contudo bem mais ‘sério’, finalmente! Ainda assim, não se livrou do estigma de ser uma garçonete, coisa que ela já fez anteriormente. A tal cena comentada dela é a da banheira, na qual seu reflexo a mata ao (pior) estilo Didi Mocó. Sim, isso mesmo, e de engraçada nada tem. É de uma frieza só a forma como as mortes são retratadas, bem explícitas, e a de Angela na banheira é a melhor delas, e nem mesmo ela pagando peitinho e bundinha (mesmo que perfeitos) alivia a cena.

Mas acredite, o filme é tenso mesmo havendo os tão notórios e corriqueiros elementos clichê da chuva e trovejada no momento de investigação, ou do momento em que o diretor nos prepara um susto pra lá de encomendado quando o personagem está diante de um espelho abaixado e se levante, e bum... Susto. Mas do que esses batidos, o clássico da lanterna que apaga no momento em que mais se precisa, junto da uma música tensa crescendo e tornando-se ensurdecedora e bum... Susto de novo. Ah, tem reviravolta no final, tá?

No final, é isso. É um Jack Bauer num filme de terror. Talvez as coisas seriam mais fáceis se Benjamin tivesse a chance de ter a ajuda de Buffy - A Caça Vampiros, dos irmãos Winchester e quem sabe até mesmo de Salsicha, Scooby, Fred, Wilma, Daphne e do tão briguento quanto Benjamin, mas menor, Scooby-Loo?

Controle Absoluto

2008-09-27T21:56:00.001-03:00

A Dreamworks, estúdio de Steven Spielberg, e o diretor D.J. Caruso acertam de novo ao trazerem Controle Absoluto (Eagle Eye), que em essência é como Inimigo do Estado, que foi estrelado por Will Smith, justamente por tratar da questão do panoptismo de Michel Foucalt. Só que este filme vai muito além. A América vive em um estado de sítio nos setores de telecomunicações e todo tipo de comunicação é monitorado pelo governo, até mesmo os telefones celulares quando desligados. Uma verdadeira paranóia ou medida cautelar?

Tudo começa no Oriente Médio quando o Pentágono está à caça de Majid Al Kohei que está aparentemente em um funeral. Michael Chiklis (O Coisa de Quarteto Fantástico e da série The Shield) interpreta o secretário Callister que, contra a própria vontade, recebe ordem direta do presidente dos Estados Unidos para executar um plano de ataque no local em que está o terrorista. No ponto de vista patriótico a ação se justifica para salvaguardar a vida de inocentes, mas o ato na verdade não passa de uma forma de extermínio, de terrorismo, vindo a mando do chefe maior da terra do Tio Sam.

A tela muda e vemos Jerry Shaw (Shia Labeouf) em um simples jogo de carta num quartinho dos fundos da Copy Cabana (ê trocadilho besta), local em que trabalha com uns amigos. Com um jeito um tanto desleixado, contudo manipulador, blefa para ganhar uma grana e finalmente poder pagar para senhoria o aluguel sempre atrasado. Se com o diretor D.J. Caruso em Paranóia a idéia era de mostrar o garoto cheio de problemas, então neste novo longa o que importa é de apresentar um jovem adulto (de barba por fazer para talvez tentar não remeter mais Shia a um garoto, e sim como homem) com problemas ainda maiores, multiplicados a extraordinários níveis. Jerry é o cara desgarrado da família. Sentia-se um estanho no próprio lar e fugiu da escola, e não agüentava mais ser comparado ao irmão, um oficial da Marinha que trazia orgulho aos pais. Para sobreviver fazia alguns trabalhos, viajando a lugares como Singapura, Indonésia, etc. Mas após pagar a velha senhoria recebe um telefonema que o desnorteia, a morte do irmão gêmeo Ethan. Caruso pincela sobre o drama particular do rapaz quando discute com o pai (William Sadler) após o enterro do irmão.

A segunda protagonista é Michelle Monaghan (de Missão Imposível III), Rachel Holloman, mãe divorciada que ama o filho Sam acima de tudo e acaba de embarcar a sua cria num trem para Washington, já que o garotinho é um instrumentista que tocará para o presidente, juntamente com o grupo em que estuda música. Evidente é o problema de Rachel com o ex-marido, e nem mesmo o dá a chance de explicar o motivo do atraso dele em deixar o filho na estação.

Quando Shaw chega em casa e vê um pesado armamento em seu apartamento recebe um estranho telefonema não identificado dando-lhe coordenadas de fuga. Não obedece e é preso em seguida pelos federais. É interrogado por Tom Morgan (Billy Bob Thorton), chefe de uma divisão antiterrorista sob suspeita de terrorismo. Após uma série de perguntas o telefone toca novamente e foge recebendo ordens diretas para entrar num porsche preto, em um devido local e hora. Já para Rachel na mesma noite com amigas, recebe o mesmo comando e não obedecendo, o filho que viajava no trem sofreria um acidente por descarrilamento. Dentro do porsche é que o destino dos dois protagonistas se cruza. A perseguição de carros entre o F.B.I. e o porsche é cheia de ação. Vemos a manipulação do tráfego a favor dos personagens principais para a facilitação da fuga, e durante a cena perguntam-se quem é o responsável por aquilo ser possível.

Para engrossar o caldeirão em meio a tanta conspiração, Zoe Perez (Rosário Dawson) investigando o passado de Ethan Shaw, co-atuando ao lado de Thorton. O desenrolar dos acontecimentos é bem feito e mantém a atenção do espectador. Não há somente correria, explosões e tiros, existe um aqui espaço para pensar nos acontecimentos e entendê-los, como o encaixe da introdução do filme sobre o ataque em solo do Oriente Médio com o destino dos personagens, o destacar da tecnologia não como vilã, mas como meio poderosíssimo que tanto pode nos ferir quanto nos auxiliar, e, novamente é introduzido o drama pessoal. A exemplo, quando Rachel se abre e conta do filho e ex-marido para Jerry entre uma ação suicida e outra.

Com uma certa dose de patriotismo norte-americano em tempos de terrorismo, e além de destaques as tantas formas de controle, de docilizar, punir, de ação corretiva e teorias conspiratórias, é de se divagar: Para onde vai a nossa privacidade e segredos? Mas não se torture tanto nessa pergunta, pois o que acontece aqui é coisa de filme, não é?

HellBoy II - O Exército Dourado

2008-09-07T00:51:00.001-03:00

Apesar de Mike Mignola ter criado os personagens, não há nada de mirabolante na história desta sequência. Esta cumpre bem o seu papel de contar a trajetória de sacrifício de um herói, com espaços para conflitos pessoais enquanto existe uma pausa para respirar após a ação, muitíssimo bem executada, diga-se de passagem.

O filme em sua introdução mostra o professor Broom (John Hurt), em um Natal, quando o Vermelhão ainda era um demônio criança. Não querendo dormir e esperar pelo bom velhinho descendo a chaminé, implora ao pai que vai escovar os dentes e cair no sono se uma estória de conto de fadas for dita. É sobre o rei Balor (Roy Dotrice) e sua luta de fantásticos seres (como elfos, goblins...) contra os humanos. Guillermo Del Toro incrementa o suposto conto de fadas com imagens de bonecos para suavizar talvez a violência da batalha e criar a ilusão de que é de fato história infantil. O rei perde a guerra, mas lhe é ofertada a chance de ter um exército indestrutível que posteriormente massacra os oponentes. Mas o guerreiro rei se arrepende e divide a coroa de Bethmoore em três partes. Uma para os humanos e as que sobraram para consigo mesmo, e assim a trégua foi feita.

Voltando ao tempo presente, Liz (Selma Blair) e HB (Ron Perlman) estão juntos, mas nem tudo é o mar de rosas. Vivenciam um constante conflito que testa o relacionamento. Ela quer as louças lavadas e ele só quer saber de beber cerveja ou fumar charutos cubanos, ela organizada e já ele bagunceiro. Como se não bastasse, não agüenta mais estar cativo no Departamento de Pesquisas e Defesa Paranormal. Sempre que pode dá uma escapadinha e acaba aparecendo em vídeos no Youtube. Posa para fotos em parques, dá autógrafo, aparece nas ruas e metrôs. Resultado é dor de cabeça à Tom Manning (Jeffrey Tambor), o diretor do departamento que a todo instante cobre as atividades do local alegando que nada do que dizem e vêem por ai é real. Contrata um novo agente, o alemão Johan Krauss (James Dodd na atuação física e Seth MacFarlane na voz) para vigiar o vermelhão, deixando o último intimidado por ser cool demais entre os agentes.

Ao mesmo tempo, o bureau começa a caçar o príncipe Nuada (Luke Goss), filho de Balor, que não aceita a trégua com os humanos de outrora e quer despertar novamente o exército dourado reunindo as partes da coroa, e sim, dominar o mundo como no início dos tempos.

O mundo descobre a verdade e uma questão filosófica desabrocha. HellBoy não é aceito no mundo em que foi criado, mas também não se sente à vontade em um mundo com criaturas como ele. Isso traz certa consistência ao roteiro, mas o que realmente prenderá mais a atenção é o visual das criaturas, bem como os cenários, típicos de Del Toro. O mercado troll é um exemplo excelente quanto à isso.

É como um tripé na verdade. Uma perna é a ação, a segunda é o visual do filme, e a terceira é o bom humor mesclado ao dilema do herói. Destaque para cena em que HB e Abe Sapien (Doug Jones) estão teorizando sobre mulheres e o amor completamente bêbados! Enquanto que HB fala de sua amada Pirocinética, o peixão azul escuta músicas de amor pensando em Nuala (Anna Walton), a irmã do ‘vilão’ do filme. O que não faltará são chances de uma nova aventura graças ao desfecho e elementos incorporados. É sentar e esperar.

Zohan - O Agente Bom de Corte

2008-09-06T23:15:00.001-03:00

A dupla Sandler e Dungan, o diretor, ataca de novo neste novo filme de comédia. Zohan é uma verdadeira máquina de guerra (muito atípica) do exército Israelense, e também garoto propaganda do país. Ele é capaz de desmontar armas com as mãos nuas, parar projéteis com os dedos e (pasme!), usa até mesmo as narinas para se proteger dos tiros, além é claro de desviar de mísseis e outras coisas mais, e evidentemente muito fã da diva Mariah Carey, que está com um par de seios e pernas mais lindos do que nunca.

Em uma de suas missões deve capturar o personagem de John Turturro, Phantom, o maior guerreiro da Palestina. Em seu último confronto, Sandler forja a própria morte para ir à América para realizar o sonho de tempos, a de ser cabeleireiro! A única coisa que quer é “deixar as pessoas mais bonitas”.

Chegando à terra do tio Sam, muda o visual e adota o pseudônimo de Scrappy Coco. E assim caminha o ex-combatente pelas ruas de Nova Iorque com sua camisa aberta, calças jeans e sandálias à procura de trabalho em ritmo disco music. Consegue a chance de trabalhar em um salão de beleza da dona e interesse romântico Dalia (Emmanuelle Chriqui), contudo um pequeno grande porém... Ela é palestina e o lugar é cobiçado, bem como toda a comunidade, por um homem de negócios chamado Walbridge (Michael Buffer). Ainda assim, Zohan começa do zero e não importa mais a sua nacionalidade ou a dela e questões de disputas religioso-territoriais. Concentra-se apenas em duas coisas: Cortar os cabelos de um modo nada ortodoxo, de maneira explicitamente erótica, e depois, dá um trato caprichado na clientela no quartinho dos fundos. Yeah baby, that’s right, sacanagem!

O humor deste filme é como quase todos os anteriores. Direto, sarcástico, pastelão, ou seja, os bem típicos do ator. Um quesito corriqueiro são as participações de coadjuvantes da comédia. Quem conhece a história do conjunto da obra de Adam Sandler sabe facilmente reconhecer os atores que fazem participação. Rob Schneider como o taxista Salim que reconhece Zohan e quer porque quer fama por descobrir que a suposta morte do herói e garoto propaganda israelense é falsa; Cris Rock que dá a primeira carona ao protagonista após sair do aeroporto; Kevin Nealon que o ajuda na patrulha do bairro; Dave Mathews, como um desses vilões de segunda que não passa de marionete... E por ai vai.

Como em Eu Os Declaro Marido... E Larry, existe a mensagem sobre deixar as diferenças e preconceitos de lado, para coexistir, mas deixando claro que a América é o lugar certo para recomeçar, apesar de previamente um discurso crítico um pouco ácido quanto à Bush filho e a guerra entre palestinos e israelenses, esta que dura mais de dois mil anos, menções sobre a Al Jazeera e Hezbollah também estão lá. O filme é bobo, mas entretém.

O Procurado

2008-08-25T00:54:00.001-03:00

Baseado na obra de Mike Millar e na arte de J.G. Jones, mas que passou por várias mudanças quando adaptada para telona e dirigido por Timur Bekmambetov (de Guardiões da Noite), O Procurado (Wanted) é uma HQ cultuada sobre uma fraternidade de assassinos que existe há mil anos. Seus integrantes acreditam que executando certos elementos na sociedade, poderão restabelecer através do caos a ordem no mundo. Sabem seus alvos através de sinais enviados pelo destino, graças a uma máquina de tear. Cada fio representa um código a ser desvendado com o nome daquele a ser eliminado. Os fios representam a teia da vida, e as falhas na mesma são os erros a serem corrigidos. Um representante da fraternidade Armas do Destino decodifica o nome da pessoa que deve ser morta através do tecido elaborado do tear. Por conseguinte, depois de identificado o alvo, é efetuada a execução a fim de manter o equilíbrio.

Mas vamos por parte. Conheça Wesley Gibson, um contador fracassado, frustrado em seu cubículo a mando de uma chefa arrogante, obesa e caricata. Ele está sempre com seus relatórios a serem entregues fora do prazo. A namorada o cobra mudanças, mas que nada faz para melhorá-las, e o trai com o melhor amigo. É explorado no trabalho, não consegue se libertar da rotina enfadonha e depressiva. Um perfeito otário, com uma vidinha de merda (perdoem o vocabulário). As pessoas tiram proveito dele. Passivo, depressivo, sempre cabisbaixo, pedindo desculpas, tem sérios problemas de auto-estima, medica-se constante e incessantemente quando sente suas homéricas crises de ansiedade. Auto intitula-se o maior mané do século XXI. É como se Peter Parker, o grande nerd, nunca tivesse se tornado o Homem Aranha e tivesse seus problemas da vida cotidiana multiplicados por dez.

O resultado é nítido, o ator James McAvoy (Desejo e Reparação) entregou-se por completo a psique do personagem, especialmente ao vê-lo com seus olhos azuis parecendo saltar de seu crânio e rosto ficando avermelhado. As veias saltam do pescoço e pronto, o vemos em mais um de seus ataques de ansiedade. Acreditem, Wesley odeia a vida que tem, é patético. Mas um dia conhece Fox, personagem de Angelia Jolie (A Lenda de Beowulf). Em uma noite ela conta que ele na verdade é filho de um dos maiores assassinos do mundo que foi morto por um traidor da fraternidade, o segundo maior assassino do mundo chamado Cross, o ator Thomas Kretschmann (Hellboy II – O Exército Dourado). Antes que Fox pudesse entrar em detalhes, o tiroteio na loja de conveniências, revelando o potencial do filme para a ação.

Imediatamente após a toda ação descomunal e incrível, conhece Sloane (Morgan Freeman, imaculável desde sua entonação vocal a postura) o cabeça da Fraternidade. De cara o pede para fazer algo impossível a meros mortais: Atirar nas asas das moscas em uma lixeira, ou será morto! Por mais uma vez, seus batimentos cardíacos disparam intensamente, seu rosto é molhado por suor e por breves segundos tudo parece estar em baixa velocidade. Ele faz o impensável, cumpre a ordem de Sloane e descobre que as crises de ansiedades são mais do que reações fisiológicas e psicológicas. As habilidades sobre-humanas residem no fato de terem sido passadas a ele geneticamente, já que é filho do maior assassino de todos os tempos, e uma das poucas pessoas no planeta a fazer o que pode.

Logicamente não aceita o que vivenciou naquela noite. Em uma narração Em Off, diz que fica aliviado quando tem um sonho ruim e pode acordar deixando aquela sensação ruim para trás. Mas o problema é quando descobre que não foi um sonho. Ao pensar no assunto, dá se conta de que tem uma escolha a fazer, e a faz em um momento crucial, mas que é típico para ele todos os dias... Enquanto está a ser humilhado novamente ao trabalho. É neste momento especial e particular que toma o controle da própria existência, que não tem de passar por aquilo novamente. Foi como Freeman disse. Em Wes há um leão enjaulado pronto para sair e tudo que é necessário é encontrar a chave e abrí-la. Foi como drogar-se pela primeira vez. Sente que pode fazer tudo. É como o efeito de um entorpecente, mas ao invés de ser uma experiência condenatória, que altere os seus sentidos, foi na verdade algo libertador.

Contudo, esta libertação vai lhe custar caro. É treinado pelos membros da Fraternidade e uma vez imerso não há volta. Tudo para assumir o legado do pai indo atrás do segundo maior assassino do mundo, o que matou o pai de Wesley.

Em meio ao seu treinamento, o vemos ser surrado, humilhado, aprende a lutar, disparar um projétil e acertar o alvo através de ângulos impossíveis, e literalmente fazer uma bala dar curvas, não seguindo uma linha reta... Aprende quem realmente é. Há uma busca pela própria identidade.

E assim é a fita, é visceral, adrenalizado, vertiginoso. Apesar dos absurdos, ou da justificativa para estes, agradará pelas cenas de ação, trará identificação com o espectador por fazer de Wesley, que é um cara ordinário, um alguém com controle de situações inacreditavelmente extraordinárias, e dá também uma canjinha mesmo que muito rápida do bum bum de Angelina. O personagem principal assumiu o controle na vida. Mas e você? O que tem feito ultimamente?

A Múmia - Tumba do Imperador Dragão

2008-08-03T00:21:00.001-03:00

A franquia de A Múmia traz para esta terceira parte mais do mesmo. Um ser do mal ressurge das cinzas e areias do tempo para ficar a frente de um exército indestrutível e dominar o mundo. E para encará-los, a família O’Connell. Rob Cohen (Dragão – A História de Bruce Lee e Velozes e Furiosos) dirige, e os roteiristas Alfred Gough e Miles Millar (os responsáveis pela série Smallville) vêm com a velha fórmula de sempre... E não é que deu certo!!!

Jet Li interpreta Han, um imperador cruel na China há mais de dois mil anos. Um período em que o país estava divido em vários reinados. O visual do astro das artes marciais como morto-vivo é impressionante, bem como os efeitos especiais. O personagem tem a habilidade de controlar os elementos do fogo, madeira, terra, metal e água.

A vontade dele é de unificar os reinados através de batalhas. Quando derrotados todos os inimigos, os enterra sob a Grande Muralha da China. Mas até mesmo o arrogante ditador reconhece que a missão de conquistar tudo e todos é grande demais pra uma só vida. Sua maior batalha seria contra a própria morte e visando a imortalidade recorre à personagem Zi Yuan (Michelle Yeoh). Ela é uma feiticeira que conhece o caminho para o desejo de Han, a de ser imortal. Percebendo que conseguiria seu maior desejo, ordena ao seu general protegê-la e não deixar nenhum homem tocá-la, mas falha na missão por envolver-se com ela. Mas ao invés de agraciá-lo com a vida eterna, o enfeitiça a passar a eternidade como uma imagem em terracota depois de ver o amor da vida dela morrer friamente sob o comando do personagem de Li.

Já em 1949, a rotina enfadonha da família O’Connell dissolve a forte paixão entre Rick (Brendan Fraser) e Eve (agora incorporada por Maria Bello). O chefão de família passa seus dias pescando, matando o tempo com atividades bem diferentes daquela antiga vida de soldado da Legião Francesa. Evelyn tornou-se uma escritora de sucesso após narrar em livros sobre as duas primeiras aventuras vivenciadas em A Múmia e O Retorno da Múmia.

Alex (Luke Ford), o filho rebelde do casal, querendo sair da sombra dos pais exploradores descobre a tumba do imperador e a traz consigo os guerreiros e o imperador de terracota até o Ocidente. Quando o governo toma conhecimento da descoberta, pede ao casal que tomasse conta de uma preciosa peça encontrada nos escombros, já que durante a guerra prestavam serviços arqueológicos e os federais querem mais este favor pela família ser experiente neste tipo de assunto. Tal pedra é considerada relíquia e patrimônio da China, mas na verdade é uma forma de ressuscitar os mortos vivos dos escombros. Eve encara este novo capitulo na vida como uma chance de agitar as coisas e sentir o sangue correndo nas veias.

John Hannah está impagável novamente como Johnatan. De certo, o brincalhão do filme com piadas nos momentos mais explosivos aos mais tranqüilos. Ele é dono de uma casa noturna em Shangai, e como sempre continua festeiro. Impossível não comparar as cenas de ação na casa noturna (que leva o nome de um personagem dos dois primeiros filmes), o desenrolar das situações, as roupas de época com as de Indiana Jones e o Templo da Perdição. É praticamente obrigatória essa comparação, além de ser talvez uma homenagem ao clássico de Steven Spielberg.

Ok, o filme é legalzinho, cuidadosamente filmado, entretém, faz menção sempre as histórias prévias, mas como dito é mais do mesmo. No primeiro filme se Ardeth Bay (Oded Fehr) era responsável por guardar o local em que descansava Imhotep e impedir que ele fosse despertado, agora é a vez da lindíssima atriz Isabella Leong (Lin), par romântico de Alex de fazer o mesmo em relação ao Imperador Dragão. Muitos tiros, explosões, lutas impossíveis e incansáveis, e as piadas engraçadinhas do filme. Enfim, tudo que um filme pipocão precisa para fazer os produtores, roteiristas e diretor ganharem um retorno gordo em seus bolsos. Será que rola um quarto filme?

Batman - O Cavaleiro das Trevas

2008-07-19T19:19:00.001-03:00

Você pensa que Batman Begins é a melhor adaptação do homem-morcego no cinema, então vá correndo a sala de exibição mais próxima, porque O Cavaleiro das Trevas vai surpreender. O filme não é para crianças e tampouco o Coringa é um palhaço idiota! A chave para tamanho apelo ao filme é o intricado plano do Coringa para o herói e cidade, as atuações (com destaque louvável a Heath Ledger) e outros elementos que se fazem notar, como o plano de tomadas aéreas, explosões e efeitos pirotécnicos.

A Trama
Logo aos primeiros minutos damos conta de que este não é mais uma história de super-herói. Ao começo vários homens fortemente armados com máscaras de palhaço executam um plano de mestre ao assaltar um banco, e claro, tudo orquestrado magistralmente por ninguém menos do que o Coringa. Na busca por ser o maior gênio criminal, tem a idéia de eliminar Batman e tomar o controle de tudo. O personagem está obcecado em desmascarar o cavaleiro negro a todo custo, e a todo custo mesmo. Ele libera em verdadeiro caos na cidade na cidade de Gotham, e James Gordon juntamente com o promotor Harvey Dent assim como toda policia movimentam-se para saber os próximos passos do palhaço.

Harvey Dent
Do outro lado da moeda, Harvey Dent (Aaron Eckhart com muita boa atuação) um promotor que busca justiça visto aos olhos da cidade como o homem que pode livrar Gotham de sua Quimera, o crime! É uma figura pública muito conhecida que sofre pressão em busca da diminuição da criminalidade, mas que tem ao seu lado a então namorada Rachel Dawes (Maggie Gyllenhaal).

O Triangulo Amoroso
Rachel segue com a vida pessoal e profissional, e agora se relaciona com Dent. Bruce tenta digerir o infortúnio e tenta recomeçar com a jovem já que devido a iminente queda da criminalidade, pensa em deixar de lado a máscara e manto negro e ter uma vida normal. Acredita piamente que Harvey é o verdadeiro herói por seus feitos com a Lei.

Bruce Wayne/Batman
Aos olhos da sociedade graúda de engravatados com suas intermináveis festas, Wayne é um garanhão festeiro. Mas na verdade ele é como James Bond não só por causa dos caros ternos e garotas, e sim por ter a ajuda de Lucius Fox (Morgan Freeman) que age como um verdadeiro Q, apresentando novas armaduras e utensílios. Como se não bastasse, é também uma mistura de Ethan Hunt (da trilogia Missão Impossível) por loucas acrobacias quando trajado de Batman (como pular de altos prédios na China), e quando sobra um tempinho faz o melhor estilo Gil Grissom da série CSI ao analisar balística.

As cenas de ação em que Batman vai até a China buscar pelo mafioso disfarçado de empresário Lau (Ng Chin Han) é de fazer o queixo cair. As ações de Batman são executadas perfeitamente como a de Coringa ao início da fita quando rouba um banco, contudo é maior e melhor. Além disso, temos a boa e velha pancadaria (o justiceiro luta contra mais de cinco homens, um por um) coisa que sempre deixou a desejar nos filmes do morcegão até Nolan e Bale se juntarem e fazerem parte deste universo.

O ator Heath Ledger, a galinha dos ovos de ouro
É fácil e difícil ao mesmo tempo descrevê-lo, pois parece que não há adjetivos o suficiente para tentar explicar a sua persona, embora pareça que todos os possíveis adjetivos e qualidades se enquadrem perfeitamente na linguagem corporal: Maquiavélico, genial, mórbido, sinistro, obscuro, um vulcão em erupção constante e insanamente divertido e assustador. Por vezes chega aa roubar a cena do colega Bale, contudo este último muitíssimo competente na atuação, até porque é de fato quem melhor até hoje encarna o herói. O seu embate contra seu oposto, Batman, se dá em níveis não só físicos, mas também psicológicos e filosóficos, já que o herói decaído vê-se obrigado a ir de encontro a seus princípios.

Chistopher Nolan brinda aos fãs e não fãs com Batman - O Cavaleiro das Trevas um filme de clima sombrio, com muita ação e um pouco de reviravoltas, porque é um filmaço. É admirável o poder em fazer um homem de carne e osso, que sangra tornar-se algo maior, um símbolo, uma idéia, mito, uma força a ser temida. Igualmente grandiosa a mitologia construída em torno do homem morcego é a construção da morbidez do Coringa. Com todo respeito às atuações do passado de Cesar Romero e Jack Nicholson, mas esqueça-as já que Heath Ledger está tinindo! Depois de ver o filme realmente não soa absurdo uma possível indicação póstuma ao Oscar de Melhor Atuação.

Coitada da alma incumbida de roteirizar os rumos pós The Dark Knight, já que terá um homérico trabalho, assim como sortudo (e azarado???) o ator que terá o grande fardo de manter-se tão bom ou melhor que Ledger ao vivenciar o palhaço psicopata. Dá pra contar nos dedos as sequências de filmes que deram certo e este novo do morcegão com certeza é uma delas!

Viagem Ao Centro da Terra

2008-07-16T00:06:00.001-03:00

Brendan Fraser é um ator que norteia entre bons e maus trabalhos cinematográficos, e Viagem Ao Centro da Terra está exatamente no meio. Ao juntar o clássico da literatura de Julio Verne e o astro, pensa-se que é uma idéia promissora, mas a nova adaptação da obra é voltada para o público infanto-juvenil e por causa disso perde um pouco do seu brilho.

Tudo começa quando o professor e geólogo Trevor Anderson (Fraser) recebe sua cunhada e tem de passar um tempo com o seu sobrinho de treze anos Sean (Josh Hutcherson). O garoto é do tipo metido a espertinho, mal humorado e que no fundo sente a falta do pai que desapareceu há dez anos na busca pelo centro da terra, descrito nos livros por Verne.

Ao tentar ganhar a simpatia do sobrinho fala do pai do menino, Max, que era obcecado com Julio Verne sobre a idéia de existir um mundo dentro do mundo. Ao remexer nos antigos pertences do irmão, descobre coordenadas que o levam a Islândia onde começa toda a aventura. Chegando ao local conhecem a bela guia Hannah (Anita Briem), personagem que está mais para estrela pop teen por sua aparência de menininha, loirinha de olhos claros, e claro, namoradinha do herói. A partir daí o que parecia apenas uma busca por respostas, acaba se tornando a aventura de suas vidas.

Pontos fortes
O visual do filme. Há salas especiais em que o filme é apresentado em versão 3D. As cores e efeitos visuais são muitíssimos bem feitos.

Pontos Fracos
O filme não é de fato uma adaptação direta do clássico e sim uma homenagem ao livro que chega a ser mencionado a todo tempo na fita. Os personagens usufruem as páginas do clássico como forma de se guiarem pelo inóspito lugar que se encontram.

O finalzinho clichê sem vergonha
Ao final, como era de se esperar tudo é um mar de rosas e saem praticamente ilesos. A impressão é de um filme que é um grande vídeo game que nem aqueles de fase, como Pitfall, Super Mario Bros, Alex Kidd e tanto outros, e o mocinho é uma versão light, de confete e serpentina do explorador Rick O’Connel da franquia A Múmia, também interpretado por Fraser. Ou seja, recheado de efeitos visuais, barulhento, engraçadinho e animadinho, para a toda a família.

Um conselho: Espere sair em DVD, ou dar na tv. Este tem tudo para ser um filme Sessão da Tarde e já dá até mesmo para imaginar a chamada durante a programação: “Um garotinho muito esperto metendo-se em altas confusões com seu louco tio e uma linda gatinha numa aventura além da imaginação. Jornada Ao Centro da Terra. Filme inédito com Brendan Fraser, hoje na Sessão da Tarde!” Plim Plim!

Eu Os Declaro Marido... E Larry

2008-07-10T15:10:00.001-03:00

Eu Os Declaro Marido... E Larry (I Now Pronounce You Chuck And Larry) é uma comédia machista, chauvinista, preconceituosa, com excessivos momentos de mau gosto, regada a estereótipos e totalmente politicamente incorreta e... é muito hilária!!! O filme dirigido por Dennis Dugan é estrelado por Adam Sandler (Click) e Kevin James (Hitch) e conta a estória de dois bombeiros, Chuck e Larry.

Chuck é um verdadeiro garanhão no sentido amplo da palavra... Transou com nada menos do que 16 mulheres em um curto período de tempo, é machista, preconceituoso e arrogante, contudo é engraçadíssimo... Afinal, estamos falando do ‘Sandman’ um dos atores de maior destaque há mais de uma década, que inclusive ganhou o prêmio da MTV Movie Awards pelo seu conjunto da obra.

Do outro lado, Larry. Pai de um casal de filhos (muito esquisitos, com destaque para o filho) que perdeu a esposa há três anos e que ainda é completamente apaixonado por ela, não conseguindo desfazer-se dos antigos pertences.

Quando o personagem de Sandler é salvo pelo personagem James no trabalho, fica em uma grande dívida com o amigo que lhe faz a seguinte proposta: Passar-se por um casal homossexual para assim Chuck quitar as suas dívidas e para que os filhos tenham pensão. Pensaram que não haveria nada demais em fazer isso mesmo tendo consciência de que é crime, uma fraude, e os problemas começam quando passam a ser investigados por um fiscal, interpretado pelo igualmente hilariante Steve Buscemi, para descobrir se há legitimidade da ‘união estável’.

Para engrossar mais o caldo, uma gostosona carente, divertida, inteligente, meiga e cativante, que aconselha legalmente o ‘casal de pombinhos’, a advogata (perdão ao trocadilho) Alex, vivida por Jessica Biel, com destaque para a cena em que aparece seu bumbum perfeito de calcinha e um provocante sutiã... Coisa bela!

De antemão sabemos o que acontecerá. O garanhão vai se apaixonar pela lindona. E o que mais acontece? Opa, não é que ela começa a se envolver com ele também e sentir peso na consciência e enxergar nele o que sempre faltou em sua existência, um homem que pode suprir as necessidades que sente... E olha só, ele vê nesta garota a chance real de ser feliz e pendurar as chuteiras de fodão. É neste momento que o espectador poderia simplesmente levantar de seu confortável assento e ir embora por saber exatamente como acaba o filme... Mas para compensar continuam a todo tempo piadas sobre sexualidade e obesidade, além das atuações que realmente não deixam a desejar... E claro... Ver mais dos olhos e bunda de Jessica Biel.

Mesmo sendo uma comédia (de humor duvidoso) que traz uma química ótima, com um bom timing de piadas entre os protagonistas, há uma pequena mensagem sobre deixar de lado o preconceito e aceitar as diferenças. O problema é que a ênfase maior está voltada para a comédia, sarcasmo e mulheres lindas do filme, mas se quiser uma boa dica de DVD para ver com os amigos, Eu Os Declaro Marido... E Larry é realmente uma boa opção pra você. A menos que se sinta altamente insultado com as constantes baixarias, mesmo que leves, e de mulheres seminuas e insinuações sobre sexo.

Agente 86

2008-07-10T10:54:00.001-03:00

Se existe alguém que personifica exatamente da pior maneira, contudo hilária, James Bond, esse era Don Adams na sessentista série cômica Agente 86 (Get Smart), criada pelo mestre do riso Mel Brooks, que atualmente teve uma versão cinematográfica de mesmo nome que com certeza arrancará gargalhadas pelas atuações.

Steve Carrell (O Virgem de 40 Anos e a série The Office) encarna impecavelmente Maxwell Smart, o atrapalhado agente que trabalha para a organização contra o crime mundial chamada CONTROLE. O sonho do trapalhão ‘altamente treinado’ é torna-se um agente de campo e o consegue quando os melhores são mortos misteriosamente, sendo então promovido por falta de opção (!). A trama é bem simples... Impedir que a organização KAOS execute um ataque terrorista ao presidente dos Estados Unidos.

Para tamanha missão tem como parceira a atriz Anne Hathaway, que está lindíssima como agente 99, e um certo suporte do agente 23 encarnado pelo carismático brutamontes Dwayne Jonhson, que parece decidido a dar um tempo dos filmes de ação um tanto non-sense e desiste de assinar como “The Rock”.

A dupla é a todo o tempo uma inconstante, ela é eficaz e ele um desastre, mas a química entre os dois na ação é ótima e mesmo assim se completam. São ordenados pelo Chefe (o ator Alan Arkin), o mal humorado e careca chefão da organização CONTROLE. Ele chega até mesmo a se digladiar e cair no tapa com o vice-presidente da América em uma reunião ultra-secreta, este último considerado pelo presidente dessa mesma nação (James Caan) como um verdadeiro imbecil!

Do lado dos vilões da KAOS temos o icônico, e eterno General Zod, Terrence Stamp que interpreta Siegfried. É verdade, ele faz o típico vilão que quer por que quer executar um maligno plano com seus cabelos brancos e olhos esbugalhados, mas nem por isso deixa de ser atraente este veterano dos cinemas atuando.

O segredo de Agente 86 de Peter Segal está na comédia física de Carrell, com destaque para a cena de dança entre o astro principal e uma gordinha engraçadíssima num salão abarrotado de convidados ao estar disfarçado para coletar informações. Outro ponto forte são as cenas de ação elaboradas. Em meio à performance do comediante, vemos lutas, tiroteios, explosões, perseguições de carro em alta velocidade... Tudo de um jeito sofisticado e ainda assim (falsamente) tosco, e isso traz toda a graça ao filme. E durante a execução de um plano e outro capengamente cumprido, sobra espaço para um iminente romance entre Maxwell e 99.

Don Adams realmente marcou como o personagem, mas a tendência de Hollywood é reviver os clássicos e Steve Carrell faz muito bem a construção do personagem, e nem mesmo é preciso ter acompanhado a série para entender o filme, embora não faltem elementos da extinta série que deixará os fãs satisfeitos (vide o sapato que serve de telefone, bugigangas, as portas que se fecham automaticamente...). Mesmo comprando um saco de pipocas e refrigerante, o que irá ser saboreado mesmo é a comédia. Bom filme para você!

Hancock

2008-07-07T23:28:00.001-03:00

Peter Berg (diretor de Bem Vindo À Selva) acerta a mão em Hancock, que conta com um bom elenco e uma estória de super-herói nada convencional. O filme é sobre o infame, alcoólatra e solitário John Hancock (Will Smith em mais uma boa atuação), e nos minutos iniciais o vemos sobrevoando e dando rasantes na cidade de Los Angeles atrás de bandidos em alta velocidade em uma rodovia e na busca pelos bandidos, muita destruição de carros, placas de sinalização e feridos.

A imagem do (anti) herói é marcada por fracasso e um negativo trajeto desde sua primeira aparição a público, mas isto está por mudar quando salva a vida de um relações públicas convencido a mudar o mundo com ações positivas radicais, contrários aos grandes interesses de seus clientes, chamado Ray Embrey (Jason Bateman de Juno e série Arrested Development). Quando salvo tem a oportunidade de emplacar sua carreira representando o personagem de Will rendendo uma mudança na aparência ao fazer a barba, não usando roupas surradas e lhe dando um uniforme que traga imponência. E mais, fazer com que as pessoas o amem por seus heróicos feitos embora esteja longe de cair no agrado da população e mídia. Na tentativa de tornar o bruta-montes necessário a cidade, aceita de boa vontade ir para trás das grades por ter custado a cidade milhões em destruição, e o plano é justamente deixar a criminalidade crescer obrigando a volta do beberrão.

As coisas complicam no momento em que Mary Embrey (Charlize Theron), esposa de Ray, é apresentada para o herói decaído e acontece o então complicado ‘quase’ triangulo amoroso que torna por fragilizar a interação com Ray, ao mesmo tempo em que a imagem de Hancock passa a ser trabalhada.

Berg consegue com competência mostrar o quão árduo é ser um herói na vida de todos em um suposto mundo real (e o faz introduzindo elementos do cotidiano como Greenpeace e um jabá descarado do Youtube), ainda mais quando o odeiam, e mesmo assim não há como não amar o personagem apesar de execrado pelos seus concidadãos diariamente.

Além de questões como a solidão, de ser o único de sua espécie, muita ação e risos servem de contrabalanço, e há uma pitada de mistério quanto à procedência do personagem principal. É como um Superman às avessas e talvez o motivo de tanto sucesso é por não haver a pretensão de vê-lo como um, de não enxergá-lo inicialmente como um virtuoso homem que abre mão dos desejos pessoais para poder servir ao mundo. Esse é o diferencial dele aos outros seres de super poderes. Em suma, Will Smith mais uma vez mandou bem e mandou muitíssimo bem.

Um Papo Existêncial em Paraty

2008-07-07T13:06:00.001-03:00

Muito foi pensado quanto a que pôr escrito no trajeto a Paraty, e confesso que agora em que sento de frente para praia nada vem à mente. É o tal bloqueio criativo, não sei. Na primeira noite em companhia de amigos que cursam Comunicação Social, trafegamos pelas ruas do lugar (como o centro histórico) observamos as pessoas, fotografamos, compramos livros e adornos... Mas a atração principal foi a feira da FLIP (Festival Literário de Paraty), na qual diversas palestras interessantíssimas foram apresentadas.

Mas não estou a escrever aqui sobre o evento, e sim a experiência de divagar nos simples deleites da vida... Que “poetismo” barato, não? Deixe-me explicar. Dizem por ai que as melhores idéias ou conversas surgem na madrugada, despretensiosamente ou só por observar um fato. E sim, o papo até então sem compromisso tornou-se uma avaliação do mundo em uma ótica particular de cada um dos amigos (e de forma bem acalorada). Mas quem diabos sempre diz que esses ‘insights’ vêm na madrugada num papo consigo mesmo ou em grupo? Atrevo-me a responder que são eles. E quem são ‘eles’? Não sei! É como se fosse uma força maior e invisível, contudo presente na vida humana que sempre ganha peso quando um tema é esmiuçado. E quando perguntado quem diz isso é possível corroborar tal afirmação... Alguns respondem com opiniões próprias (que o tempo todo é ou tem a desculpa de serem plausivelmente justificados) ou algo que ouviram falar. Não importa, sempre existirá o coletivo, onipresente, invisível e mítico “Eles”.

Como ponto principal dos vários assuntos abordados em nossa roda, o por quê de questionar a vida. Saber até que ponto é válido questionar a existência, e por sempre questioná-la penso (pensamos) se o ato de fazer isso não seria deixar de viver... Embora interrogando seja uma forma de sofisticar o próprio conhecimento e assim viver melhor, com sabedoria.

Mas questionar a todo o tempo é cansativo, ainda mais quando não se obtém respostas. Daí argumento sobre quais pontos valem a pena ser levantados e se simplesmente ao se saturar de tantas observações e perguntas com relação a existência, se não seria apenas mais fácil ser, estar, aproveitar aquilo que nos foi dado e desenvolver o uso do nosso conhecimento, que é a sabedoria. Detectar que coisas são ditas como necessárias a serem analisadas e outras a simplesmente serem aceitas. Contentar-se só por existir e ser parte do todo, ou conformar-se e ter a certeza de que não se pode saber tudo. Saber que não se sabe é uma forma de conhecimento e de todas as perguntas levantadas durante tal madrugada, volta-se a questão inicial, básica a tudo... Citando Sócrates “Só sei que nada sei”. Singelo e direto, e ainda assim não vejo certeza absoluta se esta afirmação é correta diante do vasto conhecimento da Humanidade, mas é inegável que essa afirmação tem um homérico impacto.

É um ciclo sem fim, mas que tem seu inicio e sua volta a esta premissa. Um tanto paradoxal, já que, se é algo sem fim, não deveria existir ter um começo, meio e término... Mas está lá na frase de Sócrates.

Quanto ao que se discutia para gerar tanta opinião, raciocínio lógico, tanto empenho de nossas faculdades mentais, eu não sei se importa tanto até por que poderia ser qualquer coisa, e o que interessava era o ‘conhecimento’, a existência da vida. Como todo ser humano é passível de erros, prefiro ater-me em simplesmente aceitar certas coisas como elas são (embora seja muitíssimo importante indagar, protestar e não se conformar facilmente com nada, se isso trouxer a melhoria do todo, do coletivo). Para muitos pode ser visto como uma mera desculpa e preguiça de racionalizar tudo, para outros é apenas abraçar e ficar inebriado pelos instintos básicos humanos (e não é isso que somos, humanos?)

Religião, Ciência, Ceticismo, Ateísmo... Será que não é um jeito desesperado de justificar uma existência e dar rumos importantes, que tenham significado a nós mortais? Um jeito de nos sentirmos bem conosco?

Tudo escrito deve soar contraditório, paradoxal, mas deixo aqui a minha interrogação: ”Até que ponto vale a pena questionar a existência, o todo, se isso traz gasto de energia vital a nós?” Sempre voltamos ao ponto de partida, já que é a pergunta que nos move... “Por quê?”. Talvez seja arrogância dizer que conseguiremos saber tudo. Somos humanos e não Deus.

O Melhor Amigo da Noiva

2008-06-01T02:27:00.001-03:00

Atire a primeira pedra quem nunca sentiu algo a mais pelo amigo(a)! Patrick Dempsey (da série Gray’s Anatomy e do filme Namorada de Aluguel na qual interpretou o eterno Ronald Miller) é Tom, um mulherengo morando em Nova Iorque que em tempos de faculdade, mais precisamente em 1998, conhece Hannah (Michelle Monaghan de Missão Impossível III) e tenta seduzir a garota. Tenta e não consegue. Dez anos depois os dois tornam-se melhores amigos.

A linda jovem parte para a Escócia para resolver assuntos pendentes e Tom ao perceber a ausência de Hannah se dá conta que ela é parte fundamental em sua vida ao conversar com amigos e só se sentirá completo ao assumir o que realmente sente por ela. O problema é que ele é um tanto machista cheio de regras com quem consegue dormir junto e nunca diz o que realmente sente, ao contrário de Hannah que diz “eu te amo” com freqüência as pessoas.

Quando decidido a abrir o jogo, tem uma infeliz surpresa. Ele conhece Colin Murray (Kevin McKidd da série Journey Man), homem perfeito em tudo! Um duque escocês, muito rico, cavalheiro, gentil, inteligente, preso aos seus costumes de realeza e versão do século XXI de príncipe encantado... Enfim, o tipo de homem que muitas mulheres pedem a Deus. A situação torna-se mais insustentável ao garanhão quando Hannah o pede pra ser ‘madrinha’ do casamento e o aceita. Mas as suas verdadeiras intenções não são obviamente de ajudar o casamento ir de vento em popa.

Tudo bem... É mais uma comédia romântica de final previsível, decepcionante até... Contudo vale pela incrível beleza natural das montanhas escocesas, os arranjos musicais típicos deste país e o carisma dos atores. Mas qual é o diferencial de Paul Weiland, o diretor? Simples. Alguns filmes deste gênero são mostrados a partir do ponto de vista feminino, mas não neste já que é um homem fazendo de tudo para ter a atenção de uma mulher, metendo-se nas situações mais estapafúrdias possíveis para concretizar seus desejos.

Vale lembrar que este foi o último trabalho de Sydney Pollack que faleceu em março de 2008 por câncer aos 73 anos de idade e a participação do ator foi fator de destaque. Ele faz o pai de Dempsey na fita, encenando o típico e estereotipado homem rico que vivenciou vários relacionamentos amorosos e chega até mesmo negociar com a sexta esposa (uma gostosa loira burra e gananciosa) o número de vezes em que fará sexo, desde que ele faça mais exercícios e perca peso.

E mesmo tendo afundado em vários envolvimentos aconselha ao filho a não deixar essa oportunidade de estar junto com a mulher que ama para trás, já que assim o aconteceu quando se separou do seu verdadeiro amor, a mãe de Tom. Se quiser uma opção de final de semana, veja O Melhor Amigo da Noiva (Made Of Honor) e quem sabe aquela pessoa que você tem como uma bela forma de amizade não se transforme em algo mais?

Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal

2008-05-23T04:17:00.001-03:00

Dizem que as mulheres são como vinho porque melhoram com a idade. Bom, os heróis também ficam melhores com o tempo e prova disso é com Harrison Ford aos seus 65 anos de idade! Se achar que o grande aventureiro norte-americano já tinha feito e enfrentado de tudo, engana-se. Ele está de volta neste quarto episódio para os fãs e a trama se passa em 1957 com a Guerra Fria. A ameaça agora são os soviéticos e toda aquela efervescência da década de 50 sobre o comunismo, além de salvaguardar o estilo de vida americano, e quem melhor do que Ford para fazê-lo? Para mais esta missão, ele é ajudado pelo companheiro Mac (Ray Winstone).

O dr. Henry Jones Jr. (opa quanto formalismo, devo dizer Indiana Jones!!!) logo perde seu posto de professor de arqueologia por suas supostas ações comunistas e quando está a partir para a Inglaterra para dar aulas, conhece Mutt (Shia LaBeouf) que pede a ajuda do destemido saqueador de tumbas para uma missão pessoal que é de encontrar a Marry Williams (Karen Allen) e o professor chamado Oxley (John Hurt), que foi estudante e colega de classe do herói da fita. Na proposta feita pelo jovem rapaz, Indy dá se conta de que pode encontrar um dos maiores artefatos arqueológicos já existentes, a Caveira de Cristal de Akator e recuperar contato com o amigo de turma que há muito não vira. Para a surpresa do velho guerreiro, a mãe do jovem rebelde é na verdade Marion Ravenwood, a sua companheira no primeiro filme, Os Caçadores da Arca Perdida.

Do lado oposto aos bons mocinhos está a paranormal Irina Spalko (Cate Blanchett) que comanda com unhas e dentes um cruel grupo de soldados fazendo de tudo para ter em mãos a caveira de cristal, pois supostamente trará poderes ilimitados a quem devolver o artefato ao lugar de origem. Para Irina, em tempos como aqueles em que vivem é crucial saber cada passo que o inimigo dá (América) para só assim dominar o mundo. O típico plano de vilões! Mas não se enganem, o filme é um colírio, apesar dos absurdos, falhas e perdas (como a ausência de Sean Connery que se recusou a revisitar o papel do pai do herói).

Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal é simplesmente fascinante e você se dará conta disso realmente ao final com seu incrível visual e fotografia de desertos, o gigantesco galpão na Área 51, as silhuetas dos corpos (principalmente a de Harrison Ford que é facilmente identificado) e florestas no Amazonas e Peru.

Acredite... Está tudo lá... Mistério, conspirações, cavernas e tumbas empoeiradas, teias de aranha, passagens secretas, tiros, lutas, além da música inconfundível, as roupas surradas, a jaqueta de couro, o chapéu, chicote e a clássica frase “Não toque me nada!”. E fiquem atentos, pois quem sabe possamos ver um novo filme e talvez até mesmo uma franquia comanda por Shia Labeouf, o filho do herói. E se desejar ser um arqueólogo siga o conselho do senhor doutor Jones, “Se quiser ser um bom arqueólogo, tem que sair da biblioteca”.

Os antigos ícones de infância ressurgem como Superman, Rambo, James Bond e John Mclaine. Nada mais justo que Steven Spielberg na direção e uma ajudinha de George Lucas para trazer de volta um dos seus maiores sucessos, não? O que parecia impossível há anos, hoje é realidade.

Speed Racer

2008-05-18T00:42:00.001-03:00

Ah, a infância... Época de magia, despreocupações e diversão. Para você que se divertiu ao ver o anime saiba que Trixie (Christina Richie), Pops (John Goodman), Mom (Susan Sarandon), Sparky (Kick Gurry), Gorducho (Paulie Litt) e o macaco Chim-Chim (Zequinha como chamado na dublagem dos desenhos) fará reviver em você essas sensações em níveis muito maiores. Os irmãos Wachowski trazem a sua primeira direção desde a Trilogia Matrix em 2003 conseguindo resgatar de forma fiel e impactante um personagem icônico: Speed Racer!

Emile Hirsch tem a grande responsabilidade de representar o personagem e fazer crer a gerações de fãs que pode ser o corredor. É uma história de origem, portanto, vamos a esta. Tudo começa ainda na infância quando Speed só pensava em uma coisa apenas: Correr. Tem o irmão mais velho Rex a quem tem profunda admiração e idolatria por ser um tremendo piloto. Mas supostamente morre e oito anos depois aquele garotinho inocente torna-se um dos maiores corredores com o Mach 5.

Por torna-se muitíssimo popular no mundo das corridas lhe é proposto uma grande chance em ser patrocinado, ter o melhor treinamento possível e toda maquinaria disponível. Graças ao elo fortíssimo com a família (principalmente o pai) que acredita que correr é mais que um esporte, uma religião e todo este glamour de patrocinadores destroem o verdadeiro sentido de correr e ser livre, ele nega o acordo descobrindo estar imerso em problemas, como de perceber que corridas podem ser arranjadas a todo o tempo. Todo o brilho se apaga dos olhos de Speed ao encarar a verdade, mas ainda assim apesar de ameaças decide lutar contra o milionário Senhor Royalton (Roger Allam) no evento Casa Cristo, que se passa no deserto.

Bom, já sabemos do que se trata o filme. Vamos agora para outra parte, os elementos bem pensados na fita. Destaque para Paulie Litt que interpreta Gorducho, o irmão caçula da família Racer com o seu macaco. Certamente, mesmo que por breves momentos, rouba a cena por trazer o tom cômico com seu jeito comilão, intrometido e briguento.

Em meio a muita adrenalina, o misterioso Corredor X, interpretado de forma convincente por Mathew Fox (O dr. Jack Shephard de Lost) com seu visual de super-herói em couro preto, com máscara e óculos.

Outro destaque muitíssmo forte e inegável é o visual das paisagens e carros velozes. Apesar das cores saturadas e o óbvio fundo em croma key em que todos atuam, é de intensa presença principalmente com o show de tracejo de luzes, enquadramentos múltiplos que cruzam a tela de projeção e outros efeitos visuais. Os momentos mais empolgantes e de cair o queixo são a corrida em Casa Cristo e o embate final de Racer na pista. É como se você realmente estive dentro do carro vendo apenas borrões e clarões riscando a sua frente. A força do filme nos cinemas com seu sistema de som e tamanho da tela proporcionam esse efeito.

Uma outra curiosidade é o carro da Petrobras. A empresa pagou um milhão de dólares para ter seu destaque no longa-metragem, ou seja, publicidade, mas a todo o momento insistiu nas negociações em não querer ser mal vista como uma corporação maléfica. Não fique tão na expectativa em ver a máquina verde-amarela Green-Energy, já que não passa de poucos segundos a sua participação e nem mesmo é possível ver quem a pilota.

O bom humor (mesmo que pastelão às vezes) é constante como na cena em que toda a família luta Kung-Fu. Sim, isso mesmo, são exímios lutadores. Destaque de novo para Gorducho e até mesmo o macaco! Mesmo assim não é um filme boboca, embora haja um certo tom puro vindo de Speed Racer ao contar sua paixão por corridas e claro os momentos clichês sobre quem realmente se é, e o que se quer no momento clímax.

Este aspecto água com açúcar é devido a vontade de alcançar uma classificação mais branda... Mesmo assim uma história para aquelas crianças já crescidas que acompanhavam as aventuras do desenho, ademais uma introdução para geração do momento que não teve a oportunidade ver o anime. Mesmo a lutas impossíveis, acrobacias que desafiam o bom senso (e as Leis de Newton) e a clássica forçação de barra, sinta-se imerso na viagem a mil por hora das imagens psicodélicas nas pistas, e se dê a chance de ser criança de novo ao assistir Speed Racer. Quem sabe numa seqüência (se houver) as coisas sejam mais verossímeis e sérias e dizer mais uma vez "Vai Speed, vai"?

Homem de Ferro

2008-05-04T02:11:00.001-03:00

Há de se convir uma coisa: O universo de histórias da Marvel ganha de lavada da concorrente DC quando se trata de adaptar quadrinhos para as telonas de cinema, e Homem de Ferro (Iron Man), que traz na direção Jon Favreau, é mais uma boa opção que agradará aos fãs. O ator por detrás da máscara e armadura vermelha e dourada é Robert Downey Jr., a escolha certa para viver Tony Stark, o bilionário cientista e dono da maior empresa bélica do mundo, a Stark Industries.

O diferencial deste personagem criado por Stan Lee (o mesmo de Quarteto Fantástico, Hulk e Homem-Aranha) à de outros super-heróis é que Stark é um dos maiores comerciantes do ramo de armas e responsável pela morte de muitos (mesmo que não diretamente) quando financia tecnologia de ponta em guerras o que certamente é um aspecto contraditório, posto que o objetivo de um herói é salvar vidas e ele na verdade é tido como o ‘mercador da morte’ pela mídia. E depois dizem que quadrinhos são para crianças...

O filme começa quando o personagem principal vai até o Afeganistão para promover a sua mais nova invenção militar, com seus óculos escuros, terno caríssimo, patriotismo à flor da pele, e sorriso altivo e pomposo estampado no rosto alegando: “Dizem que a melhor arma é aquela que não precisa ser disparada. Eu prefiro a arma que só precisa ser disparada uma vez!” Em seguida sofre um ataque e toda a sua escolta no lugar inóspito é arrasada.

Por uma ironia do destino, antes que pudesse tentar fugir, é atingido por estilhaços de um morteiro atingindo-o no peito até o coração fabricado pela própria empresa. Logo acorda e é mantido como refém, forçado a arquitetar uma arma mortal para soldados afegãos, mas ao invés disso constrói a Mark I, o protótipo da armadura tão conhecida para fugir. A única coisa que o permite estar vivo é uma peça em formato esférico de altíssima tecnologia que faz os batimentos constantes, mas ao mesmo tempo fonte de riquíssima energia posta em esforço conjunto com Yin-Sen (Shaun Toub), cientista também mantido no cativeiro a força.

Compondo o restante do elenco há Gwyneth Paltrow como Virginia “Pepper” Potts, uma espécie de secretária faz-tudo do rico, mulherengo e inteligente personagem de Downey Jr. A personagem não contribui muito na trama, mas é o interesse amoroso do garanhão, então lá está ela a assessorá-lo e mantê-lo em alerta ao trabalho. Há também Terrence Howard que faz o coronel Jim Rhodes e passa a acobertar as ações do então amigo super-herói. Este personagem nas hq’s faz o War Machine e quem sabe podemos vê-lo num traje prateado e negro na seqüência. Por último Jeff Bridges que incorpora o nefasto Obadiah Stane (Monge de Ferro nas revistas) que conheceu o pai do milionário e compõe o time da Stark Industries.

O visual da armadura é muito bem elaborada, vemos cada peça a ser montada e movendo-se enquanto é vestida. Entretanto em algumas cenas é identificável que é composta por efeitos de CG, mas ainda assim digna de arrancar elogios pelos detalhes de cada movimento. A ação e o bom humor (sem falar no sarcasmo de Tony) é outro ponto a se destacar. Por onde passa é destruição na certa, como a que o Homem de Ferro está numa zona de guerra no Afeganistão contra soldados rebeldes ou a fugir de dois aviões de caça aos céus entre as nuvens e explicando ao seu amigo, o coronel Rhodes que está a caçá-lo, onde está e o que faz, repleto de uma trilha de Rock ‘n’ Roll. Aliás, a trilha sonora é mais um ponto fortíssimo que conta com Back In Black do AC/DC, Hell Above Water do Curve, Hey Man Nice Shot do Filter e a clássica Iron Man do Black Sabbath!

Há algumas curiosidades no filme, como a presença de agentes da S.H.I.E.L.D. (Superintendência Humana de Intervenção, Espionagem, Logística e Dissuasão) muito conhecida no universo Marvel em estórias publicadas e animações; a participação do diretor Favreau como guarda-costas de Tony Stark e uma pequena impactante surpresa após os créditos finais que poderá dar rumos interessantes ao futuro da franquia. Homem de Ferro certamente irá agradar aos que curtem as revistas em quadrinhos, e para os que não conhecem é uma boa forma de familiarizar-se com a mitologia deste rico universo.

Os Reis da Rua

2008-05-01T23:18:00.001-03:00

“Somos policiais. Nós podemos fazer tudo!” são as palavras do capitão de Polícia Jack Wander, interpretado pelo ganhador do Oscar de melhor ator em 2007 (O Último Rei da Escócia) Forest Whitaker a Keanu Reeves. Tudo começa quando Tom Ludlow (Reeves) resolve um complicado caso em Koreatown sobre gêmeas desaparecidas e logo visto pela mídia como um verdadeiro herói. Mas a vida do personagem prova que ele está longe desta denominação por ser trágica, já que sua esposa falecera. Agora se relaciona com uma enfermeira na tentativa de recomeçar, mas tornou-se um alcoólatra sempre presente para o trabalho. O filme conta também com o vencedor do Globo de Ouro por duas vezes, Hugh Laurie, o egocêntrico doutor da série House, que interpreta o capitão James Briggs buscando a cabeça de Wander por seus atos ilícitos.

Whitaker comanda um grupo de policiais que fazem tudo para manter a ordem e muitas das vezes por meios nada éticos, o que faz questionar os reais propósitos das operações. Em outras palavras, são tiras corruptos! O antes considerado herói está mais para anti-herói no decorrer da fita e descobrimos de cara que de bonzinho não tem nada, contudo um homem que há parcela de humanidade, de constante conflito e obrigado a viajar num mundo cruel na ensolarada cidade de L.A.

O filme realmente começa quando o personagem Terrence Washington (o ator Terry Crews) decide relatar as atividades clandestinas de Ludlow, e logo depois é assassinado por dois homens no momento em que estava junto a Tom Ludlow em uma loja de conveniências. No meio do fogo cruzado, o personagem de Keanu atinge acidentalmente o parceiro e a perícia constata que havia três calibres diferentes, o dos dois bandidos, além do policial. Todas as evidências o apontam como participante do crime encomendado e tudo é acobertado para que o seu nome não fique sujo. A partir daí, a obsessão do angustiado policial em uma busca por vingança, numa caça aos mandantes da execução ao lado de Paul Diskant (Cris Evans). A todo o tempo vemos Wander persuadir Tom a esquecer o ocorrido, mas que não escuta e investiga os assassinos em liberdade.

Não é difícil saber quem é o verdadeiro bandido malvado da estória e ainda assim Os Reis da Rua (Street Kings), que foi dirigido por David Ayer, é uma boa opção de filme policial mostrando que o mundo não é em preto-e-branco e que um homem decaído pode fazer atos heróicos ao arriscar a própria vida em busca de uma verdade, mesmo caindo em um contra-senso já que o faz não só por justiça, mas bem como vingança. Esse é o tipo de homem na qual “os meios justificam os fins” é verdadeira, e que fará o necessário para obter as respostas no caso em que se envolveu.

Paranoia

2008-04-26T03:27:00.003-03:00

Alfred Hitchcock influenciou gerações com suas obras e foi o caso de Paranoia (Disturbia), comandado por D.J. Caruso que é a grosso modo a versão de Janela Indiscreta para geração atual... A do Youtube, que apesar de um jovem elenco, não é um filme teen e realiza com confiabilidade o suspense a ponto de ruir unhas!

Kale Brecht é um jovem de 17 anos que acaba de perder o pai em trágico acidente e torna-se um garoto problema ao lidar com as próprias emoções, que vai mal na escola e está desconexo de tudo à volta. As dificuldades pioram quando esmurra o professor de espanhol e lhe é imposto a prisão domiciliar. Caso saia da casa, um sensor em uma caneleira especial é ativado terminando em intervenção policial.

Com a mãe (Carrie-Anne Moss, a Trinity da Trilogia Matrix) ordenando ao filho limpar o quarto e realizar as atividades de casa além de um tempo muitíssimo ocioso, joga videogames, vê filmes, e sente-se assistindo ao próprio reality show ao espiar com um binóculo a vizinhança (Olha o voyerismo ai). Dá-se conta de vizinhos adúlteros, crianças que assistem canal pornô, uma linda vizinha que acaba de se mudar e o suposto assassino serial a alguns passos da própria casa.

O revés de ser considerado um garoto problema é que ninguém lhe dá o devido crédito, ainda mais com a policia batendo a porta por vezes a fim de recriminar as ações rebeldes de um adolescente, e quando se descobre que o senhor Turner (David Morse), aquele que corta a grama duas vezes ao dia é o responsável por uma sucessão de mortes a todo o momento no noticiário, as chances de credibilidade para um moleque são pífias. Resultado, obter ajuda do melhor amigo tarado Ronnie (Aaron Yoo) e da linda solitária vizinha Ashley (Sarah Roemer) ao melhor estilo detetives da Mistério S.A. do cartoon Scooby Doo.

Os 104 minutos de fita são bem distribuídos com dramas pessoais, comédia, suspense, diálogos bem estruturados, e claro... A tensão sexual entre Ashley e Kale. A interpretação de Shia mais uma vez traz identificação por ser um rapaz comum tentando impressionar a garota (mas que é preso em frente a ela achando que suas chances vão pro ralo), por ter uma mãe que não acredita em nada do que ele diz, e como não fosse o suficiente tudo isso somado ao fato de estar até o pescoço com dificuldades ao deparar-se em circunstâncias extraordinárias, tendo de se virar da maneira que puder para permanecer vivo, bem como seus amigos.

O protagonista conseguiu a chance de estrelar este filme nas telonas por ter se destacado de 99 por cento do teste de elenco por conhecer o clássico de Hitchcock Janela Indiscreta, além é claro de manter desenvoltura e improvisação na medida certa ao set. “Shia LaBeouf”, guardem bem este nome pois promete grandes surpresas.

Quebrando a Banca

2008-04-24T02:35:00.001-03:00

Robert Luketic assume a direção de Quebrando A Banca (21) neste gênero já muito conhecido pelo público que é o de faturar uma bolada num grande e ousado golpe. As coisas começam quando Benjamin Campell, interpretado por Jim Sturgess, desperta o interesse de Micky (Kevin Spacey) o professor de cálculo da MIT (Massachussets Institute of Technology) que se espanta com a capacidade intelectual do jovem rapaz. Junto com o protagonista, outros alunos são recrutados por serem igualmente destacados por seus brilhantismos com números e memorização dos mesmos. O objetivo de Micky é simples: ficar rico nos jogos em Las Vegas.

Ao primeiro momento Benjamim recusa de cara a tomar parte da armação e não acha que possa servir ao grupo. No entanto, por desejar muito uma bolsa de estudos em Medicina na universidade de Harvard, que equivale a trezentos mil dólares, integra ao esquema principalmente após cair no esquema de um chamariz clássico: Ser persuadido Jill Taylor (Kate Bosworth de Superman: O Retorno) a qual tem uma paixonite platônica e aguda (certamente correspondida).

Não demora e logo vira o protegido do líder, que o lembra a si mesmo 25 anos atrás, citando que o garoto gênio é perfeito para o golpe por não deixar as emoções tomarem conta em momento algum. Com o tempo, Campell fica tão alucinado com as possibilidades que diz, "Em Boston sou apenas Ben Campbell, em Vegas era quem eu quisesse... Em Boston nós tinhamos um segredo, em Vegas nós tinhamos uma vida."

Com tudo devidamente arranjado, códigos estabelecidos, o que restam a fazer é contar as cartas. De acordo com o personagem de Spacey, a prática de contar e memorizar as cartas não são considerados ilegais, mas como diz o ditado popular “A banca sempre vence”. É apresentado devidamente Cole Williams, frio, cruel e meticulosamente encarnado por Laurence Fishburne (o Morpheus da Trilogia Matrix).

A fita grava em HD não é ruim, mas também não é uma obra prima do gênero, mesmo sendo baseado em fatos reais, e traz consigo obviedades do roteiro (ou pistas deixadas no decorrer do conto, se preferir), além dos elementos que dão o tempero como arrogância, ganância, conflitos, autodestruição dos mesmos e guerra de egos por haver um favorito dentre os integrantes da equipe. Além disso tudo, as luzes da cidade brilhante de Vegas com suas intermináveis festas. E claro, como não poderia deixar de ser... a tão clássica, quanto previsibilíssima, reviravolta ao final.

Cada número é uma palavra e cada palavra é um número para os que aplicam as jogadas de mestre, mas isto para o espectador não é importante tanto assim, tudo que resta é ficar sentado e ver a ‘mágica’ funcionar. Não se esqueçam, em Quebrando A Banca ou na vida real, a banca sempre vence... Sempre!

Imagens do Além

2008-04-14T02:32:00.001-03:00

Japão, terra da arte de cerâmica, origamis, bonsais, da cultura milenar dos guerreiros samurais e... dos fantasmas com sede de vingança! Imagens do Além (Shutter) é mais um filme americano que adapta contos sobrenaturais nipônicos, mas não é por isso que não possa ser estória mediana que entretenha (entretenimento descartável, devo acrescentar), porém, longe de ser uma inovação. O filme trata sobre Fotografia Espiritual, um fenômeno estudado em todo o mundo que consiste na captura de imagens de fantasmas e/ou emoções humanas após o clique em uma câmera.

Masayuki Ochiai, traz o remake de Espíritos – A Morte Está Ao Seu Lado e agora dirige Joshua Jackson (Série Dawson’s Creek) que interpreta Benjamim Shaw, e Rachel Taylor (Transformers) encarnando Jane. Recém casados, felizes e perfeitos para o outro, o típico casal do American Way of Life. Contudo... depois de uma proposta de trabalho ofertada a Benjamin, ambos partem a terra do sol nascente e de cara ao chegarem lá passam por um marcante e estranho acidente na estrada. Não é preciso ser adivinho: atropelam uma mulher funesta no meio da noite.

Bom... Mais previsibilidades no enredo. Depois do ‘acidente’ tudo passa de mal à pior ao casal e daí vemos os pontos clichês de filme de horror, presentes comumente em gêneros como este. Vamos a estes:

- A esposa, linda, loira que agora surta vendo o espírito em todos os cantos e seu marido, obviamente, não lhe dá credito alegando que tudo é coisa da imaginação... Até que o próprio passa a se espantar ao ver sua vida profissional desmoronar com fenômenos inexplicáveis.

- A dupla passa a investigar tudo, a começar pela procura de um médium que garante a resolução de problemas (Uma espécie de Mãe Dinah versão asiática).

- ‘Descobrem’ que o espírito na verdade é alguém do passado, de grande ligação aos personagens querendo trazer uma mensagem, e mais que isso: um ato de vingança.

- O espírito vingativo é mais um de cabelos negros sobre o rosto, pele pálida, roupas surradas, mulher e ainda assim insiste em querer passar uma mensagem, mesmo que não falando.

- Vítimas que morrem bizarramente, que possuem grau de amizade com os personagens principais.

Depois disso, entramos aos aspectos técnicos: Ângulos de câmeras fechadíssimos, pouca iluminação, chuva, trovões, trilha sonora carregada de suspense e pronto! Temos empacotado mais uma embalagem prontinha de suspense a ser consumido pelo público estadunidense e países exportados.

A fita apesar de apresentar um bom ambiente que mantém clima sombrio e tenso, não escapa de ser estereotipado quando como é dito que japoneses adoram fenômenos sobrenaturais. Tudo está em demasia o que faz ser cansativo e não mais assustador de tanta sonoplastia carregada, sincronizada ao susto de personagens que saem de um cômodo a outro, ou esbarram em outrem ao se virar, etc. Enfim, nada que você espectador já não tenha visto.

O filme apesar de thriller investigativo, com a presença do popular e mediano ator Joshua Jackson de grande apelo aos adolescentes por ser muito conhecido na tv, tem um desfecho quase que óbvio e por isso não deixa de ser mais um na prateleira das locadoras. Notório é o terror japonês no momento e talvez por mais algum tempo não deixe de ser a modinha de Hollywood. Tais contos parecem que vieram para ficar, enquanto houver algum produtor que queira bancar o gênero no grande mercado cinematográfico no Ocidente.

Antes de Partir

2008-03-31T11:22:00.002-03:00

Antes de Partir (The Bucket List) reúne dois grandes astros das antigas, Jack Nicholson e Morgan Freeman, neste comovente e divertido conto sobre a vida, apesar de ter a morte à espreita. Tudo começa quando ambos descobrem em dado momento que têm câncer. Logo são hospitalizados e dividem o mesmo quarto.

De um lado há Edward Cole (Nicholson), um homem rico, dono de uma rede de hospitais (inclusive o próprio em que está internado), e que já fora casado quatro vezes. Mas ao mesmo tempo em que amava estar casado, não largava a vida de solteirão e por anos se sentiu sozinho, ocupando-se com negócios.

Dividindo o outro lado do quarto, Carter Chambers (Freeman). Um mecânico casado, pai de três filhos, inteligentíssimo e articulado. Orgulha-se em dizer que não faz parte do grupo de 96% das pessoas que não querem saber o dia em morrerá. Ele acredita que sabendo exatamente o dia em que se parte desta para melhor há estímulo suficiente para começar a viver o que nunca foi possível.

Ambos são de mundos diferentes e tiveram a oportunidade de conviverem juntos. A única coisa que os fazem cultivar uma amizade verdadeira, e paralelamente compartilhar do mesmo destino, é a morte! Um é oposto do outro, contudo se atraem, se complementam e chegam a um ponto em comum que é de viver tudo aquilo não experimentado em toda a existência. E o que fazer antes de morrer? Simples... Uma listinha de coisas e ao segui-la começam a (re)viver. Pular de skydiving, fazer tatuagem, apostar corrida com a máquina dos sonhos (Um Shelby 67 vermelho contra um Camaro amarelo), transar com uma aeromoça, etc... Tudo para sentir o sangue correndo nas veias.

Entre um momento Rock ‘n’ Roll e outro há diálogos interessantíssimos no jato particular de Cole, ou no alto das Pirâmides, em um restaurante e mansão na França (...) que fazem questionar a existência de Deus, sobre o que é a vida, a felicidade, fatos, causas e conseqüências. Não poderiam ser mais opostos os personagens. Enquanto que Chambers é um homem de fé, que simplesmente prefere acreditar em uma força maior que conduz toda a vida, Cole em sua plena arrogância e sarcasmo diz que tudo não passa de coisas que simplesmente estão lá, que se deve viver e não questionar a origem de tudo por ser uma perda de tempo.

Outro ponto fortíssimo a favor da fita, além das conversas intrigantes e aparentemente triviais, são as curiosidades como a fixação do personagem de Nicholson pelo Kopi Luwak (o café mais raro do mundo), a partida de cartas entre os dois do inicio ao fim do filme, a narração Em Off de Freeman, e claro, as locações com belíssimos cenários como Muralha da China, Egito, Índia...

Impagável é a atuação de Morgan Freeman e Jack Nicholson que em momentos consegue ser reflexiva, emocionante e de bom humor, como a frase do rabugento Cole para seu assistente Thomas: “Três coisas que não se deve esquecer ao envelhecer: Não perca a chance de ir ao banheiro, não desperdice uma ereção e não confie em um pum”, seguido de risadas histéricas da platéia nas poltronas no escuro do cinema.

Antes de Partir é um primoroso filme e Rob Reiner sabe apertar os botões certos na hora de fazer rir, chorar e refletir. Os protagonistas viveram mais no tempo que lhes restou do que muitas pessoas a vida inteira; e para você que fica reclamando sobre levantar cedo para trabalhar, um conselho... Saia da cama e vá (re)viver um pouco mais. Se o fim de todas as coisas é algo certo, talvez o segredo seja saber como viver até o último dia. Caso a película fosse nacional, Epitáfio da banda Titãs seria a canção obrigatória na trilha sonora. Para completar,uma outra curiosidade ao final com as luzes acessas. Um casal de idosos levantou-se com lágrimas ao rosto e seguiu até o fim do corredor, abraçados.

10.000 a.C.

2008-03-24T12:47:00.001-03:00

Rápido e rasteiro: O filme é fraco! 10.000 a. C. só teve a visibilidade que demonstrou por ter Roland Emmerich sentado a cadeira de direção com o megafone. Ele é responsável por Soldado Universal e sucessos de filmes catástrofe como Independence Day e O Dia Depois de Amanhã.

O contexto é pra lá de manjadíssimo: Uma profecia diz que no futuro um homem valente será o líder de um povo e trará a libertação dos seus conterrâneos. O velho blá blá blá de sempre. O nome do primeiro herói da História é D’Leh (Steven Strait) e ele não passa de uma versão chorona e bem mal comparada a de Moisés em Os 10 Mandamentos, ou Neo de Matrix. Claro que todo conto assim tem uma coisa de que o herói necessita: vilões. Mas estes mesmos não conseguiram ser atraentes ou malvados o suficiente... Olha a escassez do roteito ai de novo!

Para engrossar o caldo e (tentar) trazer mais intrigas, o calcanhar de Aquiles do jovem guerreiro: Evolet (Camilla Belle), a mulher de olhos azuis por quem está destinado desde a infância. Ela faz a típica donzela em apuros, a eterna vítima a ser salva. Depois de seqüestrada junto com amigos por um grupo austero, D’Leh e o conselheiro da tribo interpretado por Cliff Curtis, (uma espécie de precursor a Sócrates, metido a sábio e filósofo, que mais traz indagações do que respostas) descobrem que os malvados bárbaros vilões é apenas uma parcela do grande império a quem irão enfrentar para libertar o seu povo.

Incoerente é o conto quando o vemos. A tribo dos mocinhos fala em inglês (!!!) enquanto que aquelas que juntam forças na batalha falam um tipo de dialeto africano, e como se não bastasse, o execrável exército bárbaro tem uma linguagem impronunciável, totalmente diferente dos grandiosos homens da fita.

Para um filme de homens nômades, muita sofisticação é vista na cidade-império quando chega o clímax do embate. No decorrer de 10.000 a. C. mapas, esquadros, compassos, todo tipo de parafernália de construção, barcos à vela, roupas estilizadas e adornos são avistados a todo o tempo. Como é possível tal inverosimilhança? Que credibilidade é passada na tela? Nenhuma!

Ao final, vemos que tudo não passa de um Romeu e Julieta da Idade da Pedra, e o potencial de ser um bom épico é resumido a jogar uma lança aqui e ali, correr no meio da mata e encontrar um amor de infância. O único ponto realmente forte são as locações e a fotografia, que por vezes chegam até mesmo serem comprometidas pelo fato de vermos os atores contracenando a um evidente fundo projetado de montanhas e regiões áridas.

Juno

2008-03-17T13:12:00.001-03:00

‘Alternativo’ é a palavra que bem descreve o roteiro de Diablo Cody, uma ex stripper e ex-atendente de tele sexo, em sua obra intitulada Juno; e coube a Jason Reitman captar a essência da escritora para pô-la nas telas. A estória conta com recursos de animação durante a introdução, um pouco de soft music com violão e vocais suaves, além de desfrutar ângulos de câmera que vão desde a tela cheia abrindo aos poucos sem cortes, mostrando um plano mais panorâmico.

Ledo engano a quem pensar que a película é um mais um draminha sobre a típica gravidez na adolescência e tão pouco se este é mais um filme teen. Tudo começa numa manhã de Outono quando Junebug McGuff, interpretada competentemente por Ellen Page (a Kitty de X-Men 3), está a relembrar do seu melhor amigo Paulie Bleeker (Michael Cera) em seu jardim. Lá do lado de fora, ela olha para cadeira na qual tenta se desfazer justamente por ter mantido nesta a sua relação de uma noite com o garoto atrapalhado e de poucas palavras.

Depois de três testes de gravidez encara a verdade e precisa escolher entre abortar ou ter a criança. Quando decidido que daria à luz, convence-se de que não pode criar um bebê e que doação seria a melhor solução, mas antes... Contar aos pais sobre a gravidez. Em seguida, é hora de procurar o casal ideal a quem possa confiar e garantir o futuro da criança. Entra em cena Jason Bateman (da série Arrested Development) e Jennifer Garner (Elektra e série Alias).

Mark Loring (Bateman) é compositor que trabalha em comerciais e ama música. Por causa de interesses em comum ou diferente, estabelece uma relação de convivência com Juno. Seus desacordos vão desde o melhor período do Rock ‘n’ Roll, que na visão dele é na década de 90, mas que para ela é em 1977 com o movimento Punk; à Dario Argento, mestre do terror na razão dela e que para ele são os Slash Movies, a grande graça de filmes de sangue...

Já Vanessa Loring (Garner) é uma mulher emotiva com instinto maternal nato. O desejo ardente em ser mãe aumentou depois de cinco anos ao tentar engravidar com o marido sem nenhum sucesso. Em contraposição ao lado mais sensível há uma característica um tanto tediosa, já que é obcecada, minuciosa em cada detalhe e pragmática com a vida. Com absolutamente tudo programado, sua personalidade se reflete desde o jeito que se veste até a forma de arrumar a casa e relacionar-se com o marido, que o vê como desleixado forçando-o a omitir das coisas do interesse dele. Mesmo assim, não deixa de ser atraente como uma jovem garota de 16 anos tem o potencial de conceder a chance de felicidade e concretização de um sonho almejado com muito custo.

A relação entre o casal e a jovem é bem estruturada, e logicamente Juno é o centro dessa roda gigante de interações bem emotivas. Destaque evidente é a solidez e as curiosidades, para não citar esquisitices, de alguns personagens como Mac McGuff, vivido por J. K. Simmons (J. Jonah Jameson da Trilogia Homem Aranha) o paizão careta divorciado há dez anos, que ama sua família incondicionalmente; Sierra Pitkin que encarna Liberty Bell, a irmã caçula ao estilo Pequena Miss Sunshine, amante de patinação no gelo; Allison Janney que interpreta Bren McGuff, a madrasta que a trata como filha tendo uma verdadeira obsessão por cachorros e não os tem por um simples motivo (pasme): sua enteada é alérgica a saliva de cachorro! E vemos Bleeker, viciado por Tic-Tacs de laranja e atleta de Jogging apaixonado pela personagem central, com sua bandana, short amarelo, munhequeira e meias na altura das canelas que dão um ar levemente ridículo, mas de bom humor.

A cada vez que um suspiro de alívio e/ou um assunto tem sua conclusão, vemos a tela escurecer no efeito de fade e uma indicação de qual estação de ano estão. Esta é a forma de passagem temporal sutil que serve como contagem regressiva até a hora do parto, e todo o desenrolar destas curiosas personas está ai e têm o seu encerramento no Verão.

Foi por merecer o Oscar de Roteiro Original, e o filme é atraente a todos, seja para um homem de 65 anos ou um garoto de 15, uma mulher que não queira ter filhos ou que tem o sonho de engravidar, afinal é um filme sobre a vida. Tão cativante foi a experiência de ver Juno que havia até mesmo três mulheres grávidas esperando pela próxima sessão do mesmo.

Maldita Sorte

2008-03-03T13:59:00.002-03:00

Se você pudesse ter o ‘dom’ de dormir com todas as mulheres possíveis sem qualquer tipo de comprometimento? Assim é com Charles “Chuck” Logan, encarnado por Dane Cook em Maldita Sorte (Good Luck Chuck).

Tudo começa em 1985 quando ele e seu inseparável amigo Stuart ainda crianças participam de uma festinha. Negando-se em beijar uma gótica de 10 anos de idade, Chuck tem uma maldição, lançada por ela, sobre seu corpo e alma: Toda mulher com quem se envolver fisicamente acordará no dia seguinte fadada a encontrar o homem de seus sonhos. Para facilitar ainda mais o processo, ele torna-se um ímã para mulheres solteiras e superatraentes.

No ponto de vista feminino ele é um talismã da sorte, e logo se tornou uma lenda viva posta em prova pelas mulheres. Não importa quem as sejam, se solteiras ou até mesmo encalhadas, todas querem dormir com o protagonista e encontrar o príncipe encantado de suas vidas. No ponto de vista masculino, é a vida que todo solteiro convicto pede a Deus! Quando a fama de talismã da sorte cresce, são elas que tiram proveito dele e não o contrario. Uma divertida e boa inversão de oportunidades.

“Esmola demais, o santo desconfia” já diz o ditado... Entra em cena Cam Wexler, por quem realmente se apaixona após todos os anos de relacionamentos baseados em sexo. Os defeitos da moça são o atrativo para Chuck. Tamanho é o desastre por onde ela passa que lhe rendeu o apelido de Murphy, referência clara ao criador da Lei que leva este nome. A beldade vive uma desastrada amestradora de pingüins, vivida por Jessica Alba que está linda como nunca (mesmo que um tanto anoréxica), porém, parafraseando a garota, “Não estou disponível emocionalmente no momento.”

O dilema do garanhão vem à tona quando finalmente é correspondido por ela, e se passar uma noite se quer com a jovem ela acordará seguindo sua vida com outro homem. E mais... Está decidido a desistir de suas casualidades e agora as vê como uma ação vazia e sem sentido.

O potencial desta história é bom, mas mesmo não sendo uma comédia romântica típica, cai no ato clichê de filmes boy-meets-girl. Vejamos: Amigo gordinho, machista e tarado que adora todo tipo de perversão. Confere. Mocinho que desilude a garota com seus erros e que não mais quer vê-lo. Confere. Conselhos de outros sobre encontrar a felicidade ou dar uma segunda chance para tudo se acertar. Confere. Corrida contra o tempo para dizer por uma última vez que a pessoa amada faz todo o sentido no mundo, antes que esta última parta para outro lugar do mundo. Confere também.

Mesmo assim com esses pontos já conhecidos em muitos filmes, Maldita Sorte não perde o seu ‘brilho’ talvez por existir um discurso apelativo sobre relacionamentos do ponto de vista masculino, bem como cenas de nudez e sexo um tanto descaradas. A impressão é de que o diretor Mark Helfrich traz uma pura desculpa para ver mulheres nuas fazendo caras e bocas, além de ter a presença de Alba em roupas curtíssimas. Se preferir, aqui vai uma outra visão: é um conto sobre encontrar a todo custo a alma gêmea após aventurar-se com todo tipo de mulher que pinta na frente por anos e viver feliz para sempre. Até o mocinho se acertar com Cam, só o que podemos fazer é dizer “Boa sorte, Chuck!”

Rambo IV

2008-03-03T13:51:00.001-03:00

Atenção senhoras e senhores fãs da franquia Rambo, no alto dos sessenta e dois anos de idade, Sylvester Stallone está de volta dirigindo e estrelando este filme para um último banho de sangue após vinte anos fora das telonas!

Um grupo missionário liderado por Michael (Paul Schulze) vai até John Rambo alugar um barco na Tailândia até Birmânia para levar suprimentos e cuidados médicos a população local. O herói de passado atormentado tenta alertar com poucas palavras o que estão por enfrentar e recusa a proposta, por esta região ser o foco de uma sangrenta área de guerra. Mesmo com o aviso de todos os perigos, recusam ouvir o protagonista e tudo que irão passar não chega nem perto do comunicado previamente dado. A negação é vencida pela atitude persuasiva de Sarah (Julie Benz) e sobem o rio em direção ao norte.

Chega por vezes ser irritante a ‘pureza’ (ou ingenuidade) do líder missionário dizendo que podem mudar a situação da guerra, que matar é muitíssimo errado e que toda vida humana é sagrada. “Estão levando armas? Então não vão mudar nada. Este tipo de pensamento não muda o mundo!” são as palavras ditas a todos pelo personagem central. O que Michael não sabia é que matando seria a forma de salvar a própria vida e de seus amigos.

A relação de Rambo com Sarah é rapidamente reflexiva. Ela o pergunta sobre o seu passado, onde mora, e se tem familiares. A resposta é que haveria chances de haver um pai, mas que isso não era motivo de um retorno a sua terra e origens por não existir nada lá que o force a regressar.

Dez dias após deixar os missionários na Birmânia, há a notícia de que estão desaparecidos e seria necessário um resgate juntamente com um pequeno número de homens altamente treinados para situação de guerrilha, além de contar com rebeldes da região contrários a ‘ordem’ vigente. É neste momento que existe o olhar para o passado e aceitação de sua real natureza. Consigo mesmo diz: “Você sabe o que você é, do jeito que é feito. Não pode combater isso. Isso nunca vai mudar, Deus não vai mudar isso. Quando se é forçado, matar é tão fácil quanto respirar!”

Reflexões à parte, ai que começa a matança de fato, e acreditem, o filme é o mais violento da cine-série. Homens, mulheres e crianças em meio há tanta brutalidade faz pensar o quanto de bondade ainda resta no mundo. A impressão que se tem dentro da sala escura é de que sangue, tiros e lama saem diretamente da tela de projeção.

Rambo consegue ser um retalhador maior ainda que o mítico e amaldiçoado Jason Vorhees da franquia Sexta-Feira 13, o grande assassino serial do cinema. Seja desarmado ao degolar um soldado birmanês, manuseando pistolas e fuzis, ou com o seu facão (marca registrada do combatente norte-americano), uma coisa é garantida: Todos os oponentes têm a morte certa!!!

“Viver por nada, ou morrer por algo” é a frase entoada pelo astro e depois de tudo obrigado a fazer nos quatro longa-metragens, ninguém mais do que John Rambo merece descanso e paz. Caso queira saber do motivo, após tantos anos buscando por sossego, do grande soldado estar morando próximo a uma guerra, a resposta é simples: A tentativa (ou desculpa) de Stallone em fazer novamente sucesso como herói de ação. Aceitável seria este motivo em ressucitar o clássico personagem?

Os Indomáveis

2008-02-27T18:55:00.001-03:00

Dirigido por James Mangold e indicado a dois Oscars, um por Trilha Sonora Original e outro por Melhor Mixagem de Som, 3:10 To Yuma, ou Os Indomáveis nas salas brasileiras, traz o encontro de dois grandes astros na cena hollywoodiana atualmente, Christian Bale e Russel Crowe.

Tudo se inicia quando Ben Wade (Crowe) e seu bando fora-da-lei são alvo das autoridades há tempos. A razão: dinheiro! O líder pistoleiro é um homem de fala mansa com um tom grave e jeito polido. Em suas conversas sempre arranja um jeito de recitar provérbios da Bíblia como forma de reflexão ou justificativa para os fatos. Mas não se engane, ele é o bandido da história! Certeiro e rápido, dispara com uma pistola especial chamada Mão de Deus sem piedade aos oponentes, embora haja um lado humano menos perverso exposto sutilmente em determinados momentos. Isto somente se comprova ao relembrar da infância.

De encontro aos saqueadores, um homem: Daniel Evans (Bale). Prestes a perder seu rancho na qual mora com mulher e dois filhos, ele aceita o fardo de escoltar Wade, quando feito prisioneiro, e tem a ajuda de mais alguns homens até Contentation garantindo que o frio personagem entre no trem das três horas e dez minutos da tarde que vai direto a uma prisão em Yuma. A morte por enforcamento ao líder bandoleiro o espera, a punição por todos os crimes.

O que motiva a personagem de Bale a envolver-se com alguém tão perigoso e de grande reputação quase que mítica, é por ter a chance de receber a quantia necessária para salvaguardar seu lar e família. Não mais temente a Deus, sem fé e desesperado, faz de tudo para manter sua função e assim impedir a venda forçada de sua propriedade.

No decorrer do transporte, o bando agora liderado pelo frio e sanguinário Charles Prince (Ben Foster), está em busca de seu chefe que logicamente trocam mais tiros do que fazem perguntas por onde passam.

Como todo homem que tem a fé abalada, é tentado pelo caminho mais fácil na resolução dos problemas: Wade oferta a Evans mil dólares se deixar de lado a missão suicida de chegar ao trem com destino a Yuma. Mas mesmo com estado de espírito paupérrimo, mostra sua virtuosidade ao recusar a proposta.

Fazendo-se um balanço geral sobre a película, ouve-se música característica dos duelos, o som do vento e as frases de impacto de homem durão e solitário, como “Às vezes é preciso grandeza para reconhecer sua insignificância”, “Lá vem a cavalaria”, ou a melhor dita por Crowe ao filho do mocinho: “Garoto, eu não duraria cinco minutos num bando como esse se não fosse podre como o inferno”.

Como vêem, um filme que tem tudo para sair-se bem nas bilheterias. Mas mesmo assim indago se o velho gênero western estaria voltando às telonas em grande estilo. Será mesmo que os saudosos tempos serão revividos com esta fita?

80ª Cerimônia de Entrega do Oscar

2008-02-25T15:34:00.001-03:00

Apesar dos percalços como a greve de roteiristas e a possível greve dos atores de Hollywood, seguiu no dia 24 de fevereiro, mesmo com muita chuva, a octogésima cerimônia de entrega do Oscar transmitido na Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, ou Academy Awards como chamam os norte-americanos.

Apresentada pelo humorista Jon Stewart, a entrega do prêmio mais importante da indústria cinematográfica foi recheada de bons indicados e muita irreverência. Um um jabazinho aqui e acolá para iPhone e Nintendo Wii, piadas sobre os concorrentes, personagens dos filmes, política, guerra do Iraque e sexo. Estaria a América mais flexível ao humor negro voltado para política e seus tabus culturais? Verdade seja dita... Parece que sim para Jon Stewart. Durante uma entrega e outra um compacto com o melhor dos 80 anos de história do evento, mais específicamente os ganhadores de Melhor Filme. Prato cheio para os cinéfilos.

Segue agora os prêmios de maior destaque:

Melhor animação: Ratatouile. Na direção Brad Bird;

Melhor ator coadjuvante: Javier Barden no filme Onde Os Fracos Não Têm Vez;

Melhor atriz coadjuvante: Tilda Swinton por Conduta de Risco;

Melhor atriz: Marion Cottilard por Piaf – Um Hino Ao Amor;

Melhor Filme Estrangeiro: Foi a película australiana The Counterfeiters. Infelizmente apesar da coqueluche Tropa de Elite de José Padilha, os brasileiros ficaram de fora desta premiação e não se tornou um oscarizável talvez por não ser válido exportar uma imagem estereotipada, suja, crua e violenta do Brasil. Contudo, fomos merecedores do Urso de Ouro, prêmio máximo do Festival de Berlin. E tão pouco foi indicado O Ano Em Que Meus Pais Saíram de Férias, dirigido por Cão Hamburguer, uma história sobre a ditadura militar brasileira aos olhos de um garoto.

Melhor Fotografia: É de Robert Elswit por Sangue Negro;

Melhor Documentário: Taxi to The Dark Side entregue para Alex Gibney e Eva Orney;

Melhor Roteiro Original: Como já se esperava por muitos vai para Juno. A responsável pela história é a ex-stripper Diablo Cody.

Melhor Direção: Introduzida pelo ganhador de 2007 por Os Infiltrados, Martin Scorsese, que entrega a estatueta de ouro a Joel Coen e Ethan Coen, responsáveis pelo violento Onde Os Fracos Não Têm Vez. Uma curiosidade quanto a esta premiação é que foi a primeira vez que uma dupla ganha um Oscar nesta categoria.

Melhor Ator: Segue para Daniel Day-Lewis e seu personagem que desperta emoções e admiração como Daniel Plainview em Sangue Negro;

Melhor Filme: Um dos prêmios mais agraciados e esperados do ano vai para Onde Os Fracos Não Têm Vez. Mal saíram os irmãos Cohen depois da entrega de Melhor Direção e retornaram imediatamente por esta categoria.

Com não muita surpresa, o grande vencedor mesmo da noite como se especulava foi Onde Os Fracos Não Têm Vez por ter ganhado quatro estatuetas: Melhor Filme, Melhor Direção, Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Ator Coadjuvante!

O Ultimato Borne levou três por categorias técnicas: Melhor Montagem, Melhor Edição de Som e Melhor Mixagem de Som. Já Efeitos Especiais, quem levou foi A Bússola de Ouro.

Durante aproximadamente quatro horas, os melhores participaram do maior evento cinematográfico do mundo e em comparação há anos anteriores de entrega, este foi o que pareceu ser menos ‘político’. Uma boa noite para reverenciar o cinema e todos os envolvidos nesta.

Cloverfield - Monstro

2008-02-14T15:32:00.001-02:00

Esta história seria mais um filme catástrofe que se passa na megalópole de Nova Iorque, símbolo da economia mundial, se não fosse os novos ângulos sobre como contar um filme de monstro, literalmente. A idéia do diretor Matt Reeves e do produto J.J. Abrams, o criador de seriados como Felicity, Alias e o furacão de audiência Lost, foi captar tudo com uma câmera digital caseira. Ponto forte!

Tudo começa quando amigos organizam uma festa para Rob Hawkins (Michael Stahl-David) que partirá para a terra do sol nascente e tudo é registrado pelo melhor amigo Hud, interpretado por T.J. Miller.

A ironia é que na noite de despedida, a Big Apple é atacada por um monstro, e como se sabe, cidades sendo esmagadas por uma furiosa e gigante criatura teve seus primórdios em contos de ficção japoneses, Godzilla é o mais famoso.

Mas antes mesmo do ataque, há um pouco da vida do protagonista gravada em sua câmera com fofocas e desilusões, acerca de Rob com sua amiga Elisabeth sendo encarnada por Odette Yustman. A geração do Youtube.com deve ter empatia, pois são momentos aparentemente íntimos ou engraçados daqueles bem típicos encontrados no site. Isso certamente terá apelo aos jovens desta Era tecnológica.

Aproximadamente aos 20 minutos vemos um pouco da massiva destruição da cidade na perspectiva dos personagens, a gente comum. Enquanto que todas as pessoas em sã consciência tentam fugir, os protagonistas vão à direção oposta por causa de Elisabeth, que após a briga com Rob vai para casa no centro da cidade, o maior foco da destruição. Daí vê-se como os movimentos rápidos e enquadramentos nada técnicos podem dar um ar certo de tensão, que aliado ao drama particular, provam nada poder fazer a não ser tentar permanecerem vivos.

Mas não se engane se espera ver somente a devastação causada pela criatura, pois poderá decepcionar-se já que o foco é o drama passado por meros mortais, e não como são os heróis que combatem a ameaça. Mas o ponto negativo não habita exatamente na ausência da ação descomedida, muito comum aos filmes catástrofe, mas sim nos instantes que precedem o fim da história e isto você terá quer ver para tirar as próprias conclusões. Se o filme fosse ao contrário do que se vê na telona como um Independence Day, O Dia Depois de Amanhã, Armagedom e até mesmo o cult Godzilla , àqueles mesmos com homens e mulheres de incríveis habilidades detonando o imenso adversário, seria mais um filme pipocão.

Ao fim da sessão houve por parte dos pagantes uma impressão de que algo ali na narrativa falta, mas tudo foi absolutamente arquitetado por Abrams e se quiser saber o que é, veja Cloverfield – Monstro.

A Lenda do Tesouro II

2008-02-08T19:03:00.001-02:00

Qual a coisa básica em uma caça ao tesouro? O tesouro e caçadores, logicamente, e National Treasure: The Book of Secrets, que no Brasil vem como A Lenda do Tesouro Perdido II, é um repeteco do primeiro filme. Mais do mesmo é praticamente o que se vê neste longa-metragem dirigido por Jon Turteltaub que assinou o filme original e esta seqüência. Mas a diferença está na ‘riqueza’ da trama.

Esta nova aventura inicia-se retomando o assassinato de um dos maiores presidentes Norte-Americanos do passado, Abraham Lincoln. Já nos dias atuais Mitch Wilkinson, o personagem de Ed Harris, alega ter provas de que o antepassado de Benjamin Franklin Gates (Nicholas Cage) teria ajudado a planejar a morte do líder americano em 1861. Pronto, está armado o circo numa corrida para mais uma vez limpar o nome da família Gates, assim como na primeira estória, lançada em 2004.

Compondo ao elenco temos Diane Kruger que revive a personagem Abigail Chase, o interesse amoroso do lead man da narrativa. Há também o retorno de Justin Bartha como Riley Poole, o excêntrico hacker e alívio cômico. Por último, Jon Voight reencarnando Patrick Gates (o pai do bom moço) e a talentosa Helen Mirren, como a matriarca Gates.

A trama intricada, e facilmente desdobrada por Cage após pistas de difícil juízo, faz com que os mocinhos saibam exatamente os próximos passos, mesmo a uma enxurrada de informações. Aos olhos e sentidos de meros leigos, certamente existe ignorância completa aos rastros do tesouro perdido, contudo, é de simples entendimento para os heróis da fita. Os astros querem passar um ar inteligentíssimo e onisciente dos fatos, da forma como são seus papéis, o que chega a ser um tanto forçado.

Para preencher os buracos e mesmo a dar uma pausa para respirar das epifanias e brilhantismos de Benjamin Gates e trupe, vêm as frivolidades que amenizam o enredo absurdo. Se pensarem que é exagero, enganam-se. Vê-se o grandioso e virtuoso herói fazer o impossível: seqüestrar o presidente dos Estados Unidos da América, o homem mais poderoso do mundo! E o ‘armamento’ usado para coagi-lo foi apenas lábia, jeito chorão (característico de Nicholas Cage) e senso imaculado de patriotismo. Santo Non-Sense!

A Lenda do Tesouro Perdido II é um exemplo claro e perfeito de que com certeza a vida não imita a arte. Assiste-se a uma narrativa nas quais soluções vão saltando da tela e tudo é mastigado para o pagante do cinema, sem ter o trabalho de raciocinar na elucidação dos enigmas. O filme é um aspira de Indiana Jones com roupagem para o século XXI e tão enervante quanto a presença de pistas que levam a mais pistas ou armadilhas, está a complexidade das teorias conspiratórias e a cultura do poderio Norte Americano. Mesmo assim, isto tudo não impede de ser um passatempo à la Sessão da Tarde por duas horas.

Queen Rock Montreal and Live Aid

2008-01-25T03:28:00.001-02:00

Se pudesse voltar no tempo e escolher uma data, seria nos dias 24 e 25 de novembro de 1981. Nestes dois dias apresentou-se uma das maiores bandas da história do Rock ‘n’ Roll: Queen!

Difícil destacar um momento específico ao ver o DVD. Ao assistir a apresentação dá-se conta de o que se presencia não é apenas um concerto, mas um grandioso evento musical e visual. Os efeitos pirotécnicos e de luzes em conjunto ao talento dos integrantes são muitíssimo competentes. Se nas imagens a impressão é de que naquele momento e lugar em particular estava o centro do mundo e nada mais em volta existia, maior seria tal sinestesia e ciência deste acontecimento ao estar lá.

A performance foi inteiramente registrada com película em 35 mm, além de ser a primeira banda a usar deste artifício na gravação da memorável noite. Ao encarar a tela é quase como se pudesse estar próximo ao palco.

Os Integrantes:

Roger Taylor, o baterista é incansável. Combinações de que norteia os sons mais explosivos ao mais suaves. Ele quem dita o ritmo.

John Deacon, o baixista. Homem de poucas palavras e olhar atento ao timing das músicas. Antes mesmo de ingressar ao grupo, tornou-se Phd em Astronomia. Só não sabia que anos após ele mesmo se tornaria um astro do Rock ‘n’ Roll.

Freddy Mercury. É inegável, o vocalista é um completo show man. Emerge sentimento das canções e com toda certeza emociona o público. O cantor gere com sapiciência e maestria o público por meio de seus poderosos vocais e logo obtém resposta no Forum de Montreal, contendo a capacidade para 18 mil pessoas.

Por último e com certeza não menos importante, Brian May. Sem dúvida nenhuma é um dos melhores guitarristas do mundo - E não é exagero. Seu diferencial é notável, já que é o único guitarrista quando muitas outras bandas têm até mesmo três para este cargo.

Vigoroso, pulsante, arrebatador, contudo suave e poético são os arranjos que aliada à performance característica e voz inconfundível de Freddy Mercury tornam-se garantia de uma experiência para uma vida toda. O baterista dá o ritmo; o guitarrista e baixista por sua vez a harmonia; o vocal é o complemento e alma da banda.

Este DVD duplo é um prato cheio para os fãs e uma ótima iniciação aqueles que querem aprender sobre o que realmente é o Rock ‘n’ Roll, que pelo domínio destes quatro músicos consegue ser eclético.

Com um certo grau de segurança e atrevimento, não é exagero considerar o guitarrista um dos melhores do mundo e certamente também não o é dizer que os quatro integrantes formam uma das maiores bandas da História, já que ‘soberbo’ é a palavra que vem a mente depois de 25 faixas em seus 95 minutos. Perdão a falta de um vocabulário mais polido, mas QUEEN É DO CARALHO!